El Facebook del Bisbat de LleidaEl Twitter del Bisbat de LleidaEl Google Plus del Bisbat de LleidaEl RSS del Bisbat de Lleida

Pantalla 90 (CEE)

Subscriure a Canal Pantalla 90 (CEE)
Dpto. de Cine. Comisión Episcopal de Medios de Comunicación
Actualitzat: fa 10 minuts 1 segon

Terminator 2: el juicio final

Dm, 12/12/2017 - 2:27pm

Terminator 2: el juicio final 

Público adecuado: Jóvenes, adultos

Aprovechamos el re-estreno en cines de Terminator 2 para revisar este clásico moderno de la ciencia-ficción. James Cameron ha supervisado la conversión de la película a 3 dimensiones mediante una transferencia a 4K de ultra-alta resolución, con resultados espectaculares.

La inteligencia artificial Skynet vuelve a enviar a un nuevo y mejorado modelo de terminator atrás en el tiempo, esta vez para asesinar a John Connor, el líder de la resistencia humana, cuando es un adolescente. El propio Connor consigue enviar a un antiguo terminator reprogramado para proteger a su otro yo más joven.

Desde la perspectiva actual puede costar entender el enorme impacto que supuso el estreno de Terminator 2 en 1991. La película no sólo supuso un absoluto triunfo de crítica y taquilla, y la consagración de Arnold Schwarzenegger como la mayor estrella del cine de acción del momento, sino también el establecimiento de ciertos modelos narrativos y visuales en la ciencia-ficción, además de una auténtica revolución en la creación de efectos especiales por ordenador. El espectador de 1991 asistía boquiabierto a la presentación realista de un personaje como el T-1000, el villano de la película, que estaba formado por metal líquido y podía adoptar distintas formas a voluntad.

La perfección técnica de la película, así como la brillantez de James Cameron en la dirección, no eclipsan sin embargo un estupendo guion que esconde una metáfora humanista bajo la estructura sencilla de la historia (de hecho, una repetición del esquema del primer Terminator). Y es que Terminator 2 vuelve a tratar el recurrente tema de tantas películas futuristas: la humanización de las máquinas como contrapunto de la deshumanización del hombre. Así, Cameron da un giro maestro al temible terminator de Schwarzenegger, que en la primera película era un villano implacable. Gracias a la obediencia que debe al joven John Connor, el cyborg aprenderá el valor de la vida humana y se convertirá en la figura paterna que el muchacho echa a faltar en su vida.

En contraste, la Sarah Connor dulce y desvalida de la primera película aparece aquí como una mujer endurecida por las experiencias traumáticas por las que ha pasado, que rehúye el contacto afectivo con su hijo y se plantea asesinar de forma preventiva al futuro creador de Skynet, en un proceso de deshumanización que está a punto de convertirla en otro “terminator” más. Pero es nuevamente la figura de John la que consigue reconducirla, demostrando así su madera de líder.

Finalmente, la película da totalmente la vuelta al discurso fatalista de la primera película, ofreciendo una visión esperanzada en el futuro de la humanidad. Tanto si la vieron en su momento en cines como si sólo accedieron a ella a través de la televisión, este re-estreno es una oportunidad única para disfrutar de este clásico como se merece, en pantalla grande.

Federico Alba

 

Ficha técnica:

Director: James Cameron.

Intérpretes: Arnold Schwarzenegger, Linda Hamilton, Edward Furlong, Robert Patrick, Joe Morton.

Duración: 137 minutos.

Género: Ciencia-ficción.

Categories: Notícies d'Esglèsia

Se armó el Belén

Dm, 12/12/2017 - 8:34am

Se armó el Belén 

Público recomendado: Familiar.

Bo es un pequeño burro que busca romper con su aburrida rutina y conseguir ser alguien importante. Un día, reúne el valor suficiente para escapar del molino en el que trabajaba constantemente y junto a su amigo Dave, una paloma, emprenderá un viaje donde hará muchos amigos y seguirá a una Estrella muy especial que le mostrará cuál es su destino.

Sin duda, lo que más llama la atención es lo bien ejecutada que está la película y el enfoque que han decidido darle a esta historia que ha sido transmitida durante siglos y siglos. Es difícil conseguir reinventarse a la hora de narrar, sobre todo para los más pequeños, la Natividad de Jesús, pero el film ha dado con el punto perfecto entre humor, sensibilidad y originalidad. Convirtiéndola en una obra de la que no solo los creyentes pueden disfrutar, sino cualquiera que desee pasar un buen tiempo en familia y que quiera recordar el bonito significado de la Navidad.

Técnicamente está correctamente elaborada, los personajes tienen una gran personalidad, tanto física como psíquicamente, lo que les hace diferenciarse de otros estudios de animación. Las texturas y las expresiones están muy bien conseguidas, especialmente en aquellos planos donde los personajes aparecen más estáticos, por lo que se echa de menos un mayor detalle a la hora de recrear los movimientos, como por ejemplo en el pelo o en las telas. A su vez, destacamos el buen uso de las luces, las sombras y la intensidad de los colores.

Si nos centramos en el ritmo y narrativa de la película, podemos ver que está dividida en varias secciones, la parte de los reyes magos, sobre todo con los camellos, María y José, y por último en el burro Bo. Al haber varias historias que se desarrollan al mismo tiempo es muy interesante observar como poco a poco van cogiendo forma y como se vinculan unas con otras, lo que le aporta impredecibilidad y mucho dinamismo, es decir, nunca se presenta como aburrida. Los cambios no son muy rápidos, y dan tiempo a que el espectador disfrute de cada secuencia sin sentirse perdido ni confundido.

Finalmente consideramos que el aportarle un mayor protagonismo a Bo ha sido un acierto, pues hace la historia mucho más llevadera, divertida y desde un punto de vista nunca utilizado hasta la fecha. Además, su uso de la sátira, los tópicos, y la adaptación del doblaje de la película en función del país en el que se ha estrenado permite crear aún más juego con el espectador y ser mucho más personal. Tampoco podemos olvidarnos de la música, pues es un factor fundamental en la película que aporta un toque de nostalgia, pero a su vez de modernidad, pues renueva los villancicos que todos hemos cantado en algún momento y añade otras canciones que encajan perfectamente con la historia.

Por todo ello, Se armó el Belén es un film que transmite su mensaje de forma clara y nos permite recordar los valores que realmente importan en la vida y el verdadero motivo por el que todos nos juntamos durante estas fechas. Convirtiéndola así en una pequeña joya que nadie puede perderse.

 

Ana Mirón Campos

 

Ficha técnica:

(The Star, 2017, EE.UU.)

Director: Timothy Reckart

Productora: Sony Pictures Animation / Franklin Entertainment / Affirm Films / Jim Henson Company / Columbia Pictures.

Distribuidora: Sony Pictures Realising.

Duración: 86 minutos.

Género: Animación, Aventuras, Religión.

Categories: Notícies d'Esglèsia

Coco

Dm, 12/12/2017 - 8:31am

Coco 

Público recomendado: Todos

Vuelve Pixar y lo hace a lo grande. De los creadores de la obra maestra de la animación Toy Story 3 (2010) y de la memorable Buscando a Nemo (2003), nos llega una bella y divertida historia sobre la familia al más puro estilo Pixar. Una digna candidata para el Oscar a mejor película de animación del año, llega para convertirse en una de las mejores propuestas familiares de cara a la Navidad.

Coco, nos cuenta la historia de Miguel, un niño mexicano que quiere ser músico pero su familia se lo prohíbe. Según cuenta la historia familiar, el tatarabuelo de Miguel por amor a la música abandonó a su familia y generó una herida que ha pasado de generación en generación. A escondidas Miguel toca la guitarra y trata de darle salida al deseo de convertirse en artista. Su pasión le llevará a adentrarse en la “Tierra de los muertos” para conocer su verdadero legado familiar.

El film se mueve con encanto y maestría entre el género de aventuras familiar y el drama. Con un guión ágil y sólido (algo predecible), la película se estructura en tres partes marcadas sobre todo por la incursión de Miguel en la “Tierra de los muertos”. La recreación de “otro mundos” es algo que Pixar logra con éxito, transmitiendo universos sencillos pero cargados de humanidad. Recordemos el universo de Monstruos, S.A. (2001) o la magistral recreación de la mente humana en Inside Out (2015).

