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Notícies d'Esglèsia

El hilo invisible

Pantalla 90 (CEE) - Dv, 09/02/2018 - 11:23am

El hilo invisible 

Público: Adultos

Del guionista y director, Paul Tomas Anderson (Magnolia/1999 y Pozos de Ambición/2007), nos llega una historia de amor delicada pero laberíntica, que reflexiona sobre el acto creativo. Daniel Day-Lewis interpreta a un famoso diseñador que se enamora de una joven camarera. La inocencia y pureza de ella podrán a prueba el universo creativo de un maniático, que quiere y no sabe querer al mismo tiempo.

La historia se desarrolla en el Londres de la posguerra, en 1950. Reynolds Woodcock (Daniel Day-Lewis) es un famoso modisto que viste a la realeza y a las estrellas del cine. Tras un desfile decide irse unos días a descansar y conoce a Alma (Vicky Krieps), una joven que pronto se convertirá en su amante y su musa. La aparición inesperada de Alma alterará la vida controlada y planificada que llevaba el famoso modisto hasta entonces. La película, cuyo guion (y fotografía) es del mismo Paul Thomas Anderson, se inspira libremente en la vida del modista Charles James pero, sobre todo, en la de Cristobal Balenciaga, según ha dicho el propio director.

Aunque el guion y las interpretaciones están llenos de matices que definen este universo de emociones encontradas, la fotografía y el estilo visual se alejan de esta complejidad interior y optan por “lo clásico” para narrar visualmente la historia. En esa misma línea se mueve tanto un montaje afinado y preciso, como una banda sonora arriesgada pero eficaz, que muestra ese clasicismo de la época, a la vez que atiende al mundo interior de los personajes.

Pero más allá de la historia de amor, existe una reflexión sobre cómo el acto creativo puede llevar al artista hasta un aislamiento enfermizo; muchas veces condicionado por heridas afectivas de la infancia. En esta línea conectaría con la película de Manuel Martin Cuenca El autor, en donde vemos cómo el protagonista trata de modificar su entorno para escribir una novela; como si su imagen de la realidad fuera más interesante que la realidad misma. Curiosamente ambas películas presentan una cierta influencia del director Alfred Hichcock; al menos en el caso de El hilo invisible, declarada por el mismo director. De hecho, al igual que ocurre con El autor, la película que nos ocupa podría leerse desde la sátira, lo cual daría verosimilitud a una segunda parte algo difícil de asimilar.

En una época como la actual donde el individualismo reina por doquier, esta película introduce, aunque sea escabrosamente, una interesante reflexión: ¿y si lo que necesito para ser feliz está fuera de mi “burbuja” personal? ¿Y si aun reconociéndolo no reacciono adecuadamente, quizás, porque ni sé cómo hacerlo?

En definitiva, una película elegante pero retorcida que no dejará indiferente a nadie; siempre que sea capaz de sobrellevar las más de dos horas de metraje. Aunque algo larga, la película es como uno de los vestidos del protagonista: una obra de arte llena de estilo y talento, pero satíricamente cerrada en sí misma. Por cierto, brutal la interpretación de Daniel Day-Lewis, como siempre.

 

Carlos Aguilera Albesa

El capuchón del bolic

 

Ficha técnica:

Título original: “Phantom Thread”

Director: Paul Thomas Anderson.

Fotografía: Paul Thomas Anderson.

Intérpretes: Daniel Day-Lewis, Vicky Krieps, Lesley Manville, Richard Graham, Bern Collaco, Jane Perry, Camilla Rutherford, Pip Phillips, Dave Simon e Ingrid Sophie Schram.

Guión: Paul Thomas Anderson.

Música: Jonny Greenwood.

Nacionalidad: EE.UU.

Año: 2017.

Género: Drama.

Duración:  130 min.

 

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Celestial Camel

Pantalla 90 (CEE) - Dc, 07/02/2018 - 11:14am

Celestial Camel 

Público recomendado: todos

El cine nos desplaza a lugares ignotos y a convivir en la lejanía con otras culturas y formas de vida que nos recuerdan que todos buscamos el sentido y la felicidad en la vida. Desde las estepas de Rusia, el director Yuri Feting nos trae una historia de estas con Celestial Camel, en el que un chico calmuco emprende una aventura para buscar un camello especial.

Este pueblo mongol, que habita en la llanura rusa, cree que los camellos albinos dan buena suerte. Uno de ellos nace en la familia de Bayir, un chico de 12 años. Su padre tiene que vender al camello, de nombre Altynka, para dar de comer a la familia, pues en breve nacerá un nuevo miembro. Altynka es hijo de Mara, una camella, que irá en busca de su joven cría a la que han comprado para rodar una película. Tras Mara irá Bayir, pues su padre le dejó al cargo de la pequeña granja cuando fue con su mujer a dar a luz a la ciudad próxima.

La fotografía de Anton Zhabin nos descubre el yermo donde habitan los calmucos que emigraron hace décadas desde el Asia Central hasta Europa Oriental. Lugares donde no llueve apenas y sus habitantes piden a Dios que riegue sus campos para poder mantener a sus ganados y beber ellos mismos. Observamos como los mayores salmodian y rezan para que caiga el preciado líquido.

El paisaje no varía apenas, ofreciendo colores amarillos en parajes que se pierden en la lejanía. Las secuencias del director Yuriy Feting, también coguionista, que acompaña con su cámara el viaje del Bayir en busca de la camella Mara, nos desvela también la candidez de sus pobladores y, más importante, la generosidad con la que se implican para ayudar al chico. Acogerán a Bayir una noche y arreglarán su moto, al tiempo que celebran una fiesta donde el pequeño conocerá a la que predicen que será la mujer de su vida.

En Celestial Camel asistimos a diálogos sencillos que rezuman naturalidad, en una comunicación que se hace también con miradas y gestos del mismo estilo. No encontramos parlamentos sofisticados y sí un lenguaje directo, alejado de segundas intenciones (incluso entre los personajes que se llevan a la joven camella blanca), como ocurre con el chico ruso que pasó su infancia en orfanatos, con el que se encuentra Bayir en la cárcel. Pronto se harán amigos y, cuando se despiden, se llamarán hermanos.

Sencillez y alegría, y mucha, cuando vuelven de la ciudad sus padres, tras haber dado a luz a su nueva hermana y su progenitor se pone a cantar y tocar la guitarra, acompañado por toda su familia.

Este filme, que distribuye Ver Cine, no persigue grandes pretensiones y nos presenta el temple de las personas que viven cotidianamente y pegadas al terrerno en parajes extremos, como son las estepas rusas.

 

 

Título original: Nebesnyy verblyud (Celestial Camel)- Rusia 2015

(Celestial Camel)

Dirección: Yuriy Feting

Guion: Yuriy Feting, Elzyata Mandzhieva

Música: Maksim Koshevarov

Fotografía: Anton Zhabin

Reparto

Mikhail Gasanov,  Viktor Sukhorukov,  Petr Novikov,  Irina Hurgunova, Danzan Badrashkiev,  Batr Mandzhiev,  Baira Mandzhieva,  Vitaly Makhov, Vitaly Nadbitov

Género: Aventuras

Duración: 90 min.

