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Notícies d'Esglèsia

La huella del pasado

Pantalla 90 (CEE) - Dc, 13/06/2018 - 12:39pm

La huella del pasado 

Público recomendado: adultos

Existen tres película cuyo tópico que centra su trama, en ese caso la familia, consiguen romper una barrera de delimita la sensación de ficción con el espectador, aportando un tremendo grado de sinceridad y calor humano. Esas tres películas son: Wonderland de  Michael Winterbottom, Secretos y mentiras de Mike Leigh, y la reciente The Meyerowitz Stories de Noah Baumbach –y sí, en ella trabaja Adam Sandler, un actor que ya ha demostrado saber actuar, pero que necesita cambiar de agente urgentemente. Unas películas capaces de mostrar unos sentimientos tan reales y que de emocionan con sus historias humanas tan complejas y con todos los aspavientos propios del género humano. Y, como se ha dicho, el núcleo de sus tramas es la familia, un tópico tremendamente difícil de tratar puesto a su sencillez a caer en las manidas relaciones y complicaciones entre padres e hijos. Y este contexto de obrar se enmarca la presente película, después de un año de retraso para su estreno, La huella del pasado, la ópera prima de Polly Steele. El resultado es dispar, aunque tras reposar su visionado, la obra posee varios puntos de interés.

La trama de la película se basa en un hecho real y sigue a la familia de Helga Schneider, que tras anunciar que la muerte le llegará pronto a su madre, decide viajar para reencontrase con ella y que, de paso, conozcan a su hija y su nieta. De esta forma, Helga conocerá los secretos mejor guardados de su familia, incluso los más oscuros. Como se sigue a un grupo de mujeres, la trama guarda todavía más parentesco con la obra de Winterbottom, aunque sin su tremenda positividad y buen sabor. Dificultosa ha sido el poder visionar la película, pues su estreno en España ha sido lo más invisible posible, debido precisamente a sus pocas aspiraciones a hacer taquilla, ya que la trama se desarrolla en un plano muy intimista y frio, difícil de empatizar con, sobre todo, con el personaje de Emily. Peca también del mismo error que cometió Atom Egoyan en su última película, Remember: utilizar el Holocausto nazi de una forma un poco oportunista y algo manida. En general, la película se salva por ciertos momentos donde se puede apreciar el talento de la directora con los actores, y la interacción de unos con otros. Destacar sobre todo la actuación de Juliet Stevenson y la banda sonora de Phil Selway, batería del grupo Radiohead.

En resumen, una película bien dirigida y bien actuada, pero que tiende a caer en los tópicos de familia destrozada por los errores de los más mayores, y que relativiza ciertos temas que merecían una mayor atención y cuidado del que se le ha dado.

 

Director: Polly Steele

Año: 2017

País: Reino Unido

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Salyut-7, 2017, Rusia

Pantalla 90 (CEE) - Dll, 11/06/2018 - 2:14pm

Salyut-7, 2017, Rusia 

Público recomendado: Jóvenes / Adultos

En 1985, la estación espacial Salyut-7, lanzada por la URSS, cesó repentinamente su actividad. Dos cosmonautas fueron enviados hacia una misión de éxito totalmente improbable para recuperar la estación. La película de Klim Shipenko se basa en estos acontecimientos para traernos una intensa narración en clave de drama.

La película acompaña las vivencias de los dos astronautas designados y del control de mando desde el que se les supervisaba en una misión desproporcionada: acoplarse en movimiento a una estación espacial desestabilizada y, después, repararla y volver a casa con vida. En el relato, la tensión dramática se suministra admirablemente, afrontando las perspectivas desde ambos lados; el de la supervisión y la toma de decisiones en la Tierra y el de los operadores expuestos al peligro en órbita.

Con recursos formales muy interesantes y una muy destacable fotografía, Salyut-7: Héroes en el espacio supone un viaje trepidante lleno de emociones y dilemas trascendentales. ¿Quién puede ostentar la responsabilidad sobre la vida de alguien? ¿Decidir sobre las vidas de dos personas en una misión de la que muy probablemente no podrán regresar?

Una película que deja a un lado la magnificación y lo desorbitado de cintas recientes ambientadas en el espacio como Gravity de Cuarón e Interstellar de Nolan, sin renunciar a un muy acertado carácter espectacular, pero con un compromiso con la realidad que le da un acento ciertamente más interesante. Un viaje que merece la pena.