En este caso nos muestra la “Tierra de los muertos” una especie de mundo previo a la muerte total, en donde conservamos el esqueleto y la existencia mientras alguien nos recuerde en la Tierra. Hermoso e intenso es el momento en donde vemos a un personaje desaparecer literalmente cuando alguien se olvida de él. Inteligentemente atrevido siempre Pixar al poner en la boca de nuestro protagonista la frase de: “¿y ahora dónde va?”.

Como todas las películas de Pixar, hay un cortometraje previo a la proyección. En él nos cuenta cómo las hermanas de Frozen (2013), Elsa y Anna, se han dado cuenta de que no tienen tradición familiar para la Navidad. Nuestro encantador muñeco de nieve Olaf, sale al rescate con intención de investigar qué tradiciones hay entre las familias del pueblo. Tanto la película como el cortometraje nos invitan a reflexionar sobre qué es la tradición y si tiene o no algo que aportar a las nuevas generaciones. Aunque es obvio que han extirpado de las posibles opciones la tradición cristiana, como ya se le echa en cara a Pixar desde hace años, no hay que precipitarse pues plantea una pregunta sobre la tradición de gran nivel que nos interesa a todos. Por otro lado, es comprensible que busquen gustar a un público lo más grande posible. De hecho, Coco es otro ejemplo más de cómo lo latino está influyendo en el panorama cultural. Otra influencia sería la del reggaetón en la música internacional.

Esta película aborda a través del conflicto del protagonista, el camino que tiene que hacer todo artista para desarrollar su talento y las trampas del camino. Una aventura llena de emoción y diversión de la mano de un joven aspirante a músico que recuerda a esos programas de T.V. como Operación Triunfo o La Voz, tan de moda estos días. De hecho, el detonante que hace que Miguel se ponga en movimiento es justo cantar en un concurso musical.

En definitiva, una de las mejores propuestas del año para toda la familia. Muy importante: no lleguen tarde al cine porque se perderán el cortometraje comentado y a Olaf, ese muñeco de nieve tan encantador que se merecería un largometraje propio.

 

Carlos Aguilera Albesa

El capuchón del bolic

 

Ficha técnica:

Director: Lee Unkrich y Adrián Molina.

Intérpretes: Animación.

Guión: Adrián Molina, Matthew Aldrich (Historia original: Lee Unkrich, Jason Katz, Matthew Aldrich y Adrian Molina).

Música: Michael Giacchino.

Nacionalidad: EE.UU.

Año: 2017.

Género: Animación.

Duración: 109 min.

Categories: Notícies d'Esglèsia

El libro secreto de Henry

Dm, 12/12/2017 - 8:27am

El libro secreto de Henry 

Público recomendado: adultos

Un niño muy especial, con grandes dotes y personalidad descomunal “dirige” la vida de su madre y de su otro hermano en El libro secreto de Henry, de Colin Trevorrow (Jurassic World, Seguridad no garantizada…), realizador también de la última cinta de la saga de los dinosaurios de Spielberg. El infante en cuestión es Jaeden Lieberher (It, St. Vincent, Aloha…) al que secundan Jacob Tremblay (Wonder, La habitación, Shut In…) y Naomi Watss (El castillo de cristal, Demolición, Birdman…) en esta cinta del director estadounidense.

Escrita por Gregg Hurwitz, cuenta la historia de Henry (Jaeden Lieberher) y su hermano pequeño, Peter (Jacob Tremblay), que viven con su madre soltera, Susan (Naomi Watts). Henry está enamorado de su vecina, Christina (Maddie Ziegler), la hija de Glenn Sickleman (Dean Norris: el famoso cuñado de  “Heisenberg” de la serie Breaking bad, El único, Total Recall…), comisario de policía y padre manipulador. Henry decide plasmar en un libro el plan para salvar a su chica de la influencia de su padre. La madre de Henry, Susan (Naomi Watts), descubre el libro y se implica en desarrollar el plan de su hijo para liberar a Christina.

Susan sabe que su hijo es un genio y un referente de tipología masculina (no en vano, confiesa a su amiga Sheila que ha desechado potenciales relaciones sentimentales porque no ha encontrado a nadie mayor similar a su hijo). Con este planteamiento tan perturbador, no es de extrañar que el descubrimiento del libro de Henry haya sido extrañamente “providencial”.

Al protagonismo del mayor se une que ambos niños se hayan educado con la ausencia del padre. Pero es el pequeño Peter Carpenter (Jacob Tremblay) quien se convierte en el sustento emocional de la familia, pues favorece su unión con su ternura y calidez. Este es uno de los aspectos más congruentes y destacables del filme.

Película que, por otra parte, se va precipitando al vacío cuando contacta con el tinglado montado por Hurwitz y por la dirección de Trevorrow. La trama funciona relativamente bien hasta el giro de su segundo acto: una decisión creativa pero sin anclajes consistentes para darle verosimilitud a los hechos siguientes que van ocurriendo.

El filme, que ha cosechado críticas en Estados Unidos y Gran Bretaña, y que no ha sido presentado previamente a la prensa antes de su estreno en España por la distribuidora —seguramente para prevenir lo anterior—, se exhibe únicamente en tres cines de las periferias de Madrid, lo que dice bastante de los descosidos que lo recorren.

Lo más destacable de esta cinta es el trabajo de los niños (también el de Naomi Wats en su papel de adolescente tardía tutelada por su hijo mayor). Jaeden Lieberher demuestra por qué es uno de los actores infantiles más solicitados y Jacob Tremblay, no se queda atrás, como demuestra en este filme y en el que protagoniza en otra película recientemente estrenada: Wonder, en el que da vida a un niño que ha nacido con deformaciones en el rostro y borda una actuación mayúscula.

Ya de paso les recomiendo esta última película por encima y que lleven a sus hijos más tímidos y/o con problemas de adaptación, porque tanto Uds. como ellos saldrán fortalecidos.

 

Título original: The Book of Henry- Estados Unidos 2017

Dirección: Colin Trevorrow

Guion: Gregg Hurwitz

Música: Michael Giacchino

Fotografía: John Schwartzman

Reparto

Naomi Watts,  Jaeden Lieberher,  Jacob Tremblay,  Dean Norris,  Sarah Silverman, Lee Pace,  Maddie Ziegler,  Bobby Moynihan,  Marjan Neshat,  Deborah Rayne, Maxwell Simkins,  Mary Joy

Productora: Focus Features / Double Nickel Entertainment / Sidney Kimmel Entertainment

Género: Drama | Familia.

Duración: 105 min.

 

 

 

 

 

Categories: Notícies d'Esglèsia

En la playa sola de noche

Dm, 12/12/2017 - 8:24am

En la playa sola de noche 

Público recomendado: Jóvenes

La joven y famosa actriz Young-hee viaja a Hamburgo para superar una fallida historia de amor con un director de cine, un hombre casado mayor que ella, que no se ha decidido a dejar a su familia y seguir a su amante. En esa ciudad pasa un tiempo con una amiga e incluso se plantea quedarse a vivir allí, puesto que no ha dejado a nadie tras ella. Pero después de un tiempo regresa a Corea, donde visita a algunos conocidos y sigue arrastrando sin rumbo su soledad. Su desilusión por el fracaso vivido se hace cada vez más destructiva para ella, porque suele beber hasta embriagarse. Entonces, su amargura y autocompasión le suben hasta la garganta y no puede por menos que lastimar de forma cruel a las personas de su entorno, a las que lastima con sus palabras hirientes. Finalmente toda su tristeza destructiva estalla de forma patética en una cena con su antiguo amante y su equipo de rodaje.

La película, que puede tener una referencia autobiográfica, ya que el mismo Hong Sang-soo tuvo una tormentosa relación extramatrimonial con la actriz Kim Min-hee, que interpreta a Young-hee, está dividida en dos capítulos explícitamente numerados y separados por una transición bastante larga que corta ambas partes. Como es habitual en él, el director coreano nos sumerge en un juego de espejos y de dobles oportunidades, nada fáciles de captar, como ya vimos en algunas de sus obras anteriores, como Lo tuyo y tú o Ahora sí, antes no. Con En la playa sola de noche el cineasta parece querer ofrecer una reflexión sobre el auténtico amor, y hay algunas frases prometedoras, como que para amar hay que estar «cualificado», o que el amor exige «reflexión». Es cierto que reducir el amor a mero sentimiento y sensaciones, sin aplicar lo más elevado del ser humano -la inteligencia para discernir y buscar siempre el bien del amado y la voluntad para no permitir que las pasiones egoístas desvirtúen el amor de calidad- constituye un grave error, porque así vivido, sólo como impulso instintivo, puede, sin duda, proporcionar experiencias agradables pero éstas son irremediablemente efímeras, y al final, sólo queda la tristeza del desamor. Pero Hong Sang-soo no lo dice ni lo insinúa en la película. Young-hee se limita a concluir que la gente no sabe amar. De tal modo que sus afirmaciones, que surgen de los vapores del alcohol, se quedan flotando en el vacío, no significan nada y, lógicamente, no las comprenden los personajes a quienes van destinadas como un reproche. La verdad es que también el pobre espectador tiene dificultades para seguir la línea argumental y para conseguir entender algo de lo que dice y hace la protagonista. Es un personaje de reacciones imprevisibles e inexplicables, que no sabe qué hacer con su vida, no tiene ninguna estabilidad personal ni es capaz de relaciones normales. Lo único que le interesa son sus insatisfacciones y sus rencores, y aun eso con muy poca lógica. Mira la vida y a los demás como en un espejo, en cuyo centro sólo se ve reflejada ella misma. Y acaba dejando languidecer su soledad en una playa sola de noche.