 

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La herida

Pantalla 90 (CEE) - Dm, 06/02/2018 - 10:22am

La herida 

Público recomendado: adultos

Los dramas raciales han ocupado un puesto muy importante en el cine actual. Cada vez son más comunes en nuestras pantallas de cine ver películas sobre la complicada vida que ha llevado la gente de color durante su vida. Algunas son contundentes, otras más implícitas e impresionistas; la intención de los realizadores es mostrar una cierta realidad, una pequeña parcela de la vida de estas personas desde un particular punto de vista. Sin embargo, no siempre se logra una clara diferenciación, lo que hace caer a muchas de estas obras en un grado de mímesis que difícilmente pasa desapercibida. La reciente Moonlight supuso un soplo de aire fresco en su tratamiento y visión de la vida de un joven afroamericano; una gran película que, a pesar de no tener una enorme repercusión en las salas españolas, si ha supuesto un considerable impacto para jóvenes realizadores en el terreno que se trata. John Trengove es uno de estos casos, y su opera prima, La herida es el resultado de ello. Una buena película, de aspecto técnico y visual casi naturalista, bien dirigida pero que sufre las inevitables comparaciones con la película de Barry Jenkins, e incluso sus errores.

Se nos presenta a Xolani, un joven que ejerce de tutor de Kwanda, un muchacho que está a punto de entrar en edad adulta mediante un rito. Se le pide a  Xolani que ayude a convertir a Kwanda, un chico sensible y afeminado en todo un hombre. Lo que nadie sabe es que Xolani es secretamente homosexual. Posee cierto regusto a documental antropológico, ya que se denota el empeño del joven director en mostrar el folklore y las tradiciones de la comunidad donde vive Xolani, conservadores y poco modernas. El personaje principal es una especie de símbolo de la modernidad que se vive en el exterior, algo a lo que los lugareños se ese cerrado paraje de África no conoce debido a su tradicional forma de vida. Y aunque es pertinente tener obras como esta, uno tiene la sensación que todo resulta demasiado trillado y visto, muy repetido en muchas obras; la concienciación sobre un tema tan sensible como el que se trata resulta algo burda, propia de obras menores, cayendo en la obviedad con facilidad.

No obstante, la obra guarda momento muy interesantes, una reflexión que nos invita a pensar en la importancia de la apertura de las comunidades, la educación, el valor del respeto y la tolerancia. Es atrevida, teniendo en cuanta que viene de un director novel, pero siempre con limitaciones, lo que nos lleva a una sensación maniquea de su realizador, propia de quien mucho quiere abordar pero con la modestia de un primerizo. Lírica y directa, una película que posee cierto interés y con cierta personalidad.

David Fermín Aparicio

 

Ficha técnica:

Título: La herida

Director: John Trengove

Año: 2017

País: Sudáfrica

 

 

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C’ est la vie!

Pantalla 90 (CEE) - Dm, 06/02/2018 - 8:31am

C`est la vie! 

Público recomendado: adultos

Acelerada, frenética, epiléptica peripecia fílmica, los directores de la ya casi legendaria Intocable, Nakache y Toledano, nos anegan en un relato de pulso vertiginoso, muy desigual, ora inverosímil ora esperpéntico. Asistimos a la preparación de una boda/bodorrio con toda una cohorte de personales de ribetes esperpénticos, trazos hiperbólicos y prestancia abracadabrante. Un artefacto cinematográfico asaz jocoserio que muestra una notable maña cuando de orquestar un tremebundo guirigay se trata, con toda su porción de subtramas bien adiestradas. A la manera berlanguiana o lubitschiana (a años luz, obviamente de semejantes titanes) se aglomeran personajes agitadísimos, se cruzan y descruzan, vienen y van, cual inaudito descalzaperros. Pero la historia desbarra clamorosamente a la hora de perfilar con más maestría, sutileza y brío la diversa fauna estupefaciente que pulula ante nuestras abusadas retinas.

Con ritmo trepidante, con escasos momentos de reposo para el espectador, los chistes son desiguales, las gracias algo impostadas, las situaciones presuntamente divertidas. La película amaga sin llegar al knout out. Como denuncia de la banalización/mercantilización de los matrimonios cojea clamorosamente. Cuando se adentra en la noble defensa del pequeño empresario, literalmente expoliado y sistemáticamente maltratado por todo una harka de vampiros de Hacienda no llega a resultar convincente. Como ilustración del triunfo del amor licuado que prevalece en la decrépita Europa (Bauman), mucho menos. Sobre los destrozos causados por el feminismo en las relaciones entre hombres y mujeres, ni por asomo se atreven los directores a realizar matiz alguno siquiera. En definitiva, levemente corrosiva, la película francesa se empeña en trivializar sin excesivo garbo nuestros intensos desgarros contemporáneos.

Pasatiempo amable e intrascendente, sobresale la prodigiosa composición de Jean-Pierre Bacri como genuino maestro de ceremonias. También podríamos retener el acierto al retratar los atolladeros y complejidades del mundo de la hostelería (esos héroes, los camareros) en todo tipo de celebraciones, trasmitiendo la película con mucha corrección el frenesí y el agobio, la coordinación -o la falta de ella- y la quimérica impavidez que muestran amos y criados.

El reparto coral no proporciona recuerdos excesivos recuerdos perdurables. Su atrabiliaria y desnortada caterva de títeres humanos (fotógrafos desubicados por las nuevas tecnologías y enganchados a los canapés, becarios sabihondos, cantantes mediocres y dizque seductores, novios estólidos, novias irrelevantes, madres de novio con furor uterino, exprofesores reciclados en la hostelería…) nos hacen oscilar entre el tedio y el leve esbozo de la comisura de la los labios. En fin, citando a Beaumarchais (esa pedantería gala tan displicente) en El barbero de Sevilla, me obligo a reírme de todo para no verme obligado a llorar. Risas puntuales para no llegar a horadar, valga el oxímoron, la honda oquedad de esta petulancia francesa. Como delirante propuesta del novio (e íntimo anhelo de los directores), ni la boda ni la película acaban siendo ni sobrias ni chics ni elegantes.

 

Luys Coleto

 

http://astoria21.es/author/luis-c-de-lantaron/

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Zama

Pantalla 90 (CEE) - Dll, 05/02/2018 - 2:20pm

Zama 

Público recomendado: Adultos

Esperar, esperar, esperar: es esta la acción -la inacción- más repetida en la vida de don Diego de Zama, funcionario español asentado en las Américas y protagonista de la novela de Antonio di Benedetto, y de la que Lucrecia Martel (El aula vacía, La mujer sin cabeza) se ha servido para llevar a la gran pantalla, en este 2017, una historia desconcertantemente aburrida, plana y embriagadoramente soporífera. Las estructuras narrativas no lineales que emplea el guion son, quizás, el punto más interesante de una película líricamente atractiva, pero floja en todos los otros aspectos; tampoco la presencia de elementos oníricos llega a despertar el interés de un espectador que debe aguantar prácticamente dos horas de película en la que no sucede nada; solamente en los últimos veinte minutos se produce el verdadero paso al nudo de la trama que, en realidad, está planteado como conclusión.

La espera irrazonable que vive Diego de Zama, alimentada por las falsas esperanzas que le dan sus superiores y de una burocracia ineficaz en un imperio español decadente, es tan desmesurada como lo fueron los ronquidos de una compañera de oficio durante la proyección de la premiere de esta película, y que fueron la única nota vibrante en una sala de cine vacía de color y de luz.

Guillem Lisicic

 

Ficha técnica:

 

Título original: Zama

Dirección: Lucrecia Martel

Año: 2017

Duración: 115 min.

País: Argentina

Guion: Lucrecia Martel

Fotografía: Rui Poças

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Déjate llevar

Pantalla 90 (CEE) - Dll, 05/02/2018 - 2:13pm

Déjate llevar 

Público recomendado: Jóvenes y adultos

El pasado viernes, 2 de febrero, los cines españoles recibían al filme italiano ¡Déjate llevar!, fallida comedia previsible, de argumento pueril, que distribuye Adso Films y dirige Francesco Amato.