 

Dirección: Klim Shipenko

Interpretación: Vladimir Vdovichenkov, Pavel Derevyanko, Lyubov Novikova

Duración: 119 min

Distribuidora: A Contracorriente FIlms

 

 

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Caras y lugares

Pantalla 90 (CEE) - Dll, 11/06/2018 - 11:20am

Caras y lugares 

Público recomendado: todos

Agnès Varda (Cleo de 5 a 7, Sin techo ni ley y su imprescindible Los espigadores y la espigadora) recorre, donosa y entrañable, una Francia ya perdida. Peregrina, junto a JR, artista gráfico urbano y fotógrafo, una suerte de Bansky difuso, gafapasta a ratos (gafasol casi siempre), una Francia en proceso de descomposición, tierra de los galos que ya ha dejado de existir. Van ejecutando morrocotudas y formidables performances gráficas en callejas, granjas y fachadas de casas, algunas abandonadas hace demasiado. Terrestre cuaderno de bitácora, olisqueamos sus estaciones de paso. En ese tránsito, la cineasta gala indaga sobre el presente/futuro, distopías de la intemperie y la soledad, espigadora de los desechos sociales, la necesaria tenacidad y el devenir del tiempo (primera criatura divina, recordándonos Varda que Dios nos regaló dos oídos y una boca: menos cotorreo y más escucha atenta).

Caras y lugares reflexiona sobre el cine y la vida (¿alguien puede dudar de que el cine es mejor que la vida?), el amor y el arte, siguiendo los pasos de una venerable ancianita medio ciega, con pies diminutos y el alma desbordante, que disfruta como una cría entre gente diversa y plural, narrando éstas sus apasionantes y apasionadas historias. Conmemoración de la vida coloreada de melancolía, golpea pugnaz el recuerdo del orgullo obrero, de ese ser amado donde contemplaba el mundo (Jacques Demy) o del otro genio vivo de la Nouvelle Vague, Jean-Luc Godard, a quien nuestros protagonistas van a visitar en el último trecho de la película, aunque este les proporciona un plantón sobrecogedor.

 

Explorando el desleimiento entre territorios e identidades regionales que los habitan, el atrabiliario y peculiar JR revolotea cual mariposilla efímera que busca la luz deslumbradora de Varda. Ambos nos ofrecen el recuerdo de una ausencia o el desgarrado alarido de protesta. Actos de innegociable resistencia. Vemos a una heroica mujer frente a la despoblación total del territorio. A un agricultor solitario que convive con sus tractores y sus 800 hectáreas. Y a unos ganaderos que deciden no quemar los cuernos a las cabras y no someterse, de esa manera, a la violencia que llevamos a cabo con los animales a diario, todo a cambio de fútiles rentabilidades y sobre cuyos muros de la granja imprimirán una gran foto de una cabra con cuernos. Gran instante.

 

La película de la directora francesa es un ejercicio cinéfilo muy bien apuntalado con el secreto designio de ir recuperando el tiempo irrevocablemente perdido. Pura secreción de nostalgia y vitalidad. El azar, “el mejor asistente” de Varda, se alía con la cineasta y el fotógrafo zascandil y, foto a foto, siempre en asombroso en blanco y negro, retratan a desconocidos, empapelando los pueblos y villas por los que pululan, dotando a la realidad de una belleza de la que ésta se halla tan ausente. El desasosiego se apodera de ciertos fotogramas, una zozobra hondamente poética, carnavalera, y jacarandosa, en todo momento despreciando con honor y orgullo a esa cosita malencarada llamada muerte, esa hetaira vestida de negro. Mimetizando al más grande, Michael Houllebecq, en El mapa y el territorio, Varda camina la célebre guía Michelin, nos invita a resistir y brinda pinturas hiperrealistas sobre oficios varios, aquellos trabajos que no volverán. Como tantas cosas.