El film gustará a las personas sensibles al cine tan especial de Young-hee, a la belleza innegable de sus películas, y al trabajo soberbio de Kim Min-hee y del resto del elenco, pero, a pesar de esas cualidades, la mayor parte del público se aburrirá hasta el sopor.

María Ángeles Almacellas

 

Ficha técnica:

Bamui haebyun-eoseo honja (Corea del Sur, 2017)

Duración: 101 min.

Género: Drama

Dirección: Hong Sang-soo

Intérpretes: Kim Min-hee, Seo Young-hwa, Jeong Jae-yeong, Mun Seong-kun, Kwon Hae-hyo, Song Seon-mi, Ahn Jae-hong

Guión: Hong Sang-soo

Fotografía: Park Hongyeol, Kim Hyungkoo

 

Categories: Notícies d'Esglèsia

The Void

Dm, 12/12/2017 - 8:17am

The Void 

Público recomendado: Adultos

The Void pasó por el festival de Sitges de año pasado y no hizo demasiado ruído.  Supongo que pasó desapercibida entre tan acostumbrada borrachera de cine fantástico y de terror. Bien es verdad que fue un año muy reñido aunque solo fuera por la presencia de títulos tan discutidos como estimulantes como los de Swiss Army Man, La autópsia de Jane Doe, The Neon Demon, Crudo o Seul Station. Es cierto que entre la mayoría de estas películas El vacío no podía pasar de propuesta resultona. No hay grandes hallazgos en sí mismos más bien, un poco como sucedía con La autópsia de Jane Doe, el film dirigido por Jeremy Gillespie y Steven Kostanski partía de una propuesta más o menos realista para degenerar poco a poco en el más convencido y autétnico de los aromas propios del fantastique completamente ajeno de cualquier tipo de complejo.

The Void arranca con un policía que en mitad de una carretera oscura y tenebrosa se tropieza con un hombre que parece necesitar con urgencia atención médica. El hospital más cercano está prácticamente desmantelado, está en plena mudanza y en cuestión de días ya no estará ahí pero en ese momento es la opción más rápida. Una vez en el centro médico comienzan a pasar cosas raras, más raras de lo esperado. Primero unas extrañas figuras, después una abominabe criatura y al final el cosmos en su más profunda e infinita concepción.

Lo mejor que uno puede hacer es ir a ver The Void sin una idea preconcebida de lo que va a encontrar porque comienza siendo una cosa para convertirse en otra y termina siendo otra muy distinta. Eso sí, la película es una cinta de terror en estado puro, no es apta para todos los públicos y la sangre y demás fluidos corporales deámbulan a sus anchas por la mayoría de las escenas de la cinta.

The Void viene dirigida por Jeremy Gillespie y Steven Kostanski dos jóvenes consumados en el medio que han hecho casi de todo entre las bambalinas de algunos de los grandes éxitos de Hollywood. Desde componer música a diseñar decorados los nombres de Gillespie y Kostanski se pueden rastrear entre los créditos de películas como Pacific Rim, Resident Evil  o Escuadrón suicida.

El resultado es una película propia de alguien que conoce el género, venera a los maestros (los guiños a Carpenter y Lovecraft son abundantes) pensada para los amantes del género que no busquen nada más que una propuesta sencilla pero efectiva. Sin grandes alardes, ni dramáticos ni técnicos, y sin la necesidad de pretender ser lo que no es ni aspira a ser, The Void resulta una agradable sorpresa de la cual puede que solo se pudiera extraer una lección moral, un terrible pesimismo existencial sobre la misma esencia del ser humano. Algo a lo que ya hacía referencia su título The Void, “el vacío” o La nada en español.

 

Ramón Monedero

 

Ficha técnica:

(Canadá, 2016)

Dirección: Jeremy Gillespie y Steven Kostanski

Interpretación: Aaron Poole (Daniel Carter), Kenneth Welsh (Dr. Richard Powell), Daniel Fathers (El Padre), Kathleen Munroe (Allison Fraser), Ellen Wong (Kim) y Mik Byskov (El Hijo).

Duración: 90 min.

Distribuidora: Segarra Films

Género: Terror

Categories: Notícies d'Esglèsia

Enganchados a la muerte

Dm, 12/12/2017 - 7:39am

Enganchados a la muerte 

Público recomendado: Jóvenes

Hay dos tipos de remakes equivocados, los que caen en el exceso (Pyscho) y los que se despeñan en los defectos. Enganchados a la muerte es de esta última clase de películas. Como es sabido, el film original no fue más que una cinta resultona de goce pasajero y efímero sujeto a una época muy concreta. En 1990 el cine de terror no atravesaba su mejor momento y una cinta como Línea mortal era lo más parecido a pasar un poco de miedo en una sala de cine repleta de adolescentes. Su propuesta era inquietante y su director, Joel Schumacher, que aún estaba por demostrar sus mejores y sus peores virtudes, todavía se regodeaba en su tendencia hacia el videoclip lo que le terminó sentándole bien a esta película a la hora fantasear sobre la difusa línea que separa la vida y la muerte.

Sin embargo, repetir esta triple carambola era por definición muy complicado aunque se hayan seguido derroteros similares. Como en la cinta original se llamó a un guionista más bien malo, en este caso Ben Ripley, responsable de libretos infames como los de Species III y Species IV. Y como en la película de Schumacher se reclutó a un director mediocre de éxito inesperado como es el caso de Niels Arden Oplev, un curtido realizador de la televisión danesa que logró llamar la atención de algunos despistados con la insípida Millenium. Los hombres que no amaban a las mujeres.

El resultado de semejante combinación de ingredientes no podía traer nada bueno de modo que en el fondo tampoco deberíamos escandalizarnos. Si la base de partida era frágil y las herramientas empleadas para levantar el edificio de dudosa calidad, el resultado nunca podía ser bueno, ni si quiera estimable. Dejando a un lado la banalización que se hace de la muerte Enganchados a la muerte es para colmo un calco, casi escena por escena, del film original, arriesgándose muy poco, por no decir nada, con respecto a la película de los noventa.

El objetivo parece claro, conseguir un éxito moderadamente barato (20 millones de presupuesto sigue siendo mucho dinero) con una historia ya hecha pero a buen seguro desconocida por buena parte del público hacia el que está destinada esta película.

Moraleja. Hay que ver más cine, incluso malas películas para que cuando a algún iluminado se le ocurra hacer un remake, no ir a verla.

 

Ramón Monedero

 

Ficha técnica:

(Flatliners)

(Estados Unidos, 2017)

Dirección: Niels Arden Oplev

Interpretación: Ellen Page (Courtney), Diego Luna (Ray), Nina Dobrev (Marlo), James Norton (Jamie), Kiersey Clemons (Sophia), Kiefer Sutherland (Dr. Barry Wolfson) y Madyson Brydges (Tessa).

Duración: 108 min.

Distribuidora: Warner Bros.

Género: Terror

 

 

Categories: Notícies d'Esglèsia

El Amparo

Dm, 05/12/2017 - 12:57pm

El Amparo  

Público recomendado: Jóvenes y adultos

Dignidad, y mucha, es la que hay en los supervivientes de la masacre perpetrada y en el intento de atropello a estos por parte del poder, en el caso de la muerte de 14 pescadores del pueblo de El Amparo (Venezuela), a quienes el ejército y la policía venezolana acribillaron porque, dijeron torticeramente, que eran guerrilleros colombianos que entraron en el país para sabotear infraestructuras. Ese hecho, ocurrido en 1989, conmovió al entonces niño Rober Calzadilla, quien no ha parado hasta realizar la película El Amparo, presentada a los Premios Goya de este año.

