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Notícies d'Esglèsia

La primera purga: La noche de las bestias

Pantalla 90 (CEE) - Dc, 11/07/2018 - 11:47am

La primera purga: La noche de las bestias 

Público recomendado: Adultos

James DeMonaco escribió y dirigió el 2013 La purga, una película de tres millones de dólares que recaudó en todo el mundo cerca de cien. No es de extrañar que la productora detrás del invento, Blumhouse, responsable de éxitos como Paranormal Activity o Insidious, siga exprimiendo la ocurrencia hasta más allá de sus propios límites. Mirar al origen de las cosas, en cine, y en los últimos años, suele ser una señal de que uno ya no sabe por dónde tirar. Y eso que La purga es una franquicia que pese a su simplicidad sigue aguantando el tirón con notable estoicismo. No es que sean grandes películas pero ya quisieran muchas sagas mantener el listón a la altura de La primera purga: La noche de las bestias tras cuatro secuelas.

De Monaco, que ha escrito y dirigido las tres primeras película de la saga se limita en esta firmar el guión, tal vez porque sabe que la franquicia en realidad no tiene mucho más que ofrecer. De hecho, ya se está rodando una serie sobre La purga, señal inequívoca de que se ha decidido terminar de exprimir la ocurrencia de DeMonaco en el medio televisivo que es más barato y rápido entre otras cosas.

La primera purga: La noche de las bestias nos lleva al origen de esta inquietante medida aplicada en un imaginario y distópico Estados Unidos. Para mantener la tasa de criminalidad por debajo del uno por ciento los Nuevos Padres Fundadores de América decidieron establecer una noche catártica de violencia impune para dar rienda suelta a toda necesidad de matar y asesinar que habita en todo hombre de bien americano.

Véase que la lectura que hace de entrada, la propuesta de DeMonaco, es inquietante de por sí. Dar por sentado que el ser humano necesita explotar de una forma violenta. Si bien es verdad que la saga de DeMonaco nunca ha explorado esta cuestión, sí que lo ha hecho en cambio en lo político y hasta de puntillas, en lo sociológico.

El único problema de la saga y de La primera Purga: La noche de las bestias es que todo su discurso, aunque interesante y estimulante, no pasa de mera anécdota, de simple excusa para, al fin y al cabo, desatar una amalgama de violencia inexcusable e inexplicable. Para la ocasión, quien dirige es Gerard McMurray, un realizador que se había dejado ver por Sundance con Código de silencio, una película que puesta al lado de La purga poco o nada parecen tener en común salvo que uno se ponga a hacer encaje de bolillos.

Hay tanto de estimulante en La primera purga: La noche de la bestias como de predecible y de vulgar. Una difícil convivencia que tampoco hace fácil su digestión. De hecho, es tan probable que uno sienta interés por ella como rechazo y ¿saben una cosa? Puede que los dos tengan razón.

 

Ramón Monedero.

 

(The First Purge)

(Estados Unidos, 2018)

Dirección: Gerard McMurray.

Interpretación: Y´lan Noel (Dmitri), Lex Scott Davis (Nya), Joivan Wade (Isaiah), Mugga (Dolores), Patch Darragh (Jefe del Estado Mayor-Arlo Sabian) y Marisa Tomei (El arquitecto-Dr.Updale).

Duración: 97 min.

Distribuidora: Universal Pictures.

Género: Terror.