 

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Salyut-7: Héroes en el espacio – Estreno 8 de junio

Pantalla 90 (CEE) - Dj, 07/06/2018 - 12:29pm

Salyut-7: Héroes en el espacio 

Aventuras. Basado en hechos reales

Director: Klim Shipenko 

Emocionante aventura espacial rusa, que recrea los hechos reales que ocurrieron en 1985, cuando en la recta final de la Guerra Fría, un satélite ruso sufre una grave avería. Si no llegan los rusos rápidamente para arreglarla, lo harán los americanos, humillando a la agonizante Unión soviética. Suspense, personajes con entidad, buenos conflictos morales, fotografía excelente. Lo mejor de la semana.

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A Taxi Driver: Los héroes de Gwangju – Estreno 8 de junio

Pantalla 90 (CEE) - Dj, 07/06/2018 - 12:27pm

A Taxi Driver: Los héroes de Gwangju 

Taeksi Woonjunsa

Comedia dramática

Director: Jang Hoon

Una historia real que nos acerca a la represión del gobierno de Corea del Sur en mayo de 1980 contra los opositores a la dictadura militar. Con ese tono que sólo los coreanos saben hacer, que pasa de la risa al llanto en un cambio de plano, nos cuenta el despertar a la política de un taxista que vive embebido en sus propios problemas. Tan brillante y humana como larga.

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Jurassic World: El reino caído – Estreno 8 de junio

Pantalla 90 (CEE) - Dj, 07/06/2018 - 12:24pm

Jurassic World: El reino caído 

Ciencia ficción. Aventuras

Director: J.A.Bayona

 Nuestro cineasta internacional dirige esta secuela, entretenida y espectacular, pero muy plana, con poca alma y muy “ecologeta”. Repiten Chris Pratt y Bryce Dallas Howard al frente del reparto. Los dinosaurios huyen de un volcán y acaban por los salones y dormitorios de una casa señorial. Bayona dirige con talento un guion ajeno al que le falta un hervor.

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McQueen – Estreno 8 de junio

Pantalla 90 (CEE) - Dj, 07/06/2018 - 12:21pm

McQueen 

Documental

Directores: Ian Bonhôte y Peter Ettedgui

Documental sobre este joven y revolucionario modisto, que se suicidó en lo más alto de su carrera. La película no sólo se centra en su singular carrera profesional, si no también en su vida privada, en los traumas de su infancia, en sus relaciones personales, su homosexualidad,… Película llamativa y espectacular sobre un hombre solitario que buscaba su Rosebud.

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En tiempos de luz menguante

Pantalla 90 (CEE) - Dj, 07/06/2018 - 12:17pm

En tiempos de luz menguante 

In Zeiten des Abnehmenden Lichts

Drama

Director: Matti Geschonneck

Nueva película que revisa críticamente lo que fue el socialismo real en la Europa del Este. En pleno desmoronamiento del Telón de Acero, Bruno Ganz interpreta a un anciano exdirigente de la RDA que todavía cree en la inmortalidad de comunismo. Nadie se atreve a decirle que su heredero ha huido a la Alemania occidental. Muy interesante, pero algo tediosa. Para espectadores motivados, amantes de la historia contemporánea.

 

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El fútbol o yo – Estreno 8 de junio

Pantalla 90 (CEE) - Dj, 07/06/2018 - 12:14pm

El fútbol o yo 

Comedia

Director: Marcos Carnevale

Comedia argentina que narra la historia de un adicto al fútbol cuya mujer le da el ultimátum que reza el título del film. Una película sobre el matrimonio, las prioridades en la vida y la necesidad de dejarse ayudar. No es inolvidable, pero se deja ver, entretiene, y en ocasiones también divierte. Julieta Díaz y Adrián Suar  salvan los momentos más flojos con su interpretación.

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Indiana – Estreno 8 de junio

Pantalla 90 (CEE) - Dj, 07/06/2018 - 12:11pm

Indiana 

La douleur

Thriller

Director: Toni Comas

Dos atípicos parapsicólogos que recorren Indiana resolviendo casos paranormales se encuentran ante un caso especial. Película independiente rodada por un español afincado en EE.UU. con muy poco presupuesto y con una vocación mucho más social que terrorífica. El director podrá llegar lejos, pero no todavía con este film.