Calzadilla se centra mayormente en los dos únicos vivos de la matanza:  José Augusto Arias y Wolmer Gregorio Pinilla (interpretados por Vicente Quintero y Giovanny García), a los que el gobierno venezolano incriminó también calificándolos de guerrilleros (antes trató de comprarlos con dinero y promesas de bienes si se declaraban culpables de este cargo). Aunque el “cerco emocional” se acreciente y hay momentos de debilidad, ellos no cejan en erigirse inocentes. Y no solo por ellos, sino por defender la honorabilidad de sus compañeros asesinados, que aparecen ante la opinión pública como subversivos.

Ambos están en la prisión del pueblo El Amparo, custodiados por el policía local Mendieta, interpretado por Vicente Peña, que se opone terminantemente a que se los lleve el militar de alta graduación, que viene a por ellos sin haber por medio una orden de la Fiscalía (uno de los momentos determinantes del filme).

Aunque en 1990, la Comisión Interamericana de Derechos Humanos realizó un informe recomendando al gobierno venezolano que investigara y sancionara a los autores materiales e intelectuales y que se indemnizara a las víctimas, no se llevó a cabo ningún procedimiento para esclarecer los hechos, aun conociéndose los nombres de los militares y policías que estaban al frente del operativo que acabó con la vida de los pescadores.

La dignidad no solo está presente en la posición inquebrantable de los dos supervivientes y en el jefe de policía local, sino también en las mujeres y padres de los asesinados que exigen que los culpables sean juzgados y que laven el honor de los muertos. Tampoco se pliegan a recibir las ayudas del Gobierno para acallar sus reivindicaciones.

El director Rober Calzadilla ha reconocido que lo que más le “impactó fue la imagen de los dos sobrevivientes diciendo en la televisión: ‘No somos guerrilleros, somos pescadores’”. Esto llevó al director venezolano a embarcarse en su primer largometraje, con el que ha conseguido, el favor de la gente y por el que ha recibido el premio del público en más de 25 festivales de cine, donde se ha presentado este filme.

El Amparo nos habla del protagonismo de personas sencillas que se enfrentan a grandes poderes para reivindicar la verdad y, con ella, la de quienes ya no podían defenderla en esta vida.

Enrique Chuvieco

Título original: El Amparo – Venezuela 2016

Duración: 101 min.

Dirección: Rober Calzadilla

Guion: Karin Valecillos

Fotografía: Michell Rivas

Reparto

Vicente Quintero,  Giovanny García,  Vicente Peña

Género: Drama. Bélico | Años 80

Categories: Notícies d'Esglèsia

Una bolsa de canicas

Dm, 05/12/2017 - 12:50pm

Una bolsa de canicas 

Publico recomendado: Jóvenes y adultos

Como otros niños y jóvenes que se ven envueltos en guerras, Joseph y Maurice tienen que realizar un obligatorio curso acelerado de maduración cuando los alemanes invaden Francia en la Segunda Guerra Mundial, y deben huir por ser judíos. Basada en la novela Un saco de canicas, de Joseph Joffo, el director Christian Dugay (Coco Chanel, Hitler: El reinado del mal, Campamento castigo…) nos acerca a los miedos, sufrimientos y brutalidades que padecen los más vulnerables en las contiendas bélicas. Destacar también el papel benefactor de varios eclesiásticos en el filme, implicados en salvar a los niños del poder nazi.

Roman (Patrick Bruel: El nombre, Cena de amigos, El lobo…) regenta una peluquería en la que trabajan sus dos hijos mayores. Con su mujer Anna (Elsa Zylberstein: Primavera de Normandia, Hace mucho que te quiero…), han tenido también al adolescente Maurice (Batyste Fleurial) y a Joseph, el más pequeño de la familia.

Llegan los nazis y la familia tiene que huir a la zona libre —más tarde dejaría de serlo por el colaboracionismo del gobierno del mariscal Petain con los alemanes—, pero debe hacerlo por separado y ocultar que son judíos (la “prueba” que el padre somete al pequeño Joseph es brutal). Así, los dos infantes deberán embarcarse en una emigración forzosa pasando mil y una penalidades.

El director canadiense Christian Dugay, que también es coguionista, retrata con vigor e implicación emocional el desgarro que supone para un niño su periplo obligado de separación de sus padres y los peligros a que son sometidos. Lo vemos y enfatizamos en muchas escenas del filme. Las almas de los dos protagonistas no quedan destrozadas, como viene ocurriendo con las guerras actuales, en las que los pequeños y jóvenes son utilizados como soldados (muchas veces drogados para matar) y/o esclavas sexuales, en el caso de las chicas.

El director canadiense dota de verosimilitud las consecuencias que tuvieron para los judíos el programa de confiscación de bienes y exterminio étnico ordenado por Hitler y desarrollado por sus principales subalternos.

Christian Duguay conduce con solvencia a sus jóvenes protagonistas, sabedor de que es la primera vez que se ponen delante de la cámara, para llevar a la gente las peripecias narradas en el libro autobiográfico de Joffo. Dugay ha plasmado en diálogos e imágenes la aventura forzosa del escritor francés y su hermano mayor (encarnados por los protagonistas del filme) para escapar del Holocausto. La obra fue publicada en 1974 con gran éxito en Francia.

En el filme, se evidencia, como se apuntó más arriba, la actuación de sacerdotes católicos para defender y salvar a judíos del poder omnipresente nacionalsocialista, lo cual atestigua el compromiso de muchos eclesiásticos en Francia y otros países para defender el derecho a la vida de quienes habían sido condenados a desaparecer en la “Solución final”.

La bolsa de canicas es una muestra más de la barbarie pensada y ejercida hace menos de 100 años en una Europa que creía que había interiorizado los avances humanos de la Ilustración, pero que resultaron ser más un ejercicio de buenismo superficial que una constatación clarificadora de que “no hay nada nuevo bajo el sol”, por mucho que se empeñen líderes políticos y sociales en esgrimir el tótem de que los avances científicos y de derechos vacunan permanentemente al ser humano para realizar las mayores depravaciones: craso error.

 

Enrique Chuvieco

Título original: Un sac de billesaka -Francia 2017

Dirección: Christian Duguay

Guion: Jonathan Allouche, Christian Duguay, Alexandra Geismar, Benoît Guichard (Novela: Joseph Joffo)

Fotografía: Christophe Graillot

Reparto:

Dorian Le Clech,  Batyste Fleurial,  Patrick Bruel,  Elsa Zylberstein,  Christian Clavier, César Domboy,  Ilian Bergala,  Kev Adams,  Lucas Prisor,  Bernard Campan

Género: Drama | II Guerra Mundial. Nazismo. Holocausto

Duración: 110 min.

 

 

Categories: Notícies d'Esglèsia

Wonder

Dm, 05/12/2017 - 11:45am

Wonder 

Público recomendado: todos

Nos parece difícil de encuadrar en un solo género a este Wonder con posibilidades de Óscar, ya que unos la calificarían como un drama con tintes cómicos, mientras que otros la situarían en el género de la comedia dramática.

El acierto de su director Stephen Chbosky, un buen conocedor del mundo de los adolescentes como demostró en su trabajo Las ventajas de ser un marginado, es que esta película juega a dos bandas con los citados géneros en la que ambos se superponen. A pesar de lo delicado del tema, está todo tratado con tal elegancia y con la suficiente blancura como para que sea apropiado para un amplio espectro de público, franja infantil incluida.

August Pullman es un chico con malformaciones, que se enfrenta al reto de entrar en una escuela privada, tras unos años de múltiples visitas a hospitales.

Los jóvenes actores están realmente bien. Julia Roberts se luce en cada plano y parece haber comprendido que ya ha llegado la hora de interpretar a personajes más maduros y el resultado es razonablemente bueno. El actor Owen Wilson, que recuerda al presentador Jesús Calleja que hace entrañables reportajes en Volando voy por los pequeños pueblos de España, le da la réplica, haciendo de padre que complementa las debilidades de su entregada mujer con la salud de su hijo con gran sentido del humor.

Este director se desenvuelve como pez en el agua en producciones que hablen de historias que demuestren que hay que profundizar en el conocimiento de las personas porque, en muchas ocasiones, la belleza se encuentra en el interior, pues es el guionista de La bella y la bestia de 2017.