La película sigue las vicisitudes de un hombre con barba y gafas, al más puro estilo de Sigmund Freud. Se trata del Dr. Elia Venezia (Toni Servillo), un rígido psicoanalista judío, entrado en años, con una vida tranquila y predecible. A pesar de que está separado de su exmujer Giovanna (de la que aún sigue enamorado y tiene un hijo en común) son vecinos. Sin embargo, un día su médico le alerta de que, al haber descuidado su aspecto físico, ha de hacer cambios y entonces se ve obligado a modificar su dieta y a practicar ejercicio a diario.

En el entretanto conocerá a Claudia (Verónica Echegui), una jovial entrenadora personal, más preocupada por el culto al cuerpo que al de la mente y este soplo de aire fresco le hará replantearse el sentido de su existencia.

El hasta ahora desconocido realizador italiano Francesco Amato (39 años) escribe y dirige esta amable historia, academicista, desde la prudencia y la inexperiencia. Cuenta con situaciones tan rocambolescas como inverosímiles, dado que se ciñe a un guión hermético que no da opciones a que esas situaciones puedan revertir y termina por repetir las mismas acciones, con idea de que en algún momento fluyan.

Tal vez esperanzado por el plantel de actores que protagonicen el filme, Amato ha dejado que sean ellos quienes lleven la voz cantante. Y a pesar de que, cada uno por su lado funcionan muy bien, no terminan de encajar en esta maquinaria incompleta.

por si no fuera suficiente, a lo farragoso de la puesta en escena se suma la fatalidad de una subtrama metida con calzador, que desequilibra el proceso narrativo, no añade nada a la comedia y la historia queda partida en dos.

Y es una pena que los esfuerzos de los intérpretes (especialmente el gran Toni Servillo, Verónica Echegui y Carla Signoris) por dar lo mejor de sí mismos caigan en saco roto, principalmente por la ausencia de una dirección de actores sólida y comprometida, que se traduce en mostrar personalidades sin rasgos suficientemente determinados.

Con todas estas deficiencias halladas es imposible que un filme así, sin ambiciones, se sostenga sólo y funcione. Por eso termina convertido en una historia pasajera y sin trascendencia. Al menos despierta algunas sonrisas. Nada más.

 

José Luis Panero

@PALOMITERO

 

Ficha técnica:

(Lasciati andare, Italia, 2017)

Dirección: Francesco Amato

Interpretación: Toni Servillo, Verónica Echegui, Carla Signoris, Luca Marinelli, Valentina Carnelutti, Pietro Sermonti, Glen Blackhallk, Paolo Graziosi

Duración: 107 min.

Género: Comedia

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II Curso de crítica de cine

Pantalla 90 (CEE) - Dc, 24/01/2018 - 7:26am

 Organiza: SIGNIS ESPAÑA

Patrocina: Facultad de Humanidades y CC. De la Comunicación de la UNIVERSIDAD SAN PABLO CEU

Colabora: CINEMANET, FUNDACIÓN LÓPEZ QUINTÁS

Lugar: Aula 2.1 de la  Facultad de Humanidades y CC de la Comunicación de la USP CEU, Pº de Juan XXIII, 6

Horario: de 18,00 a 20,00

Destinatarios: Críticos de cine principiantes o sin formación específica, críticos ocasionales, estudiantes de Periodismo, Comunicación Audiovisual o cualquier grado de Artes o Humanidades.

Programa

  • 7 de febrero. Análisis del lenguaje fílmico I. Lo que no se ve en la pantalla

Profesor: Benjamín Lorenzo

  • 14 de febrero. Análisis del lenguaje fílmico II. Lo que se ve en la pantalla

Profesor: Federico Alba

  • 21 de febrero. Lectura antropológica del film I (Caso práctico, In good company)

Profesora: Mariángeles Almacellas

  • 28 de febrero. Lectura antropológica del film II (Caso práctico, In good company)

Profesora: Mariángeles Almacellas

  • 7 de marzo. Composición de una crítica de cine

Profesora: Ninfa Watt

  • 14 de marzo. La crítica en los distintos medios de comunicación

Profesor: Juan Orellana

  • 21 de marzo. Taller de análisis práctico

Inscripción: correo electrónico a orellana@ceu.es Precio: 50€ (25€ para los alumnos de la Universidad San Pablo CEU). Forma de Pago: Transferencia bancaria a la cuenta de SIGNIS ESPAÑA: ES49 2100 1642 8802 0017 1141 (CCC: 2100 1642 88 02 00171141)

Concepto: Curso Crítica NOMBRE ALUMNO

 

 

Profesorado

Benjamín Lorenzo

Director de cine y guionista. Productor. Master en dirección de cine. Cortometrajista y Ayudante de dirección. Ha sido Jurado Signis en los Festivales de La Habana, Cannes y San Sebastián. Fue Redactor Jefe de Pantalla 90.

 

Federico Alba

Director de cine por la ECAM. Cortometrajista. Autor del libro El cine fantástico de Spielberg y de Cine y rock. Coautor de El antifaz trasparente. Antropología en el cine de superhéroes. Profesor del Master en Dirección Cinematográfica del CEU.

 

Mª Ángeles Almacellas

Crítica de cine de Cine y Valores (Fundación López Quintás), de Cinemanet y Pantalla 90. Doctora en Filosofía y Ciencias de la Educación por la Universidad Complutense de Madrid. Profesora de la Escuela de Pensamiento y Creatividad del Prof. D. A. López Quintás.

 

Ninfa Watt

Crítica de cine en La alacena global (Radio Internacional-España), Revista Ecclesia y COPE. Doctora en Comunicación por la Universidad Pontificia de Salamanca y Licenciada en Filología Hispánica por la Universidad Complutense de Madrid.

 

Juan Orellana

Crítico de cine de La Tarde y La noche de COPE.  Director y presentador del programa televisivo de crítica de cine Pantalla Grande de TRECE. Crítico de cine de Alfa y Omega, El Debate de hoy, ACEPRENSA, Revista Crítica, Revista Misión. Director de la revista digital Pantalla 90. Profesor de Narrativa Audiovisual en la Universidad San Pablo CEU.

 

 

 

 

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Me estás matando Susana

Pantalla 90 (CEE) - Dc, 24/01/2018 - 7:23am

Me estás matando Susana 

Público recomendado: Adultos

Eligio es un mediocre actor mexicano de culebrones, bastante golfo, que no pierde ocasión de beber y ligar. Su mujer, la española Susana, que está empezando una buena carrera como escritora, está harta de esa vida. Una noche, Eligio llega a su casa y comprueba que Susana ha desaparecido. Desconcertado, empieza a preguntar a amigos y conocidos y, para su gran sorpresa, va dándose cuenta de que mientras él vivía irreflexivamente, ella estaba incómoda y, por supuesto, no era feliz. Cuando por fin consigue averiguar que Susana había obtenido una beca en una universidad de Iowa, EE.UU., deja todo y se va en busca de su mujer. Pero recuperarla va a resultar mucho más complicado de lo que podía suponer.

Roberto Sneider adapta Ciudades abiertas de José Agustín y ofrece una comedia dramática en la que se contraponen las típicas actitudes posesivas machistas con la necesidad de espacio de libertad del personaje femenino. Hasta el punto que ella se siente tan atrapada en una tela de araña que no ve más salida que huir. En ese sentido, la película no satisfará ni a los «machistas», que quedan en ridículo, ni a los «feministas», porque Susana no puede ser calificada como tal. De hecho, el desarrollo de la historia es tan ambiguo que al final, más que ser una crítica o denuncia del machismo, casi parece dar la razón al varón que se impone sobre la mujer.