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Marguerite Duras. París 1944 – Estreno 8 de junio

Pantalla 90 (CEE) - Dj, 07/06/2018 - 11:36am

Marguerite Duras. París 1944 

La douleur

Drama

Director: Emmanuel Finkiel

Melanie Thierry protagoniza esta película fallida que trata de entrar en el mundo interior de la escritura Marguerite Duras, y que apenas lo consigue. A partir de su novela El dolor, y con una esmerada puesta en escena en la primera parte, luego decae, con un exceso de voz over. Ciertamente se sigue con suficiente interés, pero el viaje termina en el puerto de la perplejidad.

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Normandía al desnudo – Estreno 8 de junio

Pantalla 90 (CEE) - Dj, 07/06/2018 - 11:33am

Normandía al desnudo 

Normandie nue

Comedia

Director: Philippe Le Guay

Siguiendo la estela de The Full Monty, esta comedia francesa se centra en la historia de unos ganaderos que posan desnudos para dar publicidad a sus reivindicaciones. Buenos actores y algún momento capriano para una historia que se desinfla y que va perdiendo el gancho. Una propuesta curiosa que se queda varada a medio camino.

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Roman J. Israel, Esq.

Pantalla 90 (CEE) - Dj, 07/06/2018 - 11:29am

Roman J. Israel, Esq 

Público recomendado: adultos

«Roman Israel, letrado»: de esta manera se presenta el personaje al que da vida un solvente Denzel Washington (American Gangster, El libro de Eli, Malcolm X), un desaliñado abogado que trabaja en un bufete de abogados; un abogado que siempre ha estado en un segundo plano, haciendo el trabajo técnico y burocrático de su socio. No obstante, tras la muerte del este, Roman se ve obligado a dar un nuevo impulso a su vida laboral, a salir de la sombra y a dar un paso. Pero… ¿hacia dónde?

Lleva muchos años esperando que la sociedad cambie, pero nada de nada, como siempre: sigue aguardando una transformación del mundo que lo rodea. Quiere que este redescubra una vida que los juristas abandonaron hace tiempo, también los que luchaban y luchan por los derechos civiles, su campo de especialización. Los ideales de juventud de Roman, en cambio, no han envejecido, sobreviven: intactos, como cuando tenía veinte años y se adentró en ese mundillo. Aunque parece que tras la muerte de su socio ha renunciado a todo ideal, pero no. Aun así, el choque con la realidad es inevitable, puesto que el mundo se ha alterado y ha renunciado a aquello por lo que él ha estado luchando todos estos años. Pero su espíritu no ha envejecido; no se da cuenta, sin embargo, de que el mundo sigue girando, de que la realidad y el ideal por el que ha vivido riñen y vuelven a chocar una y otra vez, aunque desee una reconciliación. ¿Dónde están esos hombres movidos por un ideal puro? No los encuentra o, quizás, sí: lo encuentran a él. George Pierce, interpretado por Colin Farrell (Daredevil, Alexander), decide ponerlo otra vez en la palestra; la pureza de su manera de trabajar es atractiva, pero Roman Israel ya se ha pervertido: ha decidido cobrar una recompensa por denunciar a un asesino de un chico armenio, cuyo refugio se lo ha revelado, bajo confidencialidad, un cliente. Sus ideales encanecidos no han resistido el embiste de un mundo que clama todo lo contrario.

La juventud y deseo de unos ideales -a duras penas se ponen en juego a lo largo de la película, puesto que el verdadero protagonista es Roman Israel, no aquello que lo mueve- han caído: Ícaro ha volado demasiado cerca del sol, movido por el deseo de conocer, y se le han fundido las alas. Y Roman se convierte en un ángel caído, ¿cómo volverá a descubrir una pureza tan añorada?

Siempre con los auriculares, náufrago en una tempestad en la que no consigue aferrarse a ningún bote salvavidas, es un hombre perdido, en lucha contra el mundo, pero con pocas esperanzas de ganar y, además, acosado por asesinos en busca de venganza. En este sentido, es cautivador el recorrido que debe emprender el protagonista; un camino que lleva a cabo solo, sostenido únicamente por sus propias fuerzas y por el recuerdo de un ideal que ya se ha demostrado frágil. «La libertad solo depende de uno mismo», como le dice a Maya (Carmen Ejogo, Animales fantásticos y dónde encontrarlos, Selma): es la tentación de pensar que el mundo no puede ni quiere recuperar una pureza, pero, no obstante, el mundo empieza a cambiar cuando hay uno que decide dar un paso al frente y afrontar el propio mal. Lástima de la soledad del protagonista que nos plantea el guion, por un lado. Por el otro, el único perdón que se le ofrece al protagonista es el perdón que se otorga a sí mismo. Se autoacusa y se autoperdona: una historia del self made man que vive, lucha, se equivoca y busca la reconciliación con el mundo y consigo mismo. Esto es una vida.