Los temas de esta adaptación de la novela de R. J. Palacio están planteados con delicadeza y en ningún momento buscan herir la sensibilidad del espectador como otras producciones que a todos nos vienen a la mente, sino que facilitan la reflexión mediante buenas frases, diálogos intensos o ingeniosos chistes. La película invita a pensar sobre la necesidad de aceptarnos a nosotros mismos tal y como somos, superando las dificultades sin rendirnos nunca, y que todos estamos en este mundo por un propósito especial. Sobre todo, el realizador recalca que el protagonista está llamado a despertar la bondad, la compasión y el respeto en los que le rodean.

Hay que prestar atención a las escasas, pero acertadas, intervenciones del director del colegio, interpretado por el actor Mandy Patinkin, puesto que homenajea la labor de esos maestros que se implican en la educación y en los problemas de sus chavales. Sus observaciones resultan claves para detectar por ejemplo casos leves de acoso antes de que se conviertan en un grave problema para lograr, lo más rápidamente posible, que la víctima pueda salir adelante y que los abusadores desistan de sus acciones antes de que la sangre llegue al río y se conviertan en delincuentes.

 

Título: Wonder (2017)

Director: Stephen Chbosky

Reparto: Julian Roberts, Owen Wilson, Jacob Tremblay, Mandy Patinkin e Izabela Vidovic, Sonia Braga

Categories: Notícies d'Esglèsia

Pasaje de vida

Dm, 05/12/2017 - 11:41am

Pasaje de la vida 

Público recomendado: Adultos

En diciembre de este año se estrenará una coproducción hispanoargentina que debutó en la pantalla grande originalmente en Argentina, en 2015.

Se trata de Pasaje de vida, del director Diego Corsini (Solos en la ciudad y Artax, un nuevo comienzo): un thriller político con tintes románticos ambientado en la dictadura de Perón, en los años 70.

La historia narra, desde dos tiempos narrativos diferentes y separados por cuarenta años de distancia, la historia de Miguel (Chino Darín): operario en una fábrica decidido a cambiar la penosa situación laboral en la que se ve inmerso y la crítica tesitura en la que vive el país; decide dar el paso de la lucha política a la lucha armada y se adentra en un mundo del que le costará salir sin dejar atrás parte de sí. A su vez, el motor que desencadena la trama es la embolia que sufre un Miguel ya envejecido (Miguel Ángel Solá), distante e incapaz de valerse por sí mismo: su hijo, Mario (Javier Godino) ha acudido al hospital, aunque ya había perdido el contacto con su padre. Por casualidad, halla en la casa familiar una novela inacabada que narra las vivencias de su padre y las de sus compañeros de armas; el hallazgo lo empujará a intentar averiguar cuál es su pasado, que siempre ha desconocido realmente, y lo pondrá de frente ante la acuciante pregunta de quién fue, en verdad, su madre, a la que no llegó a conocer.

Corsini plantea un interesante relato en el que la acción política y la militancia revolucionaria, los amoríos de armas y las frenéticas huidas están enfocadas a plantear la pregunta acerca de si hay algún fin que justifique cualquier medio y cómo se puede hacer justicia en un mundo en el que parece que todo clama lo contrario a lo que uno espera. Los protagonistas deberán mirar a la cara la ideología, que violenta siempre la realidad, y escoger entre esta o ceder ante lo que ha surgido entre ellos.

Pasaje de vida es una película osada, sin miedo a penetrar en un pasado reciente y dramático de una Argentina que aún tiene heridas por cerrar; aunque es también una película con el suficiente arrojo como para que la lucha armada no se convierta en el verdadero protagonista de la historia: busca respuestas más que ofrecer tesis axiomáticas sobre los «subversivos», como se les llama a los revolucionarios populares; ofrece como camino la búsqueda de la propia identidad, del conocimiento de las propias raíces, así  como el mal ejercido. El agradecimiento de Mario es la nota final de una película solvente en sus actuaciones -el mejor, Miguel Ángel Solá- y un buen manejo de la intriga y el suspense.

 

Guillem Lisicic

 

 

Ficha técnica:

Título original: Pasaje de vida

Año: 2015

Duración: 115 min.

País: Argentina

Dirección: Diego Corsini

Guion: Fran Araujo, Diego Corsini

Música: David Muñoyerro-Sesmero

Fotografía: Germán Vilche

Reparto: Chino Darín, Miguel Ángel Solá,  Carla Quevedo,  Javier Godino,

Categories: Notícies d'Esglèsia

Brawl in Cell Block 99

Dv, 01/12/2017 - 8:57am

Brawl in Cell Block 99 

Público recomendado: adultos

Si no han visto el tráiler de esta película, y no han sentido motivación de verla solo por ese número a lo fase de bonus del Street Fighter 2, con Vince Vaughn reventando un coche con sus manos; o, directamente esa calva tatuada del mencionado actor, mejor aléjense de esta obra. Si han tenido la suerte de visionar Bone Tomahawk, anterior obra del director que le sirvió para realizar una brutal revisión del neo-western brutalmente violento, ya saben en qué liga juega el señor Zahler. En Sitges fue recibida con una enorme ovación, y así han sido los comentarios: todos coinciden en calificar a esta producción en una de las mejores películas que ha pasado por el festival en años. El divertimento está asegurado para los amantes del exploitation grindhouse de los 70.

La historia nos presenta a un vendedor de droga que es metido en prisión, lugar desde el cual debe luchar para mantener el bienestar de su mujer y su futuro hijo de la amenaza de unos narcotraficantes. La película parece un videojuego, dejando de lado la referencia ya mencionada, estructurada en: “a ver hasta qué punto podemos poner al protagonista en un situación más desesperada, límite, grotesca, salvaje y malsana”. Como si por niveles habláramos, Vaughn se embarca en un viaje al Infierno, en el papel de un peculiar y frío Dante de La divina comedia, pero sin llegar nunca al Paraíso: la película comienza en el Purgatorio, y continúa su descenso hasta el inframundo. Metafóricamente hablando, para que nos entendamos.  Sin embargo la obra tiene un inicio lento, se recrea para la presentación de personajes y cuece a fuego lento la tremenda vorágine de violencia en la que nos sumergirá más adelante. Sin perder ese curioso sentido del humor, Zahler pasa del camaleónico western de terror gore, al drama familiar carcelario bajo un sentido de la brutalidad propia del pulp y grindhouse setentero que tantas delicias hacen en Robert Rodriguez y Quentin Tarantino. Lo más destacable de toda la película es Vince Vaughn y su personaje, totalmente irreconocible y alejado de sus producciones cómica, aquí es un ser frío ser casi impasible y lleno de ira y violencia contenida, que cuando estalla se convierte en una suerte Steven Seagal (pero más creíble). Formalmente comparte muchas similitudes con Frio en Julio (2014) de Jim Mickle, además de contar con la magistral y siempre agradecida presencia del ídolo vivo de los 70, Don Johnson, visualmente guardan cierto parecido así como su tratamiento de la trama: a medio camino entre la parodia y el cine independiente indie.

No es una película para todos los públicos porque, además de contener dosis muy altas y explicitas de violencia, su propuesta y tratamiento temático de aleja de los convencionalismo del cine comercial actual: el regalo para los nostálgicos de aquellas películas de la productora Cannon Group, tales como Cobra, La fuerza del vengador, Contacto Sangriento o Delta Force. Si es fácilmente impresionable o no está aficionado a las producciones que anteriormente se han mencionado es muy posible que esta no sea su película, aunque quizá, si se le da una oportunidad acabe descubriendo que está ante uno de los tortazos más fragantes, bestiales y divertidos del año.

David Fermín Aparicio

 

Ficha técnica:

Director: S. Craig Zahler

Año: 2017

País: Estados Unidos

Categories: Notícies d'Esglèsia

La mejor receta

Dv, 01/12/2017 - 8:49am

La mejor receta 

Público recomendado: Adultos

Cuando una película extranjera se estrena con un tiempo tan largo, desde el inicio de comercialización en su país de origen hasta su debut en las salas de cine, en los pantallas de otros países suele ser por dos razones: o que la película tuvo una ardua tarea a lo hora de encontrar distribuidora, debido a que se trata de una película de contenido controvertido o polémico, no apto para salas demasiado comerciales; o que sencillamente la película ha tenido tan poco éxito y repercusión en su país de origen, que los distribuidores directamente “pasan del tema”.La obra que hoy nos acompaña podría pertenecer al segundo grupo. A pesar de presentarse como una película clichera y didáctica sobre la aceptación (que lo es), se deja ver y cumple con un público que no exije demasiado de una comedia sencilla, sin pretensiones y bastante desapercibida.