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Ant-Man y la Avispa

Pantalla 90 (CEE) - Dc, 11/07/2018 - 11:43am

Ant-Man y la Avispa 

Público recomendado: todos

Hace unos años, el tándem  Marvel/Disney dio la campanada con un personaje menos popular,  pero si importante dentro del universo creado por Stan Lee. La producción Ant- Man, el Hombre Hormiga, era una película de aventuras, acción y bastante profunda porque dijimos de ella lo siguiente:”La relación casi paterno-filial, que se establece entre los dos hombres hormiga, invita a pensar en el valor de la acogida. Puede llegarse a ver la relación tan intensa que se produce entre un “padre” capaz de ver más allá de la apariencia y que mira al corazón del otro, donde el poder de la reconciliación tiene bastante peso y como en la historia aparecen científicos que nos recuerdan que el fin no debe justificar los medios”. En esta segunda parte vemos una historia de amor potente que guarda cierta relación con una histórica etapa de Los Vengadores. Por esa razón, esta secuela se titula El Hombre Hormiga y la Avispa que sigue contando con secundarios de lujo como Michael Douglas o, en este caso, Michelle Pfeiffer junto a sus protagonistas Paul Rudd y Evangeline Lilly, que tendrá,  ésta última, gran protagonismo en las escenas más espectaculares.

Peyton Reed, que vuelve a pilotar esta nueva aventura de Scott Lang, da más valor, en esta ocasión, a la acción y al humor que al drama. Los efectos especiales están muy logrados y se utilizan acertadamente cuando la situación lo requiere sin forzar la máquina. Tampoco se olvida del concepto de continuidad tan habitual en los cómics de superhéroes. Este director con la ayuda de varios guionistas combina un humor más o menos infantil con un buen ramillete de chistes destinados a un público adulto que pasa desapercibido para los más peques de la casa. Sin embargo, a pesar de contar con todos los medios posibles y ser bastante entretenida, al largometraje le falta algo, no tiene la frescura de la primera, haciendo honor a la repetida frase de segundas partes nunca fueron buenas.

En contraposición con lo negativo,  esta producción apuesta por la familia de los dos héroes, un hombre como  Scott que intenta redimirse y que encuentra el apoyo que necesita en la familia de su hermana siempre dispuesta a ayudarle, supliendo sus carencias, pero dando el valor que se merece a una persona que da la vida por su hija. Por otra parte, esta película presenta, con acierto, el drama de Hope que de algún modo se encuentra huérfana  de madre, pero que no pierde la esperanza de reencontrarse con ella.

Por otra parte, hay que prestar atención también a los guiños cinéfilos al clásico de ciencia ficción, El increíble hombre menguante, y al cine de serie B.

 

 

Género: acción

Director: Peyton Reed

Reparto: Paul Rudd, Evangeline Lilly, Michael Peña, Michael Douglas y Michelle Pfeiffer

Categories: Notícies d'Esglèsia

JoJo’s Bizarre Adventure

Pantalla 90 (CEE) - Dc, 11/07/2018 - 11:39am

JoJo’s Bizarre Adventure 

Público recomendado: adultos

Es una película de Takashi Miike. Y la crítica podría acabar aquí: ni una palabra más ni nada. No haría falta poner más, puesto que sabiendo lo que es una película de Miike ya se sabe lo que se va a ver. Qué se puede decir del director japonés que ya no se haya dicho o no se sepa: sí, es un tipo raro, extraño, extravagante, grotesco, hiperbólico, violento, barroco, perturbado, enfermo, excéntrico, insólito, loco, ridículo, lunático, y un largo etcétera. ¿Podría incluso ser genial? Para algunos puede, mis inclinaciones con este realizador no son del todo satisfactorias, puesto que su cine no es de mi agrado, y menos su obras más reconocidas. Una cosa hay que reconocerle: es original y arriesgado. O solía serlo. Lo de ser original, porque arriesgado lo sigue siendo. Con el paso de los años y su abundante producción, en las que incluyen: adaptaciones live action de mangas y videojuegos; producciones para el público infantil; y sus personales películas. Con tantas películas al año, es normal que alguna “le salga rana”. El caso es que su peculiar estilo nunca deja indiferente, por tanto el caso presente no es una excepción: JoJo’s Bizarre Adventure es un catálogo de excentricidades donde Miike da rienda suelta a su faceta más loca y suicida.