 

Guillem Lisicic

 

 

Ficha técnica:

Título original: Roman J. Israel, Esq.

Dirección: Dan Gilroy

Guion: Dan Gilroy

Duración: 122 min.

País: Estados Unidos

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El hombre que mató a Don Quijote

Pantalla 90 (CEE) - Dj, 07/06/2018 - 9:58am

El hombre que mató a Don Quijote 

Público recomendado:  jóvenes/adultos

Adam Driver y Jonathan Pryce son los protagonistas de esta particular versión del Quijote escrita por Miguel de Cervantes Saavedra desde la óptica de Terry Gilliam. Según los expertos estamos ante el ex Monty Python que creó su propio universo, convirtiéndose en autor de culto. Es el director de películas peculiares como Doce monos o La nuevas aventuras del barón de Munchausen. Su trabajo más interesante y profundo fue El rey pescador. Por otro lado pensamos que fracasó con la rarísima  El imaginario del Dr. Parnassus, siendo El hombre que mató a Don Quijote su segundo intento de hablar de esta joya cervantina, tras Perdidos en la Mancha.

El cineasta declaró a Fotogramas lo siguiente sobre las características de sus protagonistas: “Mis personajes siempre se comportan como niños o lunáticos o Quijotes. Prefieren vivir en un mundo extraordinario. Y eso es peligroso, porque la realidad siempre está ahí, acechando. Y sí cruzas sin mirar en ambas direcciones, el autobús te arrolla.”

El argumento de esta coproducción gira en torno a un director de cine interesado en la historia del popular caballero manchego, que se acaba convirtiendo en el escudero del caballero andante de cuyo nombre no quiero acordarme.

Varias han sido las versiones que se han hecho sobre Don Quijote, destacando las interpretaciones de Fernando Rey como Quijote y de Alfredo Landa como Sancho en la producción televisiva de Manuel Guitiérrez Aragón  y no nos  podemos  olvidar de la magnífica serie de animación de Cruz Delgado con el doblaje de Fernando Fernan Gómez. Sin embargo, destaca  por encima de todas, la interpretación de Rafael Rivelles, dando vida al Quijote del grandísimo director español Rafael Gil. En este caso, la interpretación de Jonathan Pryce se acerca o se iguala al intérprete citado en último lugar. La escena más brillante de toda la película es aquella en la que el zapatero de esta historia pierde la cordura para transformarse en Alonso Quijano. Tan sólo por eso merece la pena ver la película. Sin embargo, no todo el monte es orégano porque el ritmo de la película es irregular y está cargado del surrealismo tan cargante del realizador británico. Nos parece grotesca la visión que se ofrece de la Guardia Civil y, en particular, la de un oficial de alto rango que guarda un parecido razonable y malintencionado con Mussolini. Por otra parte, la visión que se ofrece de la Iglesia del Siglo de Oro está cargada de tópicos. Otro punto negativo es la visión tan degradante que se ofrece de la mujer.

Finalmente, nos quedamos con la reflexión de sí merece la pena defender los ideales y principios en los que uno cree con pasión y valentía,  aunque te puedan tomar por loco. Y es que el héroe quijotesco es el mejor espejo en el que mirase porque siempre apunta a lo alto.

 

Título: El hombre que mató a Don Quijote

Director: Terry Gilliam

Reparto: Adam Driver, Jonathan Price, Olga Kurylenko, Jordi Mollá y Stellan Skargârd.

 

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Camarón. Flamenco y Revolución

Pantalla 90 (CEE) - Dv, 01/06/2018 - 11:14am

Camarón. Flamenco y Revolución 

Público recomendado: Jóvenes y adultos

Camarón, figura e icono, es desde hace décadas uno de los grandes universales del flamenco, que ha logrado fama y prestigio internacional para este estilo musical, español donde los haya, pero de cuna y raíces ancestrales, gitanas y nómadas.