Partiendo de una premisa, más propia de la comedia negra, donde nos sitúa a un panadero judío y a un forzado ayudante musulmán que ocasionalmente vende cannabis, y que un día el asunto de mezclar el negocio del pan con la venta de marihuana se le va de las manos. Pueden imaginarse lo que sucede el resto de la película. Jonathan Benson y Jez Freedman, guionistas de la cinta, conforman un libreto con una parte de enredo de choques culturales, parte comedia fumeta y parte reivindicación de la senectud. A pesar de que la película derrocha buenas intenciones, el resultado queda a medio camino. Temas como la raza, la religión y la edad son tratados con técnicas de manual, con un desarrollo muy parecido al de, por ejemplo, The Wackness (2008) de Jonathan Levine. Al final el material quedó lastrado por la falta de chistes ingeniosos o punzantes, estereotipos bastante tópicos, gags trillados y tics estilísticos propios de la ‘sitcom” de peor calidad. A pesar de todo La mejor receta tal vez no pueda presumir de grandes beneficios, al menos en lo que se refiere a revolucionar la comedia intercultural británica actual, pero si dejará un buen sabor de boca a aquellos que solo busquen un entretenimiento pasajero y sin exigencias. Siempre es un placer ver actuar a Jonathan Pryce, y aquí cumple sobradamente su cometido como figura paternal del joven Jerome Holder. Ambos presentan una buena química, uno de los puntos que salvan a la película de ser un fiasco rotundo.

Como ya se dijo anteriormente, esta cinta sobre bondades intergeneracionales e interculturales, y ese blando ataque a una urbe contemporánea cada vez más dominada por el salvajismo se queda muy lejos de conseguir el propósito de ser una comedia a la altura. Al cine británico, y más en su faceta más cómica, siempre se le ha exigido cierto estatus de calidad debido a las brillantes producciones a las que nos tiene acostumbrado. Sin embargo, la película de Goldschmidt no deja ser una película de sobremesa, con envoltorio de sobremesa.

David Fermín Aparicio

 

 

Ficha técnica:

Director: John Goldschmidt

Año: 2015

País: Reino Unido

 

Categories: Notícies d'Esglèsia

The wall

Dc, 29/11/2017 - 11:45am

The wall 

Público recomendado: jóvenes y adultos

Doug Liman, el director de Sr. y Sra. Smith y El caso Bourne, decide desembarcar con The wall en el género bélico y apostar por una película ambientada en la reciente guerra de Iraq. En este 2017 nos presenta a dos soldados del ejército estadounidense, los sargentos S. Matthews (John Cena, la estrella del WWE) y A. Isaac (A. Taylor-Johnson, Kick-ass y Anna Karenina), que han acudido a socorrer a unos contratistas americanos ante su llamada de socorro por la presencia de un francotirador enemigo.

Al llegar al terreno indicado, aun a pesar de tomar precauciones, el sargento Matthews cae herido por un disparo del preciso francotirador; el protagonista consigue refugiarse detrás de un parapeto, un muro -de aquí el título de la presente película-: es ahora cuando debe luchar por sobrevivir y desplegar todos sus conocimientos y astucia para poder engañar al rival. Es un muro lo que le separa del enemigo; de un enemigo certero en sus disparos y certero en el juego psicológico en el que quiere embaucar al protagonista. Un muro frágil y quebradizo, símbolo del debilitado estado de los dos soldados, lleno de grietas por las que el francotirador iraquí intentará penetrar en el ánimo de Isaac.

Pese a que, tanto el soldado americano como su némesis, son personajes eminentemente planos, el guion nos brinda la ocasión de poder conocer el drama humano que encierra el protagonista, las razones por las cuales sigue en el ejército y el dolor que carga en los hombros. Es sorprendente que, habiendo sido considerada esta película como un producto condenado a engrosar la extensa lista de largometrajes bélicos que versan sobre “más de lo mismo”, The wall es una película más que, no obstante, deja espacio a que brote la humanidad del protagonista frente a las adversidades y se imponga el deseo y necesidad de sobrevivir. En el eterno discurrir de la misma historia y de un flujo cíclico en el que unos soldados reemplazan el espacio que otros anteriormente han ocupado para, a su vez, ser reemplazados por otros que vendrán,The wall es una película escindida: por un lado, el protagonista lucha por salvar la vida de su amigo y la suya propia; se afirma un claro deseo de vivir que se funde con la necesidad biológica y estructural de querer sobrevivir, pero, a la vez, el guion se impone para afirmar su propia lógica; la lógica del escepticismo y de la afirmación de la vacuidad de todo gesto de lucha y de rescate: un incipiente nihilismo se impone al acabar The wall.

Por último, puede señalarse que, si bien cuenta con un bajísimo presupuesto -el cine hollywoodense nos tiene acostumbrados a empresas fastuosas- es una película que consigue llegar a dar lo mejor de sí, aunque ni llega a sorprender al espectador ni consigue atraparlo en la vorágine de tensión en la que desea introducirnos el guion.

Guillem Lisicic

Ficha técnica:

Título original: The Wall
Año: 2017
Duración: 81 min.
País: Estados Unidos
Dirección: Doug Liman
Guion: Dwain Worrell
Reparto: Aaron Taylor-Johnson,  John Cena,  Spencer Thomas,  Laith Nakli
Productora: Amazon Studios / Big Indie Pictures / Picrow

Categories: Notícies d'Esglèsia

XIV ‘Mostra de Cinema Espiritual’

Dll, 27/11/2017 - 10:19am

Ya se ha inaugurado en la Filmoteca de Cataluña con el estreno de la primera película de Terrence Malick, Badlands (1973).

Al acto de apertura asistieron el director general de Afers Religiosos de la Generalitat, Enric Vendrell, la directora de cine Judith Colell, quien presentó la película, el director adjunto de la Filmoteca de Cataluña, Octavi Martí y el crítico de cine espiritual del Arzobispado de Barcelona y organizador de la Mostra, Mn. Peio Sánchez.

El director de Afers Religiosos inauguró la Mostra explicando que ha sido este año complicada de organizar por la situación política. “Me satisface ver esta sala tan llena – decía Vendrell- porque la situación política del país nos ha obligado a superar muchas dificultades”. Al final pero se mostró orgulloso por haber sido capaces, gracias a las “complicidades”. “Un año más, estamos presentes, insisto, todo el país presentando esta Muestra de Cine Espiritual”, compartió con todos los asistentes.

Judith Colell dijo unas palabras antes de comenzar la proyección y el cineforum sobre Terrence Malick, a quien se le dedica un ciclo especial este año en la Muestra. La directora de cine se refirió al director, como un “poeta” y “un gran maestro“, con un estilo muy personal y peculiar que en su primera entrega ya comenzó a apuntar con fuerza “.

Este año la Mostra acoge veinte películas y un cortometraje dirigidos por directores como Martin Scorsese o Mel Gibson, películas que hacen visibles diferentes tradiciones religiosas, y otros que tienen como hilo conductor los grandes aspectos que preocupan a la humanidad: el sentido de la vida y la muerte, el amor y la guerra, la libertad, las enfermedades, la soledad, los refugiados, la justicia y la solidaridad, entre otros. El formato cinefórum permite la presencia de sesenta especialistas en el mundo del cine, profesores universitarios, filósofos, periodistas, intelectuales y miembros de diferentes confesiones religiosas, que hacen la presentación de las películas y conducen el debate posterior.

Fuente: Esglèsia Barcelona

Categories: Notícies d'Esglèsia

Asesinato en el Orient Express

Dll, 27/11/2017 - 9:40am

Asesinato en el Orient Express  

Público recomendado: jóvenes y mayores

La metafísica está muy presente en la nueva versión de Asesinato en el Orient Express, dirigida e interpretada por el irlandés Kenneth Branagh, uno de los apasionados por llevar al cine las obras de Shakespeare, que en estas como en la que nos ocupa reflexiona sobre cuestiones que van más allá de la física. Así aparecen pasiones como la venganza, la codicia, la ambición, la mentira… y un nutrido elenco que nos caracteriza a los humanos. De sus causas y de desvelar a quienes las cometen se encarga Hércule Poirot, detective belga creado por la escritora británica Agatha Cristhie, la reina del misterio y la tercera persona que ha vendido más libros de todos los tiempos por detrás de su compatriota autor de Romeo y Julieta y de La Biblia.