¿De qué va JoJo? Pues es una buena pregunta, puesto que la película guarda varios lazos narrativos con la anime original en el que se basa (del mismo nombre que la serie). Digamos pues que en la película hay magia y hechicería, y situaciones demenciales. Revelar más de la trama el fastidiar la sorpresas que Miike tiene reservado al espectador en este espectáculo lisérgico donde el amor y el odio se confunden, pues no sabes si detestas o amas lo que tus ojos están viendo. No llega al nivel de otras “joyitas” del autor como Ichi the Killer, o Gozu, puesto que esta manía de adaptar animes pueden provocar más de un disgusto a los más fans, ya que los realizadores, más que crear nuevos materiales a partir del original, intentan resumir toda una serie en una película de dos horas. Este mismo año, junto a esta, Miike sacó otra adaptación de otro anime, bastante mejor y que mejora el material original: Blade the Inmortal, una producción que pasó sin pena y sin gloria por las taquillas españolas debido a su lanzamiento limitado. Ambas tienen un factor decisivo en común: que son una locura, que lo mismo quieres que Miike deje la dirección de cine, como quieres llenar su cama de pétalos de rosa. Depende de los más allegados al director japonés. En mi caso, JoJo es otra live action más de Miike, donde el director se suicida una vez más y su figura de realizador indomable se engrandece.

En resumen: una película de Miike. Ni una palabra más, ni un punto menos.

 

 

Título: JoJo’s Bizarre Adventure

Director: Takashi Miike

Año: 2017

País: Japón

 

Categories: Notícies d'Esglèsia

Whitney

Pantalla 90 (CEE) - Dc, 11/07/2018 - 11:34am

Whitney 

Público recomendado: Adultos

Whitney Houston no fue la primera ni será la última de las grandes divas del pop malogradas. Es la vida misma del éxito, con sus promesas, sus exuberancias, pero también con sus engaños, sus frustraciones… El lado oscuro del glamour, tan mortífero como una enfermedad sin antídoto. Parece como si el don divino de la voz fuese un regalo envenenado. A determinados mortales se les permite llegar a cumbres insospechadas, pero por muy poco tiempo. Sólo pueden subir unos elegidos, pero todos han de bajar, y no siempre los elegidos saben cómo hacerlo; algunos son derribados, otros caen por un precipicio, y algunos, los menos, van descendiendo.

Como no podría ser de otro modo, todo esto está en el documental Whitney. Tenemos muchos testimonios muy cercanos, de varios de sus hermanos, productores, músicos de estudio, staff de las discográficas que trabajaron con ella, etc.  Enormemente destacado es el papel de su madre, cantante en el coro góspel de su iglesia, y a quien Whitney debió todo su aprendizaje musical y artístico. Su ascenso, para los que la conocían era cuestión de tiempo, pero inevitable, con esa voz y ese encanto.

Pero fueron muchos frentes los que amenazaron su carrera. Las encarnizadas luchas por el control de su carrera y de sus finanzas, la presencia omnipresente de las drogas, los celos de su propio marido por su meteórica carrera, etc. Su madre aparece en el documental, quizá como la única figura que solo buscó, siempre y en todo momento, su bien. Lo más dramática es quizá la historia de su hija, una niña desafortunada, que creció en un ambiente que solo podía llevarla a donde finalmente la llevó: la depresión, las drogas y una muerte prematura. Hay mucha más tela que cortar en el documental. Es un documental propio de un fiscal, porque se lanzan duras acusaciones, con nombres propios, por cosas concretas, delictivas todas.

Ya hemos visto un documental parecido con Amy (2014). Si Amy fue una malograda diva, Whitney voló aún más alto, gracias a su enorme talento, su voz, capaz de conmover a una piedra, y una belleza y encanto fuera de lo común. Pero ambas son muertes prematuras, ambas pasaron un infierno, ambas tuvieron necesidad de desintoxicación y ambas fueron en el escenario, en sus últimos conciertos sombras de sí mismas. Ambos documentales acusan y encontramos a las divas como víctimas de manejos y enjuagues de terceros, aunque puedan ser de la familia. Otros documentales también nos han hablado del poder de destrucción de las drogas entre los artistas, alguno de factura española sobre un artista nuestro muy querido:  Antonio Vega: tu voz entre otras mil.