Era una necesidad dejar documentada, para el gran público, el ascenso de Camarón al olimpo de las grandes estrellas. Ya teníamos documentales importantes como Paco de Lucía. La búsqueda (Francisco Sánchez Varela, 2014) u Omega (José Sánchez Montes, 2016) sobre Enrique Morente.

Camarón: flamenco y revolución está lleno de aciertos. La voz en off de Juan Diego y el texto con el que acompaña a la vida de Camarón es modélico para un documental: emocionado, pero honesto, y completo, porque habla de un hombre y no de un ángel. La vida de Camarón puede seguirse como la vida de una tragedia griega, quizá como la de muchas otras figuras de la música: se trata de los orígenes humildes de un talento natural excepcional, que es encumbrado hasta esferas impenetrables, elegido por algunos demiurgos que descubren el talento y lo ponen en valor. Pero al igual que en la tragedia, el final acecha, y la caída total se produce.

El documental sigue un orden cronológico, bien sazonado con documentación del archivo familiar, y con algunas animaciones, elemento ya presente en muchos documentales musicales y que funciona a la perfección. Los temas que aborda son todos trascendentales para entender a la figura y al arte flamenco. Empezando por su nacimiento en la comunidad gitana, el cante, vehículo o seña de identidad de una raza que ha sufrido siempre sospecha o persecución, y que ha sido nómada por naturaleza. También encontramos el aspecto empresarial, tan denostado a veces, pero necesario para que aflore el talento y pueda llegar al gran público. Clave en la carrera de Camarón fue su encuentro con Paco de Lucía, el catalizador de su gran éxito; las giras internacionales, y finalmente, como elemento dramático, su entrada en el olimpo mundial de las grandes estrellas del rock y del pop, de la mano de uno de los gigantes de la industria del showbiz de los USA; pero esto último se produce apenas unos meses antes de…

Que “muchos son los llamados y pocos los escogidos” no es solo una frase del Evangelio. Refleja la tensión entre la vida humana individualmente considerada y la vida en sociedad. Es una ley de la naturaleza. Hay un olimpo al que solo pertenecen algunos escasos mortales. La buena noticia para el resto es que, al final, la muerte nos iguala a todos. ¿O no? ¿No será la muerte, a su vez, uno de los elementos que contribuyen a engrandecer a algunas personas, a hacer perdurar su mito?

De algún modo, la épica en España, hoy, se entiende de modo distinto a cómo lo había sido en siglos anteriores. Las grandes gestas bélicas dan paso a las estrellas del cine o de la canción. Los logros ya no son derribar a caballeros, vencer batallas, o pasar días asediados sin comer y aun así resistir. Los logros son salir de la nada y conquistar público de todas las naciones, ser una celebridad y ganar discos de platino. Más aún sin dentro de esa figura pública sigue latiendo un hombre normal y corriente que desayuna cacao con magdalenas y juega con sus hijos pequeños.

 

(España, 2018)

Dirección: Alexis Morante

Guion: Alexis Morante, Raúl Santos

Reparto: Camarón de la Isla, Juan Diego

Duración: 104 min.

Género: documental

 

Pablo Gutiérrez Carreras

 

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El doctor de la felicidad

Pantalla 90 (CEE) - Dj, 31/05/2018 - 2:08pm

El doctor felicidad 

Público recomendado: jóvenes

Un estafador de tres al cuatro, perseguido por unos acreedores, se embarca en el puerto de Marsella, rumbo a las Indias, para ejercer como sanitario en el barco en el que se ha enrolado. Lo cierto es que no se le da mal y decide que la medicina será su futuro. Cinco años más tarde, después de haber culminado sus estudios universitarios, llega al pueblo francés de Saint-Maurice, donde ha comprado la plaza del doctor Parpalaid, que se retira. Su intención es aplicar un método nuevo en su ejercicio profesional, que implica asegurar el triunfo de la ciencia de la medicina, más importante para él que el interés de los enfermos. Empieza por organizar una consulta gratuita para atraer a los vecinos y convencerlos de que toda persona sana es un enfermo en potencia. Lo siguiente será encontrarle a cada uno una dolencia -real o imaginaria- y ofrecerle el tratamiento adecuado, cuyo precio será proporcional a las posibilidades de cada «paciente». A partir de entonces, sus extraordinarias artes de manipulación le permitirán ejercer su dominio sobre todos los vecinos, él se convertirá en alguien indispensable para ellos y, con ello, se hará rico, lo cual constituye su principal objetivo.