Esa misma ambigüedad –o, tal vez mejor sería decir «superficialidad»- se aplica a los personajes, insustanciales y poco creíbles. La pugna entre la pareja es por la posesión o la libertad. Él la necesita, no entiende su vida sin ella, pero ni la escucha ni pretende hacerlo. Busca su propia complacencia, no el bienestar de ella. El significado real de sus «te quiero» no hace referencia a «amar» como búsqueda del bien del amado, sino a «desear o apetecer» para su satisfacción, sin pensar en la de ella. Sin duda está sobradamente justificada el ansia de libertad de Susana para ir y venir a su antojo, sin la constante presencia de Eligio a su lado. Pero se limita a reclamar la mera «libertad de acción», sin plantearse ni por un momento si esa relación corrosiva pudiera suponer una rémora para su crecimiento personal, no sólo para el profesional. El sentido ético de ambos es inexistente, sólo se guían por las pulsiones inmediatas -deseo, celos, miedo…-, sin ningún referente de bueno, malo, correcto, incorrecto.

Para encarnar a esos personajes inconsistentes, dos actores que no llegan a brillar. Verónica Echegui tiene encanto personal, pero el film le brinda poca ocasión de lucirse. Prácticamente no hace más que servir de contrapunto a Gael García Bernal, quien está correcto pero sin más.

No es una película aburrida, pero tampoco especialmente divertida. Permite pasar un rato, pero se olvida de inmediato. Afortunadamente.

Mª Ángeles Almacellas

 

Me estás matando Susana (Canadá, México, 2016)

Duración: 100 min.

Género: Comedia dramática

Año: 2016

Dirección: Roberto Sneider

Intérpretes: Gael García Bernal, Verónica Echegui, Ashley Hinshaw, Jadyn Wong, Björn Hlynur Haraldsson, Adam Hurtig, Daniel Giménez Cacho, Ilse Salas

Guión: Luis Cámara, Roberto Sneider (Sobre una novela de José Agustín)

Música: Victor Hernandez Stumpfhauser

Fotografía: Antonio Calvache

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Plan de chicas

Pantalla 90 (CEE) - Dc, 24/01/2018 - 7:18am

Plan de chicas 

Público recomendado: jóvenes

Cuatro amigas de toda la vida, pertenecientes al autodenominado mítico grupo de las “Flossy Posse”, se reunen después de años de distancia para emprender un viaje hacia Nueva Orleans, donde se preparan para asistir al importante festival de Essence. Cada una con su personalidad y su historia: Ryan, escritora y motivadora social (Regina Hall); Sasha, famosa bloguera de cotilleos (Queen Latifah, ya nominanda al Oscar a la mejor actriz de reparto por Chicago), la madre soltera Lisa (Jada Pinktett Smith, mujer de Will Smith) y Dina, la fiestera (Tiffany Haddish). El plan de las cuatro chicas es pasar un fin de semana de locura y diversión a toda costa, objetivo para el que cada potencial medio resulterá lícito.

Dirigida por Malcom D. Lee, primo del director de cine Spike Lee, y escrita por Kenya Barris and Tracy Oliver, esta comedia con rasgos románticos, aunque presente escenas de banal espectacularidad –que tal vez resultan un poco forzadas o repetitivas–, tiene un mensaje que logra transmitir. En efecto, la cinta se centra en el valor de la amistad, como dimensión en la que uno puede dejarse mirar, y aceptar tanto la propia historia como su verdadero yo. Una idea transmitida a través de los “dramáticos” acontecimientos en que se encuentra involucrada  Ryan. Sólo gracias a esta actidud, así la idea del film, es posible comunicar algo verdadero, que mueve y conmueve los demás.

Hay tópicos y estereotipos femeninos, así como otros tantos referidos al mundo de hoy (como el del modelo de Instagram), que son potenciados o incluso caricaturizados, un factor que puede resultar tanto un logro de la película como una falta de originalidad.

“Plan de chicas” no es una pelicula particularmente recomendable ni meritoria más que por el hecho de que, siendo a su modo actual y entretenida, es capaz de alcanzar al público menos pretencioso comunicando algo sensato.

 

Título original: Grils trip

País: Estados Unidos Estados Unidos

Año: 2017

Dirección: Malcolm D. Lee

Guion: Kenya Barris, Karen McCullah Lutz, Tracy Oliver, Erica Rivinoja

Reparto: Regina Hall,  Jada Pinkett Smith,  Tiffany Haddish,  Queen Latifah,  Larenz Tate, Deborah Ayorinde,  Kofi Siriboe,  Juan Gaspard,  Wanetah Walmsley,  Tonea Stewart, Robert Miano,  Lara Grice,  Ricky Wayne,  Rebecca Chulew,  Nick Mundy

Duración: 122 min

Género: Comedia

 

 

Categories: Notícies d'Esglèsia

Mazinger Z. Infinity

Pantalla 90 (CEE) - Dc, 24/01/2018 - 7:16am

Mazinger Z. Infinity 

Público recomendado: Jóvenes

Para celebrar el 40 aniversario de la mítica serie de animación Mazinger Z, la productora nipona Toei ha realizado esta película en la que se recuperan personajes y elementos de la serie original, sin renunciar a algunos elementos técnicos modernos.

Diez años después de la aparente muerte del Doctor Infierno, Koji Kabuto trabaja como científico. Pronto descubrirá una misteriosa estructura subterránea que le lleva a descubrir que el villano no murió, y que prepara un nuevo ataque a la tierra.

Resulta curioso el experimento formal que supone esta Mazinger Z. Infinity, en la que se han mezclado técnicas tradicionales de animación 2D con las ya más extendidas tecnologías digitales. Es como si en esa misma mezcla se dieran la mano el pasado y el presente de estos míticos personajes. Y de hecho, viendo la película uno se plantea si está más dirigida a las nuevas generaciones de espectadores o a los cuarentones y cincuentones nostálgicos que veían la serie original en su infancia o adolescencia. Porque ciertamente, la productora Toei, después de algunas versiones de Mazinger Z adaptadas a los nuevos tiempos, ha aplicado una mirada retro en esta entrega de aniversario. No sólo por la reaparición de los villanos clásicos, sino también por el tono y elementos tradicionales de la serie. Incluyendo, hay que avisarlo, la violencia desatada y un cierto subtexto sexual que quizás no hagan muy recomendable el visionado para los niños más pequeños. Además, es posible que la trama peque de ser demasiado enrevesada. La película sube muchos enteros cuando se centra en la aventura y la acción.

Por lo demás, la historia muestra ese humor naïf tan propio de la animación japonesa, el aura de misticismo y una cierta intención aleccionadora sobre el papel del hombre en el mundo, las consecuencias de nuestras acciones y la necesidad de respetar nuestro entorno ecológico.

En definitiva, una buena muestra de la mejor animación japonesa que cumple sobradamente como película de entretenimiento, y que posiblemente dejará más satisfechos a los adultos que siguieron la serie original que a los jóvenes que no conozcan a los personajes.

Federico Alba.

 

Ficha técnica:

(Mazinger Z, Japón, 2017)

Director: Junji Shimizu.

Guion: Takahiro Ozawa.

Intérpretes (voces): Shotaro Morikubo, Unsho Ishikuza, Sumire Uesaka.

Duración: 95 minutos.

Género: Fantástico.

Categories: Notícies d'Esglèsia

Los archivos del Pentágono

Pantalla 90 (CEE) - Dc, 24/01/2018 - 7:11am

Los archivos del Pentágono 

Público: Adultos-Ideas

 Vuelve el Spielberg más sobrio (Munich) y lo hace de la mano de Tom Hanks y Meryl Streep. Tres maestros que convierten a esta película sobre la libertad de prensa, en un prodigio de dirección e interpretación. Con un punto idealista y algún acercamiento al género documental, que recuerda al cine clásico, Los archivos del Pentágono es una de las mejores películas del año.