Pero seguimos viendo estas vidas como vida de tragedia, cuyos patrones que están casi repetidos. De todos los músicos, la mayor gloria les está reservada a los grandes cantantes: no a los compositores, que podrían ganar incluso más dinero que los cantantes, gracias a los derechos de autor, y a la exposición al público que pueda tener una canción en radio, TV, etc. Pero el público siempre se enamorará de los y las cantantes. Y estos ganarán más o menos que productores y compositores, dependiendo en cada caso, pero la máxima gloria es siempre suya. La cruz de tanta exposición al público será su vulnerabilidad. La carne es débil, ya lo advertía Jesús en el Evangelio, y el reclamo de las drogas es demasiado atractivo, pero siempre, siempre pasa factura. En estos casos, no existe la responsabilidad limitada, no se responde con el propio patrimonio, paga el artista con su vida misma.

Pablo Gutiérrez Carreras

 

Director: Kevin Macdonald

Interpretación:  Whitney Houston (imágenes de archivo), Cissy Houston, Bobby Brown, L.A. Reid

Duración: 120 minutos

Género: Documental musical

Categories: Notícies d'Esglèsia

Sácame de dudas

Pantalla 90 (CEE) - Dc, 11/07/2018 - 11:31am

Sácame de dudas 

Público recomendado: Jóvenes y adultos

Erwan, un viudo de 45 años que lleva una tranquila vida en la Bretaña francesa, descubre por accidente que su padre no es su padre. A pesar de toda la ternura que siente por él, investiga y encuentra a su padre biológico: Joseph, un simpático anciano del que se encariña inmediatamente. En su camino se cruza Anna, una mujer por la que siente una atracción especial y que traerá aún más sorpresas.

¿Qué harías si tu médico te dijera que tu padre no es tu padre biológico? Esta es una de las primeras escenas de la película y el punto de partida que pone a nuestro protagonista, Erwan (François Damiens), en pie para emprender su búsqueda.

Destacable la interpretación de Damiens, algo a lo que no estamos acostumbrados, una cara que con poco dice mucho, un semblante de rasgos duros, aparentemente inexpresivo, que llena la pantalla con ocurrentes y divertidas citas, típicas del exquisito cine francés.

Esta estrella del cine belga comenzó triunfando con los títulos JCVD, El pequeño Nicolás o Nada que declarar y más tarde, dio el gran paso a la comedia francófona con La delicadeza, Los seductores (que le brindó la candidatura al premio César como mejor actor de reparto) La familia Bélier, El nuevo nuevo testamento y Están por todas partes.

Un guión escrito con la sutileza y chispa inteligente en los diálogos, todo el peso de la historia cae en los personajes y en sus decisiones, lo que hace que suscite un interés magnífico por parte del espectador. El guionista Michel Leclerc obtuvo el César por “Los nombres del amor”.

La elección del padre, la responsabilidad paternal, las relaciones personales, la sexualidad y la atracción física son algunos temas de los que se vale la directora del film para invitar a la reflexión, transformándolos en una divertida y tierna historia familiar, de la que, a su vez, surgen otras, que protagonizan los familiares que rodean a Erwan.

Algo que podemos apreciar en todo momento durante la cinta, siendo lo más difícil de conseguir y a la vez, de lo más característico del cine francés, es esa sensación de que a pesar de estar hablando de temas profundos y sensibles, se concibe con un tono cotidiano, ameno y desapegado, rozando casi lo trivial, obteniendo un resultado dulce, ligero y conmovedor, ingredientes decisivos de la comedia francesa.