El Orient Express, el tren que unía desde 1899 París y Estambul en varios días, es el escenario de esta historia. Es en Jerusalén donde nos encontramos primeramente con Poirot y su resolución del robo de una joya sagrada en la que están implicados dirigentes de las tres religiones de la Ciudad Santa. Tras resolverlo, le requieren para resolver otro caso en Europa, por lo que se subirá al Orient Express. En la primera noche, uno de los pasajeros aparece muerto. Poirot deberá encontrar al asesino.

Como rigen los cánones de mantener velado el final de las películas en la crítica cinematográfica, mantendremos el rigor para quienes no vieron la primera versión de Sidney Lumet y no leyeron la novela con el mismo título de la escritora británica. Solo apuntaremos que el final de Branagh, tiene más músculo trascedente que el propuesto por Lumet allá por 1974, y, eso sí, este ostenta algo más de glamour por el elenco de actores que la interpretaban, entre ellos Lauren Bacall, Ingrid Bergman, Sean Connery, Jacqueline Bisset, Anthony Perkins, Vanessa Redgrave y Martin Balsam. Sin olvidar al excéntrico y carismático Poirot de Albert Finney.

El guion de Michael Green en la propuesta actual rezuma el estilo teatral, cuyo protagonismo está justificado, ya que los hechos se producen en el interior del tren intercontinental inmóvil después de sufrir un accidente que daña su locomotora y bloquea su marcha. Los exteriores son los increíbles parajes montañosos y el puente de estructura metálica en el que descansa el convoy, metáfora —que al que escribe— le sugiere la aparente solidez del conocimiento humano (el ferrocarril) que descansa en la fragilidad e inconsistencia de nuestro proceder (el puente).

Lo enfatiza Hércule Poirot cuando afirma que “existe el bien y existe y, en medio, no hay nada”. Pero el perspicaz investigador, experimentará que más allá de lo justo e injusto hay una delgada línea que cruza a cada individuo en su fuero interno y de la cual no siempre uno puede sustraerse, como atestigua nuestro quehacer errático o, como espetaba ya el converso san Pablo: “Pues no hago el bien que deseo, sino que el mal que no quiero”. Está también será una de las lecciones que acabará cursando el detective belga.

Con un espectacular plano-secuencia en los primeros momentos del filme, una hipnótica fotografía que se desdobla y que desvela la dualidad en la que viven los protagonistas de la historia, Branagh “toca” espléndidamente la melodía de esta reposición de la novela policiaca, junto a un reparto interestelar del que forman parte Johnny Depp, Willem Dafoe,  Judi Dench,  Michelle Pfeiffer, nuestra Penélope Cruz (en un papel esquemático de misionera), Daisy Ridley, Josh Gad, Derek Jacobi,  Leslie Odom Jr., Lucy Boynton,  Sergei Polunin,  Tom Bateman, entre otros.

Asesinato en el Orient Express es bastante más que una película policiaca en la que hay que descubrir al asesino. Poirot, arquetipo de inteligencia descomunal, de ser que persigue restaurar la justicia cuando se transgrede y el orden social en el que se siente seguro, descubrirá que por encima de todos esos aspectos positivos de la convivencia, hay una misericordia que nos acoge a todos y de la que todos somos deudores; la que nos procura el Dios que ve y ha concedido el libérrimo corazón humano.

Enrique Chuvieco

 

Ficha técnica:

Título original: Murder on the Orient Express. Estados Unidos-Malta 2017

Duración: 114 min.

Dirección: Kenneth Branagh

Guion: Michael Green (Novela: Agatha Christie)

Música: Patrick Doyle

Fotografía: Haris Zambarloukos

Reparto:

Kenneth Branagh,  Penélope Cruz,  Willem Dafoe,  Judi Dench,  Johnny Depp, Michelle Pfeiffer,  Daisy Ridley,  Josh Gad,  Derek Jacobi,  Leslie Odom Jr., Lucy Boynton,  Sergei Polunin,  Tom Bateman,  Olivia Colman,  Miranda Raison, Chico Kenzari,  Manuel García-Rulfo

Género: Intriga. Drama | Crimen. Trenes/Metros

 

Categories: Notícies d'Esglèsia

Jupiter’s Moon

Dj, 23/11/2017 - 1:32pm

 Jupiter’s Moon 

Público recomendado: Adultos

Jupiter´s Moon es una película del director húngaro Kornél Mundruczó.

Después de intentar atravesar la frontera de Hungría, un grupo de refugiados es asaltado por las fuerzas de la policía. Uno de ellos resulta contar con una habilidad sobrehumana: la capacidad de volar y alterar la fuerza gravitacional.

Ante este incidente, un doctor corrupto que se lucra con chanchullos entre refugiados se encuentra con este chico.  A partir de ahí, la historia se desarrolla en una trama de persecución, en la que doctor e inmigrante intentan escapar de la policía.

Lo que más destaca de la película es la extraordinaria narrativa visual: repleta de planos secuencia, dentro de cada cual uno puede encontrarse un tiroteo seguido de una explosión, con un personaje levitando a la mitad. Todo ello acompañado de una fotografía de reverencia.

La película afronta un tema en torno a lo sobrehumano: la presencia de un “ángel” y cómo esta presencia repercute en el ser humano: unos intentan exprimirlo y sacar provecho de ello; otros intentan capturarlo; y él busca simplemente encontrar su camino.

Otros temas aparecen en el trayecto, como la inmigración, la corrupción, la inconsistencia del individuo, todo ello presentado de un modo precioso y deslumbrante.

Jupiter´s Moon es una cinta que junta elementos fantásticos, de thriller, y un despliegue visual que hace del camino una delicia para los ojos.

Carlos Robisco

 

Ficha técnica:

(Hungría, 2017)

 Dirección: Kornél Mundruczó

Interpretación: Zsombor Jéger, Mónika Balsai, Merab Ninidze

Duración: 123 min

Distribuidora: Wanda

 

Categories: Notícies d'Esglèsia

La Liga de la Justicia

Dll, 20/11/2017 - 12:34pm

La Liga de la Justicia 

Público adecuado: jóvenes

El universo fílmico basado en los superhéroes de DC Comics llega a su clímax con el estreno de Liga de la Justicia, el grupo ideado por Gardner Fox en 1960.

Después de la muerte de Superman, unas diabólicas fuerzas alienígenas planean un asalto a la Tierra. Bruce Wayne (Batman), que aún se siente responsable de lo sucedido al hombre de acero, pedirá ayuda a Diana Prince (Wonder Woman) para formar un grupo de humanos con poderes que pueda combatir la amenaza que se aproxima.

Zack Snyder, padre de una extensa prole, siempre ha dado a las relaciones familiares una posición central en la temática de sus películas. Sus aportaciones al universo DC no son una excepción: en El Hombre de Acero nos contaba la influencia de dos padres distintos sobre Superman. En Batman v Superman las madres de los dos héroes tenían un papel destacado en el desarrollo de su relación. Finalmente, la Liga de la Justicia se convierte en una especie de núcleo familiar sustitutivo para esta serie de personajes huérfanos o con carencias familiares.

Así, los dos jóvenes que se unen al grupo (Barry Allen -Flash- y Victor Stone -Cyborg-) sufren la ausencia de uno de sus progenitores: el padre de Barry está en la cárcel, mientras que Victor perdió a su madre en un accidente. Los veteranos del grupo, Batman y Wonder Woman, se convierten en figuras sustitutivas para ambos: Bruce Wayne es quien recluta a Barry, y desde el principio actúa como su mentor, haciéndole descubrir la satisfacción de usar sus poderes para ayudar.

Por otro lado, Diana es la encargada de captar a Victor, y durante la película nos dejan varios momentos de conexión emocional entre ambos, que convierte a la amazona en la figura que suple a la madre ausente del joven. Tanto Barry como Victor encuentran en el ejemplo de Bruce y Diana el modelo para encauzar sus vidas, cuando parecían que estas iban a la deriva.

También nos presentan el personaje de Arthur Curry (Aquaman), un outsider rechazado por los atlantes y por los humanos, y abandonado por su madre al nacer. Este rebelde solitario se une al grupo con muchas reticencias, pero finalmente encuentra su lugar en el seno de esta peculiar familia.

Viniendo de la dramática (y excelente) Batman v Superman, resulta gratificante que Snyder culmine el arco de transformación de Bruce Wayne, que recuperaba su fe en la humanidad gracias al sacrificio de Superman, y que aquí debe luchar con su sentimiento de culpa. Wonder Woman, por su parte, deberá asumir las consecuencias de haber abandonado el mundo de los hombres durante casi un siglo.