Año 1971. Varios años después de la Guerra de Vietnam, el New York Times publica en primera página unos archivos clasificados del Pentágono, que desvelan las mentiras contadas al pueblo americano durante la guerra. Por ello, el fiscal del Estado acusa al periódico de poner en riesgo tanto el liderazgo de la Casa Blanca como de su cuerpo de espías. Por ello, se ven obligados a no publicar más. Los mismos archivos secretos llegan a los dirigentes del Washington Post, que tienen que decidir si publican y van a la cárcel, como le ha ocurrido a su competidor principal, o si esperan a ver cómo evolucionan los acontecimientos.

Una película basada en hechos reales que aborda un tema de valiosa actualidad como es la libertad de prensa y cómo los medios de comunicación tienen una responsabilidad aún más grande que ellos mismos: la de custodiar “la verdad” y defenderla. Interesante cómo la prensa puede ser contrapeso frente a la corrupción política o los intereses comerciales.

La historia arranca en pleno campo de batalla, en los cenagales de Vietnam, donde vemos al Spielberg más bélico (Salvar al soldado Ryan o la serie de T.V. Hermanos de sangre, coproducida junto a Tom Hanks). El director de E.T., con esa eficacia para filmar la tensión de la guerra, utiliza planos bien definidos que sirven de recuerdo al espectador para que sepa dónde está en todo momento y no se pierda nunca; sucede en el arranque (en el cenagal nocturno) y a lo largo de la película en las distintas redacciones de los periódicos. Muy interesante la facilidad con la que se introduce el tono documental en la primera parte (secuencia de la fotocopiadora) que da el realismo que la historia requiere, sin perder ni ritmo ni tensión dramática.

A nivel de planificación vemos a un Spielberg maduro que sigue manteniendo presentes sus temas clave: la vuelta al hogar (la de muchos americanos que no pudieron volver a casa), la inocencia llena de candor (véanse los dos meritorios de los periódicos, la secuencia de Meryl Streep mirando a sus nietas durmiendo o la hija de Tom Hanks). Con un arranque magistral lleno de distintos géneros (bélico, thriller, espías), le sigue una segunda parte donde nos presenta personajes y se comienza a cocer la historia, que avanza con ritmo y contundencia, en una tercera parte de una genialidad técnica asombrosa. Con un guión sólido, unos secundarios bien construidos, un montaje afinado y una fotografía, como siempre, excepcional, el maestro John Williams termina coronando todo, con una banda sonora que acompaña, enfatiza y atesora cuando debe.

Vale la pena destacar el personaje de Meryl Streep y la secuencia en la casa de Tom Hanks, en donde analizan todos los documentos confidenciales, mientras la hija de éste va vendiendo limonada. Meryl Streep encarna uno de los personajes femeninos más interesantes del cine reciente, cuyo arco de transformación termina siendo el eje sobre el que todo pivota. Interesante cómo se muestran los conflictos de una empresa familiar. Y por otro lado, tenemos quizás una de las mejores secuencias de la película, en donde Spielberg introduce a una estupenda niña, que da aire fresco e incluso algún toque de humor, a una secuencia que podría haber sido oscura y previsible. La niña introduce la escena y la revisita de vez en cuando, la madre nos abre las puertas del salón y ambas llenan de ambiente familiar una improvisada redacción periodística en el salón de una casa.

Todo un homenaje al mundo periodístico donde Spielberg consigue ir más allá; al centrar la mirada en la responsabilidad que tenemos con la verdad de las cosas, en este caso, a raíz de lo acaecido durante la Guerra de Vietnam. En definitiva, una película redonda, llena de todo lo mejor del equipo de Spielberg, que debería postularse como una de las mejores candidatas para los Oscars.

 

Carlos Aguilera Albesa

El capuchón del bolic

 

Ficha técnica:

Título original: “The Post”

 

Director: Steven Spielberg.

 

Fotografía: Janusz Kaminski.

 

Intérpretes: Tom Hanks, Meryl Streep, Jesse Plemons, Bob Odenkirk, Matthew Rhys, Michael Stuhbarg, Sarah Paulson, Alison Brie, Carrie Coon, David Cross, Bruce Greenwood, Tracy Letts, Bradley Whitford y Zack Woods.

 

Guión: Liz Hannah y Josh Singer.

 

Música: John Williams.

 

Nacionalidad: EE.UU.

 

Año: 2018.

 

Género: Ciencia ficción.

 

Duración: 116 min.

 

Categories: Notícies d'Esglèsia

El gran showman

Pantalla 90 (CEE) - Dm, 16/01/2018 - 2:52pm

El gran showman  

Público recomendado: todos

«La realidad siempre supera a la ficción»: este podría ser perfectamente el lema de Phineas Taylor Barnum; creador de unos de los fenómenos de entretenimiento más célebres de la historia: el circo, tal y como ahora, en el presente siglo, lo conocemos. Se lo debemos a él porque, en el curso del s. XIX, este advenedizo en la pujante clase burguesa -era hijo de un modesto sastre- consiguió abrirse paso por la vida, casarse con la mujer a la que amaba, Michelle Williams (Mi semana con Marilyn, Shutter Island), y cumplir el sueño americano: triunfar venciendo a las dificultades que se le pusieron delante sin rendirse jamás. Sí, es el perfecto ejemplo de figura hollywoodense que el cine americano suele intentar vender. Pero, ¿y qué? Se huele a quilómetros que este biopic musical no es la fiel trasposición histórica de P. T. Barnum, sino una mera reconstrucción edulcorada y conscientemente modificada para que se pueda convertir en un idealizado héroe americano: de hecho, quieren persuadirnos de que el protagonista -encarnado por un enérgico Hugh Jackman que recuerda al Valjean de Los miserables– no era nada más y nada menos que un buen hombre; un filántropo que ofreció la posibilidad a personas con malformaciones y especímenes sui generis de redimirse y de dejar de ser meros bichos raros y monos de feria para convertirse en estrellas de un maravilloso espectáculo. P. T. Barnum solo quería llenarse los bolsillos a costa de los demás, sí, es verdad y el director no es condescendiente en este sentido, puesto que, constantemente se hace referencia al protagonista como «el vendedor de patrañas» -gracias a Dios-, pero esto no quita un ápice de belleza al musical que nos presenta Michael Gracey (Ned Kelly: comienza la leyenda y Naruto) de la mano de los compositores de la beatificada y multipremiada La la land (dir.: Damien Chazelle, 2017): John Debney (Oscar por La pasión de Cristo) y letras escritas por Justin Paul y Benj Pasek. Las canciones son emocionantes y con letras sencillas, especialmente “The Greatest Show”, “A Milion Dreams”, “Never Enough” e “Rewrite The Stars” y consiguen reflexionar sobre temas como la diversidad y el deseo de felicidad sin llegar a caer en una meliflua ñoñería sin sustancia, hasta el punto de que la película puede considerarse un musical fabuloso: fabuloso, sí. Un musical que conquista, de factura clásica, pero que seduce al espectador al que le cuesta dejarse seducir por este tipo de cine. Una película que se deja disfrutar y que invita constantemente a hacerlo. ¡Bravo por este musical!

 

Guillem Lisicic

 

Ficha técnica:

Título original: The Greatest Showman

Año: 2017

Duración: 105 min.