Adaptación de la obra teatral Knock ou le Triomphe de la médecine, del dramaturgo francés Jules Romains, que obtuvo un éxito fulgurante desde su estreno en 1923, protagonizada por Louis Jouvet, quien llevaría la obra a la pantalla con Roger Goupillières en 1933 y volvería de nuevo a interpretarlo bajo la dirección de Guy Lefranc, en 1951, poco antes de su fallecimiento. En esta ocasión, Lorraine Lévy, directora y guionista, lleva a cabo una adaptación libre con dos sugerentes retoques: modernizarla, situando la acción, no en 1920 sino en 1950, y confiar el protagonista a un actor carismático que rezuma simpatía y poder de seducción. Sin embargo el resultado acaba siendo un fiasco, desaparece el encanto de la obra original mientras que la nueva oferta carece de vigor y no acaba de funcionar.

Romains describía la deriva de una comunidad que se convertía en víctima de la habilidad de un personaje para las técnicas de manipulación publicitaria e ideológica, siempre envueltas en el señuelo de un concepto «talismán», que no admite réplica: el «progreso». Para aprovechar el tirón de un actor tan sugestivo como Omar Sy, Lorraine Lévy ha querido convertir a ese detestable artista de la manipulación en un personaje cálido y humano. Evidentemente, al reformular lo que constituía el núcleo de la obra, ha desaparecido el encanto del original. Sin embargo, esta no es la única causa del fracaso de la película. Omar Sy es capaz de ofrecer una buena alternativa al personaje y no se puede achacar al actor el naufragio del film. Lo peor es un guion torpe, que se permite introducir algunas innovaciones, que acaban siendo otros tantos desaciertos. Para hacer de Knock alguien cercano, para «humanizarlo», se ha creado el personaje de Adèle y una historia de amor algo lacrimógena. Pero, además, para poder mantener la detestable historia de manipulación pero haciendo el difícil ejercicio de preservar al mismo tiempo la repugnante figura de quien busca hacer fortuna manipulando a su antojo a sus vecinos, Lévy se inventa dos enemigos, que serán quienes desempeñen el rol del «malo» de la historia. Su misión será perseguir al héroe con malas artes, para convertirlo en víctima. Lansky, que intenta chantajearlo con un pasado superado (olvidando que su presente de estafador es peor todavía) y el cura que, muerto de envidia, pretende destrozarlo. Si el primero es un personaje superfluo, el segundo es totalmente insulso y ridículo. Ninguno de ellos logra despertar ni la más mínima sonrisa. El planteamiento resulta patético.

Alguna escena pueda, tal vez, salvarse, pero la trama, repleta de clichés, de diálogos tontos y de situaciones estúpidas, no consigue despegar. A pesar de que la película cuenta con actores extraordinarios, no logran salvar una comedia sosa y aburrida, que acaba sumiendo al espectador en el letargo.

 

Ficha técnica:

Knock  (Francia, 2017)

Género: Comedia

Dirección: Lorraine Lévy

Intérpretes: Omar Sy, Ana Girardot, Sabine Azéma, Alex Lutz, Pascal Elbé, Audrey Dana, Michel Vuillermoz, Christian Hecq, Hélène Vincent, Andréa Ferréol

Guion: Lorraine Lévy

Fotografía: Emmanuel Soyer

Música: Cyrille Aufort

Categories: Notícies d'Esglèsia

Han Solo: Una historia de Star Wars

Pantalla 90 (CEE) - Dj, 31/05/2018 - 1:50pm

Han Solo: Una historia de Star Wars 

Público recomendado: Jóvenes

 Desde que Disney compró LucasFilm allá por 2012, la saga de Star Wars ha vuelto con más fuerza que nunca; para lo bueno, y para lo malo. Junto a las continuaciones de la historia principal de la saga, también hemos podido disfrutar de historias paralelas que exploran el universo de Star Wars, y explotan uno de los negocios más rentable de la historia del cine.