También se cierra el ciclo de alegoría cristológica de Superman, iniciado en El Hombre de Acero. Después de haber pasado por sus momentos más oscuros en la película anterior, incluyendo su muerte, Superman resucita para ofrecernos la versión más clásica y luminosa del héroe de la capa roja.

Al margen de todo este contenido temático, Liga de la Justicia resulta un auténtico espectáculo para cualquier espectador que guste del cine de acción, y un disfrute absoluto para los seguidores de los personajes de DC Comics y de los superhéroes en general. El equilibrio entre épica, humor, acción y calidez está muy conseguido, resultando en un entretenimiento de alta calidad.

Por desgracia, la película también presenta ciertos defectos que es difícil pasar por alto: el principal de ellos es un montaje demasiado apresurado, debido a que los directivos de Warner exigieron que la duración no sobrepasara las dos horas. Así, algunas escenas entran demasiado de golpe, sin tiempo a respirar; hay ciertos vínculos entre escenas que se echan en falta; y sobre todo, se echa de menos algo más de contexto para presentar a los personajes nuevos.

Como parte de la película proviene de material adicional rodado por Joss Whedon (el director original, Zack Snyder, tuvo que abandonar la producción debido a una tragedia familiar), también se puede apreciar que el acabado de algunos planos, sobre todo en lo referente a efectos especiales, no está a la altura del resto del film.

Aún así, la película merece ser vista en cine por todos aquellos que gusten de un buen espectáculo, acompañado de una historia y personajes que quedan lejos de resultar vacíos.

Federico Alba

 

Ficha técnica:

(Justice League, EE.UU., 2017)

Director: Zack Snyder.

Guion: Joss Whedon y Chris Terrio, sobre una historia de Zack Snyder y Chris Terrio.

Intérpretes: Ben Affleck, Henry Cavill, Gal Gadot, Amy Adams, Ezra Miller, Jason Momoa, Ray Fisher, Jeremy Irons, Diane Lane.

Música: Danny Elfman.

Duración: 121 minutos.

Género: Fantástico.

Categories: Notícies d'Esglèsia

Series TV: Daredevil (segunda temporada)

Dll, 20/11/2017 - 12:30pm

Gracias al talento de Frank Miller, que no fue el creador de este personaje, sino Stan Lee y Bill Everet, pero si fue el que le dio su esencia, podemos disfrutar de uno de los pocos superhéroes católicos, que existen, aunque no es el único.

No obstante, otros muchos son creyentes y muchos de ellos cristianos de diferentes ramas. Como dato curioso, para entender al personaje, este héroe en el cómic Civil War, editado por Panini en España, se entrega al gobierno sin usar la violencia, imitando a su referente moral: Jesucristo.

Esta serie, que va por su segunda temporada y ya se ha confirmado una tercera, ha sido ideada por Drew Goddard. La producción corresponde a Marvel Televisión en asociación con los estudios ABC y Nextflix. La primera temporada es una obra maestra del medio televisivo, siendo su director creativo Steven S. DeKnight. Nos hablaba de la construcción del héroe y la vocación en la que se acentuaba más aun su iconografía católica.

En esta segunda parte, sus directores creativos han sido Doug Petrie y Marcos Ramírez, que le han dado un toque más oscuro, pues Matt Murdock se encuentra atrapado en una doble e interesante trama amorosa , que se debate entre un amor de juventud tóxico y hedonista con la asesina Elektra y amor relativamente maduro con la valiente periodista Karen Page. En contraposición con lo positivo, la violencia campa a sus anchas y algunas situaciones puede herir la sensibilidad del espectador.

Los enamorados de los tebeos estaban esperando el enfrentamiento físico y dialéctico entre dos formas de entender su labor como justiciero, ya que Daredevil sólo actúa como juez y jurado, mientras The Punisher (El Castigador) hace las veces de juez, jurado y verdugo. Por tanto, El Castigador hace justicia, pero movido por un espíritu de rabia y venganza, pues asesinaron a su mujer e hija, pero con unos mínimos éticos, pues nunca haría daño a un ser inocente. En cambio, Daredevil representa a un hombre que pretende ser la esperanza en la podrida y corrupta Cocina del Infierno (Hell´s Kitchen) para sus inocentes y desprotegidos vecinos, confiando en la Providencia.

En este sentido, no hay que perderse la conversación que mantienen Karen Page y el alter ego de Daredevil , Matt Murdock, que es abogado, ya que en ella se explica la diferencia entre justicia y venganza porque ella piensa que la venganza es una forma de hacer justicia, mientras que Matt opina que el único que puede dar y quitar la vida es Dios. Esa diferencia de parecer da la impresión de que los distancia como pareja.

Por último, en los episodios finales de la temporada en cuestión, este “diablillo” rojo desmonta un entramado mafioso en el que se utiliza a los niños para realizar experimentos de dudosos principios éticos, puesto que para él, el fin no justifica los medios.

Víctor Alvarado

Categories: Notícies d'Esglèsia

Con los brazos abiertos

Dv, 17/11/2017 - 9:40am

Con los  brazos abiertos 

Público recomendado: jóvenes y adultos

La acogida al emigrante extranjero es la reflexión que realiza en clave de humor Philippe de Chauveron (Père fils thérapie!), en Con los brazos abiertos, protagonizada por Christian Clavier (Si j’étais un homme), Ary Abittan (Débarquement immédiat!) y Elsa Zylberstein (Chacun sa vie), entre otros.

De los mismos creadores que Dios mío, ¿pero qué hemos hecho, vista por más de un millón de espectadores en Francia, cuenta la historia de Jean-Etienne Fougerole (Christian Clavier), un escritor de izquierdas que está en plena promoción del libro con el mismo título del filme, para lo cual acepta un debate en televisión con otro autor que promueve una obra en la que arremete contra los inmigrantes. En el rifirrafe entre ambos, este le espeta a Jean-Etienne que se deje de poses y acoja en su casa a extranjeros sin recursos si tanto los aprecia. Acalorado, el aludido acepta el reto y se compromete a recibir una familia esa misma noche en su lujosa mansión de varios cientos de metros cuadrados, incluidos jardín, estanque y demás espacios.

Con ese compromiso, cierra la boca al xenófobo y recibe las felicitaciones de su editora, quien no duda que su resolución es una estupenda maniobra para vender más libros. Ya en casa con su mujer Daphné (Elsa Zylberstein), una llamada en el portero electrónico de su mansión le anuncia la concreción de su compromiso: la familia gitana de Babik (Ary Abittan) en pleno, incluidos animales, le agradece su generosidad y viene a aprovecharla.

Con el choque de dos estratos sociales y de culturas tan dispares, empieza a cristalizar en situaciones tan histriónicas como hilarantes. Aunque los Fougerole, por asumir un talante aperturista están dispuestos a todo (y de paso favorecer su libro), su proceder es un intento voluntarista de conseguir una autoimagen de personas comprometidas socialmente que respetan otras formas más “primarias” de vida. Además, deben ser coherentes con lo expresado en televisión, por lo que han recibido las felicitaciones del público, incluidos los políticos.

Con esa disparidad de familias viviendo en el mismo lugar, Philippe de Chauveron, también coguionista consigue buenos momentos cómicos, puesto que la convivencia se va dilatando. Además, el hijo de la pareja, un joven idealista, se enamora de una de las hijas de Babik, lo que complica más la situación.

Con todo, el desarrollo del filme, que cuenta con elementos poliédricos para concluir en variados finales atrevidos y sugerentes, nos conduce a un fin más convencional, donde los aparentemente individuos primarios tienen más sentido de la amistad, viven y se comportan alejados de abstracciones ideológicas y son más realistas que los personajes cultos que persiguen mantener su imagen de modernos.

Enrique Chuvieco

 

Ficha técnica:

Título original: À bras ouverts- Francia 2017

Dirección: Philippe de Chauveron

Guion: Guy Laurent, Marc de Chauveron, Philippe de Chauveron

Música: Cecile Coutelier

Fotografía: Philippe Guilbert

Reparto: Christian Clavier,  Ary Abittan,  Elsa Zylberstein,  Cyril Lecomte,  Nanou Garcia, Oscar Berthe,  Mirela Nicolau,  Sofiia Manousha,  Ioana Visalon

Género: Comedia

Duración: 92 min.

Categories: Notícies d'Esglèsia

Pàgines