País: Estados Unidos

Dirección: Michael Gracey

Guion: Jenny Bicks, Bill Condon

Música: Benj Pasek, Justin Paul

Fotografía: Seamus McGarvey

Categories: Notícies d'Esglèsia

Tres anuncios a las afueras

Pantalla 90 (CEE) - Dm, 16/01/2018 - 2:49pm

Tres anuncios a las afueras 

Público recomendado: Adultos S

 Three Billboards Outside Ebbing, Missouri (denominado aquí “Tres anuncios a las afueras“) es la nueva película escrita y dirigida por Martin McDonagh, autor de renombre de teatro y cine, que cuenta entre su filmografía con piezas como Siete Psicópatas y Escondidos en Brujas.

La obra narra la historia de Mildred (Frances McDormand), una madre que coloca tres grandes y provocadores anuncios a las afueras de su pueblo denunciando el caso no resuelto del asesinato de su hija.

A partir de este suceso, la historia empieza a moverse en torno a la comunidad del pueblo de Ebbing, y cómo esta responde al provocador movimiento de Mildred. Se abre, así, una historia de amenazas, de “tira y afloja”, y de denuncia y acoso. Toda la narración se articula con un tono de comedia negra despiadada que no duda en poner una situación estrafalaria al lado de la desgracia más cruda y terrible, con un chiste entre medias, haciendo emparedados de tragicomedia, uno tras otro, durante la película.

Lo maravilloso de la obra de McDonagh es que se imprime la complejidad de lo humano en cada movimiento, en cada escena: desde los pequeños gestos que esbozan unos personajes absolutamente repletos de identidad propia, pasando por las acciones que acometen y que van guiando la trama, y jugando con todo un mundo de posibilidades contrapuestas que van guiando, como un péndulo fascinante, una trama de la que nunca se sabe a dónde llegará y cómo lo ha hecho.

Bañada en un delicioso humor negro y con grandísimas preguntas que se plantan en el camino, que no tienen miedo de acercarse a temas tan delicados como la muerte, la injusticia, la marginación social, y la impotencia ante todo ello, Three Billboards Outside Ebbing, Missouri es una fábula (y un retrato, y un chiste, y muchas cosas más) que ofrece un viaje cargado de emociones, desde la risa hasta la lágrima, y que no deja indiferente una vez se cierra el telón. Una pieza imprescindible que desborda los cauces de la narrativa más convencional sin problema en derribar barreras con elegancia y efectividad.

Carlos Robisco

 

Ficha técnica:

(2017), Reino Unido

Dirección: Martin McDonagh

Interpretación: Frances McDormand, Woody Harrelson, Sam Rockwell

Duración: 112 min

Distribuidora: Twentieth Century Fox España

 

 

 

Categories: Notícies d'Esglèsia

Loving Vincent

Pantalla 90 (CEE) - Dm, 16/01/2018 - 2:44pm

Loving Vincent 

Público recomendado: todos

Este próximo viernes se estrena  “Loving Vincent”, la impresionante película que narra, a través de 65.000 fotogramas convertidos en cuadro, el misterio de la muerte de Van Gogh.

Con varias nominaciones importantes a sus espaldas -Globos de Oro y BAFTA- el espectador se va a encontrar con una experiencia estética sin precedentes que ensancha los horizontes del cine en un buen mestizaje artístico, patente a lo largo de todo el metraje.

  1. Se cumple un año de la extraña muerte de Vincent. Armand, bajo la petición de su padre Roulin; el cartero al que el incomprendido pintor confiaba sus misivas, viaja a Paris para hacerle entrega a Theo Van Gogh, la última carta de su hermano con el que hacía tiempo que había roto la relación. Al llegar a la capital, Armand descubre que Theo ha fallecido de sífilis y no hay receptor para aquella carta.

Comienza entonces un viaje hacia los colores de una sombra; de pincelada gruesa y alocada, de confusión, arte, amor, desprecio y muerte.

Todo en la película rezuma un compromiso con el legado del pintor neerlandés. El trabajo de Dorota Kobiela y Hugh Welchman en la dirección es soberbio. La elaboración fotograma a fotograma de Loving Vincent, que durante 10 años ha congregado a más de 120 artistas de primer nivel,  permite estar en actitud contemplativa, sobrecogido por la grandeza creativa de aquellos que han revivido la obra y en cierta medida, también la figura, de Van Gogh.  La sensación que queda tras su visionado es haber estado atrapado durante 80 minutos en un cuadro interactivo, jugando el rol de narrador omnisciente, pautando cada paso de Armand para averiguar las verdaderas motivaciones del pintor para terminar con su vida.

Existe cierta torpeza en la ejecución del guion y hacia el ecuador de la película se desinfla la tensión narrativa, haciendo que el espectador pase por alto la sucesión extraordinaria de cuadros que tenemos frente a nosotros. La trama, zurcida por los mismos Kobiela y Welchman, no es el fuerte del film ni mucho menos aunque no llega a chirriar en ningún momento. El trazo y el buen gusto es la constante que permitirá su disfrute y posterior recomendación.

Ricardo Morales Jiménez

www.democresía.es

 

 

 

Ficha técnica:

 

Polonia, 2017

Dirección: Dorota Kobiela, Hugh Welchman

Reparto: Animation, Douglas Booth, Helen McCrory, Saoirse Ronan, Aidan Turner, Eleanor Tomlinson, Chris O´Dowd, Jerome Flynn, John Sessiones, Holly Earl, Robert Gulaczyk, James Greene, Bill Thomas, Martin Herdman, Josh Burdett, Richard  Banks, Shaun Newnham

Duración: 95 min.

Distribuidora: BreakThru Productions, Trademark Films, Silver Reel, Odra Film, Centrum Technologii Audiowizualnych, Polski Instytut Sztuki Filmowej

Género: Drama, biográfico, pintura animada

Categories: Notícies d'Esglèsia

Thi Mai. Rumbo a Vietnam

Pantalla 90 (CEE) - Dm, 16/01/2018 - 8:59am

Thi Mai. Rumbo a Vietnam 

Público recomendado: Jóvenes y adultos

Sin olvidar su vena cómica, Carmen Machi encarna uno de sus papeles de más enjundia dramática de sus últimos filmes, dando vida a una “abuela” coraje que viaja a Vietnam para recoger a una niña adoptada previamente por su hija. Thi May. Rumbo a Vietnam es el título de la película realizada por la directora y guionista madrileña Patricia Ferreira (El alquimista impaciente, En el mundo a cada rato, Para que no me olvides). Acompañando en la aventura asiática a Carmen, que así se llama la intrépida “abuela”, marchan Rosa (Adriana Ozores) y Elvira (Aitana Sánchez Gijón). Al elemento masculino protagonista, lo da vida Dani Rovira, en el papel de Andrés.

Rodada durante seis semanas en esta nación del Sudeste asiático, Thi Mai cuenta  con algunos intérpretes del país, como es el caso de Dan, un funcionario encargado de gestionar la estancia de los extranjeros que viajan a Vietnam para recoger a niños en adopción. Este se las tendrá que ver con Carmen y sus dos amigas, perseverantes e inflexibles para traerse a España a Thi Mai, la niña adjudicada a la hija de Carmen, que no podrá ir porque ha muerto pocos días antes en un accidente de automóvil.

Un elemento destacable de este filme es el equilibrio entre la vertiente cómica y el factor dramático, relativo al pesar que aflige a Carmen por el fallecimiento de su hija. Otro, sin duda, son las escenas del país oriental y de algunas de sus costumbres y modos de vida que suponen para el filme elementos relevantes, pues ayudan al espectador a conocer el momento actual de quien mantuvo una guerra civil en los años sesenta donde intervinieron los Estados Unidos.