En este caso estamos ante un spin-off que se centra en la historia de uno de los personajes más emblemáticos de la saga: Han Solo. Precuela de Star Wars, en la que vemos los primeros pasos del personaje de Han Solo, desde joven hasta convertirse en el contrabandista antihéroe que conocimos en “Una nueva esperanza”, antes de encontrarse con Luke Skywalker y Obi-Wan Kenobi en aquella cantina.

 

George Lucas dijo hace unos años que “es para mí tiempo ya de pasar “Star Wars” a una nueva generación de cineastas. Siempre he creído que “Star Wars” podría sobrevivirme y pensé que era importante establecer la transición durante mi vida”. – Todo buen maestro debe espacio dejar a los discípulos, para que el camino continúe. -diría Ioda.

En el caso que nos ocupa, “Han Solo: Una historia de Star Wars”, está dirigida por Ron Howard (“Cinderella Man”, “The Beatles: Eight Days a Week – The Touring Years”) y nos presenta los orígenes de Han Solo y de su relación con el memorable Chewbacca, su leal copiloto en el Halcón Milenario. Con una dosis menor de acción a la que nos tiene acostumbrados el momento posmoderno que vivimos, la película nos recuerda a la estética de las primeras entregas y al western más clásico, incluso en la tonalidad visual de la película y en los colores marrones que rodean al protagonista. Por otro lado, la estructura de la película, sobre todo la segunda parte, está muy influenciada por construir (y respetar) la continuación de la saga y no tanto en dar un cierre a la historia; de ahí esa sensación de varios finales que, aunque bien narrados e insertados, resultan algo sospechosos y terminan impidiendo la emoción y el carisma a la historia y a los personajes. Por otro lado, se ha extirpado toda referencia explícita al concepto de la Fuerza y al universo Jedi. Aun así, la película consigue entretener y generar momentos interesantes que hacen de las más de dos horas de película toda una aventura.

Con un arranque que recuerda a “El Quinto Elemento” o “Blade Runner”; unos complejos e interesantes personajes y unas tramas bien pensadas, la película consigue atraparnos y llevarnos al límite en secuencias de acción muy bien rodadas (como la inicial del tren en el puente). Sin embargo, en la segunda parte los personajes cambian de motivación y objetivo, lo cual despista al espectador de forma que, aunque acepta los giros de la trama, no termina de emocionarse como debiera. Interesante la banda sonora de John Powel especialmente usando coros para hacer épicas escenas límite como la mencionada del puente.

Una última reflexión, quizás algo más antropológica:

¿Por qué en esta precuela de Star Wars se atisba “la resistencia rebelde”, “el camino del lado oscuro”, “el corazón libre de Han Solo” y no puede adelantarse el concepto de la Fuerza y el mundo Jedi? Siempre se ha acusado a esta saga de tener un cierto “tufo” a newage sobre todo por ese concepto energético de la Fuerza que lo rodea todo, incluso a nosotros mismos. Y aunque pudiera ser acertada la acusación (que no lo creo), quitar incluso esto de la saga, extirpa de raíz la dimensión transcendente de la narración que, encaje o no con la religión de cada uno, expresa la dimensión espiritual propia de la naturaleza humana.

Esperamos que las nuevas generaciones de cineastas respeten las claves originales de una saga en donde siempre resultará imposible gustar a todos los fans. A pesar de todo, toda una aventura que no deben perderse.

 

Carlos Aguilera Albesa

@caguileralbesa

 

Título original: “Solo: A Star Wars Story”

Director: Ron Howard.

Fotografía: Bradford Young.

Intérpretes: Alden Ehrenreich, Emilia Clarke, Woody Harrelson, Donald Glover, Thandie Newton, Paul Bettany, Phoebe Waller-Bridge, Warwick Davis, Clint Howard, Richard Dixon, Joonas Suotamo, Sarah-Stephanie, Deepak Anand, Slim Khezri, Ian Kenny, Douglas Robson, Omar Alboukharey, Sean Gislingham y Nathaniel Londsdale.

Guión: Lawrence Kasdan, Jonathan Kasdan (Personaje: George Lucas).

Música: John Powel.

Nacionalidad: EE.UU.

Año: 2018.

Género: Ciencia ficción.

Duración: 135 min.

Categories: Notícies d'Esglèsia

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