Hay muy buenos momento para reír, varios de ellos que tienen a las tres amigas en candelero, como el perfil retro de Rosa (Adriana Ozores) que se va desmelenando por momentos de la servidumbre emocional y económica a que la somete su marido. La escena donde apuesta al blackjack es magnífica o cuando, tras un subidón de licor de arroz, se arranca a cantar un tema musical de Nino Bravo a quien ella le pone la letra.

En sus peripecias vietnamitas, el trío de mujeres se encontrará con Andrés (Dani Rovira), un homosexual que ha dejado todo en Madrid para estar con su novio, al que encuentra casado y convertido nuevamente en heterosexual. No es el Rovira hiperchistoso de otras comedias, pues su personaje es más dramático.

Carmen Machi es la que pilota este filme al dar vida a una mujer fuerte empeñada en remover cielo y tierra en la nación oriental para cumplir el deseo de la hija muerta (desconocía los trámites de adopción de la niña vietnamita) para lo que se enfrentará también a la oposición de su marido Javier, deprimido por el suceso.

El filme de Patricia Ferreira, con guion de Marta Sánchez, está bien dirigido y equilibrado, con situaciones surrealistas de humor y con otras de lirismo sentido al que dan vida tres magníficas actrices. Sin pretensiones fílmicas, nos acerca también a situaciones peliagudas por las que pueden pasar personas que acuden a países exóticos para adoptar niños y no tengan el empuje de esta Carmen tan combativa.

Enrique Chuvieco

Película: Thi Mai. Rumbo a Vietnam

Directora: Patricia Ferreira

Intérpretes: Carmen Machi, Adriana Ozores, Aitana Sánchez Gijón, Dani Rovira, José Troncoso

Género: comedia

Duración: 100 minutos

 

 

 

 

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El Vídeo del Papa – Por las minorías religiosas en Asia

Pantalla 90 (CEE) - Dll, 08/01/2018 - 1:20pm

A veces pensamos que ser cristiano es difícil. Pero hay lugares donde lo es mucho más que en otros, como en Asia. Aquí el cristianismo es una minoría y, como otras minorías religiosas, sufre a menudo persecuciones. Pidamos para que todas las religiones, también las minoritarias, encuentren la libertad que a veces hoy no tienen en el continente asiático. “En el variado mundo cultural de Asia la Iglesia afronta muchos retos y su tarea resulta aún más difícil por el hecho de que constituye una minoría. Estos retos son compartidos con otras tradiciones religiosas minoritarias a las que nos une un deseo de sabiduría, verdad y santidad. Cuando pensamos en el sufrimiento de los que son perseguidos por su religión, vamos espontáneamente más allá de las distinciones de rito o de confesión: nos ponemos del lado de los hombres y mujeres que luchan por no renunciar a su identidad religiosa. Pidamos por todos ellos para que, en los países asiáticos, los cristianos, como también las otras minorías religiosas, puedan vivir su fe con toda libertad.” Por la Red Mundial de Oración del Papa (Apostolado de la Oración – http://www.oraciondelpapa.net). Si quieres ver más vídeos sobre las intenciones del Papa los encontrarás en http://www.elvideodelpapa.org Con la colaboración del Centro Televisivo Vaticano (http://www.ctv.va) Idea y realización http://www.lamachi.com

 

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Insidious. La última llave

Pantalla 90 (CEE) - Dll, 08/01/2018 - 12:58pm

Insidious. La última llave 

Público recomendado: Adultos

Por definición, una cuarta entrega rara vez suele ser señal de algo bueno. Y más aún si estamos ante una saga cuya prolongación se advirtió, desde el principio, a todas luces innecesaria. Es un secreto a voces que toda secuela tiene como único objetivo estirar un éxito mientras éste aguante de modo que supongo que sería inútil culpar a nadie. Al fin y al cabo, si hemos llegado a una cuarta entrega de Insidious es porque hemos ido a ver las anteriores.

El primer Insidious fue una película resultona y en muchos sentidos, fresca, porque revelaba un cine de terror esencialmente clásico y al mismo tiempo atrevido y hasta osado. De hecho, aquel minúsculo film se convirtió durante una temporada en uno de los largometrajes más rentables del momento. Con una inversión de poco más de un millón y medio de dólares la película consiguió amasar cerca de cien. Todo un negociazo.

Pero sobre todo, Insidious fue la presentación en sociedad de un director al que los fans del género ya teníamos fichado. James Wan no había reventado aún ninguna taquilla pero sí que nos había dejado helados con títulos como Saw o Silencio desde el mal.  De todos modos fue Expediente Warren, hasta la fecha, su mejor película, el film que generó todo una especia de universo en torno al “estilo Wan”. Sagas como la de la mismísima Saw (que va por su octava entrega), Annabelle o la que nos ocupa no son más que intentos, por lo general infructuosos, de reproducir el “toque Wan” en el cine de terror.

Por lo general, estas continuaciones suelen venir dirigidas por ebirrios que han trabajado mano a mano con Wan como fue el caso del montador de Saw, Kevin Greutert, director de Saw VI y VII, del director de fotografía de Insidious y Expediente Warren, John R. Leonetti, director de Annabelle o del guionista de Saw y actor habitual en las cintas de Wan, Leigh Whannell, director de Insidious. Capítulo 3.

Puntualmente, no obstante, cae alguna secuela o similar que termina firmando algún director no directamente vinculado con el “universo Wan”. Ese fue el caso de David F. Shandberg, realizador de Annabelle. Creation que dignificó, y mucho, la primera entrega de la salga de la muñeca diabólica.

Para Insidious. La última llave también se ha contado con un director ajeno al “universo Wan”, Adam Robitel, un guionista formado en otra saga de mucho cuidado, Paranormal Activity. Robitel, es un experto en estirar chicles como escritor de la quinta y sexta entrega de la citada franquicia de casas encantadas.

La cuestión es que en esencia, Insidious. La última llave es eso, una estirada de chicle sin demasiado sentido aunque llevada con toda la dignidad que se le podía exigir a semejante producto. La justita. Este Insidious seguramente gustará a los amantes del género por sus sustos de rigor y por respetar hasta cierto punto el film original. Sin embargo, no es menos cierto que la película de Robitel no añade absolutamente nada a lo ya propuesto por Wan en su primera película. Es más, Insidious. La última llave no es más que una sistemática repetición, casi al dictado de los aciertos del film original y una exacerbación casi caricaturesca de sus defectos.

Ramón Monedero

 

Ficha técnica:

(Insidious. The Last Key)

(Estados Unidos, 2018)

Dirección: Adam Robitel

Interpretación: Lin Shaye (Elise Rainier), Leigh Whannell (Specs), Angus Sampson (Tucker), Kirk Acevedo (Ted Garza), Caitlin Gerard (Imogen Rainier) y Spencer Locke (Melissa Rainier).

Duración: 103 min.

Distribuidora: Sony Pictures

Género: Terror

 

Categories: Notícies d'Esglèsia

Molly´s game

Pantalla 90 (CEE) - Dll, 08/01/2018 - 11:32am

Molly’s game 

Público recomendado: jóvenes y adultos

Todos recordamos a Aaron Sorkin por ser uno de los grandes guionistas del panorama televisivo actual. Este hombre es el artífice de series potentísimas como El ala oeste de la Casa Blanca o Newsroom, que ha escrito interesantes libretos cinematográficos como Algunos hombres buenos, La red social y, sobre todo, Moneyball que trataba sobre el negocio del deporte que, aunque esa cinta pasase un poco desapercibida en España, el texto y el mensaje puede hacerte pensar.

En esta ocasión, debuta como director, siendo también el guionista de una producción basada en hechos reales en la que se cuenta como una deportista de élite, tras un accidente en una competición, abandona su profesión para convertirse en una organizadora de partidas de póker clandestinas, lo que tendrá sus consecuencias.

Esta producción tiene todos los ingredientes para que el producto funcione a las mil maravillas, sustentado en un sólido guión al que no se le escapa un detalle, haciendo honor a las declaraciones del propio Sorkin en una entrevista en la que afirmaba que sus personajes son quijotescos. Decaen y fracasan constantemente pero aún así, tiene algo de romántico el perseguir objetivos honorables. Estos personajes tienden a usar 10 palabras cuando una hubiera bastado. Dicen exactamente lo que significa en todos los diferentes tipos y maneras posibles. Por otra parte, tanto en el montaje como la dirección Sorkin parece todo un veterano, metiéndole un ritmo endiablado. Estas son las razones por las que queremos que este escritor/cineasta siga trabajando en su nueva faceta, ya que es todo un descubrimiento.

El otro ingrediente no es un secreto porque el reparto es excelente. La camaleónica Jessica Chastain vuelve a demostrar por qué es una de las mejores actrices de Hollywood e Idris Elba, recordado por la serie Luther, controla totalmente a su personaje, transmitiendo transparencia y sinceridad por los cuatro costados, mientras que las escasas, pero tremendas interpretaciones de Kevin Costner hacen el resto.

La evolución del personaje y como va madurando es otro de los aciertos del largometraje, pues su protagonista no está dispuesta a pasar ciertos límites y en ella se producen ciertos cuestionamientos éticos sobre si para salvar su pellejo es necesario machacar, manchar o destrozar la vida personal o privada de estos jugadores de cartas.

Las apariciones estelares y puntuales de Kevin Costner como padre de la chica nos parecen merecedoras del Óscar , al igual que otras categorías, un personaje que, sin duda, es un elogio a la labor oculta de la paternidad que, con sus luces y sombras, busca lo mejor para sus hijos, donde el amor y la comprensión tienen la última palabra.

Víctor Alvarado

 

Ficha técnica:

Título: Molly´s game (2018)

Director: Aaron Sorkin

Reparto: Jessica Chastain, Idris Elba, Kevin Costner y Michael Cera.

Categories: Notícies d'Esglèsia

Qué fue de Brad

Pantalla 90 (CEE) - Dll, 08/01/2018 - 11:17am

Qué fue de Brad 

Público recomendado: Jóvenes-Adultos

 El pasado 5 de enero, las salas de cine españolas acogían la comedia dramática Qué fue de Brad, dirigida por el californiano de 47 años, Mike White y que distribuye Vértice 360.

 El filme sigue los pasos de Brad Sloan. Es un tipo normal, con una familia normal, un trabajo normal y una casa normal. Su conciencia le reprocha continuamente no haber hecho nada de provecho. A tres años de cumplir los 50 entra en una crisis existencial ante un hecho inevitable: su hijo Troy se ha hecho mayor y ha de ayudarle a elegir universidad. En un viaje cómico, irónico y tierno, padre-hijo por las facultades de Boston, Brad constata que todos sus ex compañeros han triunfado y él… no. ¿Pero qué puede hacer a estas alturas para que el mundo no se pregunte qué fue de él?

El laureado guionista, Mike White, autor de Escuela de Rock (2003) o Nacho libre (2006), se atreve también con la interpretación y la dirección de cine con Qué fue de Brad, su segunda incursión en el largometraje, tras el débil drama El año del perro (2007), si bien ya había dirigido antes trabajos para la televisión como Iluminada (2011) o Pasadena (2001). En el caso que nos ocupa se centra en donde nadie quiere mirar si no es para hacer una gracieta y quedarse en eso. Porque, desgraciadamente, el tema de las crisis de edad en el cine se ha manejado con bastante frivolidad.

En Qué fue de Brad se pone el acento argumental en el eslogan “qué hubiera pasado sí”, que tiene su representación fílmica más acertada en la película Family man (Brett Ratner, 2000). Pero donde el cineasta estadounidense quiere llegar con esta cinta de crisis sobre la mediana edad es a aceptarse tal cual es uno, independientemente del éxito ajeno, principalmente de aquellos que fueron compañeros de andanzas del protagonista, por cierto interpretado impecablemente por Ben Stiller, seguramente en el mejor papel de toda su carrera.

A menudo nos quejamos de lo mal que nos va en la vida pero tampoco hacemos nada por enmendar esa situación. O nos dejamos impresionar por las apariencias sin conocer los entresijos personales de aquellos a quienes consideramos que les va mejor. En este sentido, la historia traza una revisión sobre nuestro pasado y pone negro sobre blanco que lo importante es valorarse a sí mismo. Valorar lo que tal vez no nos ha dado tiempo a hacer en otros contextos. Esa parte de la película resulta impecable.

Y no lo es menos el meollo que nace al albur de la relación que Sloan mantiene con su hijo, a saber, un joven fiel a su edad con quien experimenta otros momentos y otras situaciones que le hacen sentirse vivo de nuevo. Esa relación padre-hijo, tan estudiada en el cine contemporáneo, es otra de las grandes bazas del filme. Y lo que Mike White ha conseguido es el equilibrio entre quién soy en realidad y a quién pertenezco, es decir, entre las dos partes con contextualizan la comedia. A todo ello colabora, naturalmente, un espléndido reparto que da la medida necesaria para encarar el conflicto de manera serena en esta propuesta madura y responsable, incapaz de dejar indiferente al respetable.

José Luis Panero

@PALOMITERO

 

(Brad’s Status, Estados Unidos, 2017)

Dirección: Mike White

Guión: Mike White

Interpretación: Ben Stiller, Austin Abrams, Jenna Fischer, Luke Wilson, Jemaine Clement, Michael Sheen, Erin Agostino, Denisa Juhos, Pamela Figueiredo, Bruce Dawson, Nathaly Thibault, Shazi Raja, Larry Eudene, Meghan Gabruch, Richard Jutras, Dawn Ford, Xavier Pérez Grobet, Mike White

Duración: 101 min.

Género: Comedia

Categories: Notícies d'Esglèsia

Just Getting Started

Pantalla 90 (CEE) - Dm, 02/01/2018 - 1:11pm

Just Getting Started 

Público recomendado: Familiar

Just Getting Started es el regreso a las pantallas de Ron Shelton, autor de Los blancos no la saben meter o Tin Cup, como escritor y director.

La película cuenta la historia de Duke (Morgan Freeman), un hombre que dirige un resort turístico, y que se encuentra con una serie de disparatadas circunstancias que dan la vuelta a la estabilidad de su vida y su profesión. Entre ellas está la llegada de Leo (Tommy Lee Jones), un misterioso personaje que se hospeda en el hotel, y con el que tendrá encuentros y desencuentros.

La película pretende afrontar los temas de la “edad de oro” con grandes y viejas glorias, y lo hace en una comedia de enredos que resulta barata y que recuerda un tanto a una TV Movie, donde se incluyen un triángulo amoroso y tintes de acción, todo ello acompañado por un entorno navideño.

Pese a contar con grandes actores en cabeza, la película no resulta en absoluto conquistadora, pudiendo gozarse de ella apenas en los gestos esporádicos que Freeman o Lee Jones puedan desprender en los momentos que comparten. En general, Just Getting Started resulta insatisfactoria y poco agraciada en términos cinematográficos.

Carlos Robisco

 

Ficha técnica:

(2017), EEUU

Dirección: Ron Shelton

Interpretación: Morgan Freeman, Tommy Lee Jones, René Russo

Duración: 91 min

Distribuidora: eOne

 

Categories: Notícies d'Esglèsia

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