 

Ficha técnica

Director: Carine Tardieu

Guionistas: Carine Tardieu, Raphäele Moussafir, Michel Leclerc

Reparto: François Damiens, Cécile De France, Alice de Lencquesaing, Guy Marchand, André Wilms y Estéban

País: Francia/Bélgica

Género: Comedia

Duración: 100 minutos

 

Categories: Notícies d'Esglèsia

A la deriva

Pantalla 90 (CEE) - Dc, 11/07/2018 - 11:26am

A la deriva 

Público recomendado: adultos

Las películas de supervivencia tienen su encanto. No solo eso, una buena historia de supervivencia tiene todos los elementos para convertirse en una producción cinematográfica: aventuras, drama, emoción, acción, riesgo, amor… Lo que viene siendo un taquillazo. Las hay de todo tipo: desde las más austeras (Las aventuras de Jeremiah Johnson), los auténticos espectáculos que llenan salas enteras, aunque no satisfagan a todos (El renacido, La vida de Pi), hasta documentales tremendos e impactantes (Grizzly Man). Para un servidor, nunca habrá una producción similar a la de Defensa, del siempre tremendo John Boorman: impactante, llena de auténtico cine, y con unos actores excepcionales. La entretenida producción que se nos presenta en esta ocasión no es una excepción: tiene grandes secuencias, nunca aburre, cumple su cometido palomitero, y se acabó. No busquen más, se trata de una película de aventuras que una vez acaba, pues eso, que acaba.

La historia, basada en hechos reales, recoge las vivencias de una pareja que, tras sufrir el azote de una tormenta, tendrán que ingeniárselas para volver a la orilla con su pequeño barco de vela en estado ruinoso. El director es ya un experto en este tipo de cine de supervivencia, pues solo tres años antes llevó a las pantallas las vivencias de unos alpinistas en el momento Everest: la película en cuestión, Everest. Al igual que esta producción sufre los mismos errores que A la deriva: interpretaciones correctas, efectos más que correctos, una dirección correcta, y una emoción muy contenida y poco “emotiva”. Las situaciones son repetitivas, muy circulares y poco emocionantes, lo que acaba por crear una rutina de la que la película no sale y lastra el resultado final. Sí es cierto que la película cumple su cometido, una vez más, de ser correcta: entretiene, tiene efectos vistosos y se beneficia de la presencia de la prometedora Shailene Woodley en su etapa post-Divergente. No corre la misma suerte su coprotagonista masculino: desde su impresionante debut en la serie británica Any Human Heart, Sam Claflin se ha visto envuelto en superproducciones donde solo ha desarrollado su faceta de cara bonita.

En resumen: una película que es correcta, sin más. Puede parecer que se repite mucho el adjetivo “correcta” en esta crítica, pero lo mismo ocurre en la película: las situaciones se repiten, y acaban creado momentos realmente tediosos. Como película palomitera cumple, pero una vez acaba la película, pues eso, que acaba.

 

Título: A la deriva

Director: Baltasar Kormákur

Año: 2018

País: Estados Unidos

 

Categories: Notícies d'Esglèsia

Nos vemos allá arriba

Pantalla 90 (CEE) - Dc, 04/07/2018 - 1:16pm

Nos vemos allá arriba 

Público recomendado: Adultos S

Nos vemos allá arriba, dirigida y protagonizada por Albert Dupontel, es la adaptación cinematográfica de libro homónimo de Pierre Lemaître. Ambientada en el París de 1920, cuenta la historia de Albert Maillard, un hombre que, tras servir en la Primera Guerra Mundial, empieza a cuidar de un compañero de trincheras, Edouard Péricourt, que queda con media cara destrozada y finge su propia muerte.

La película traza un recorrido zigzagueante pasando desde las trincheras hasta el París de la época, cargado en el trayecto con una cinematografía del espectáculo acompañada sin miramientos de buenos puñados de efectos visuales. Elaborando juegos interesantes con la narrativa, Dupontel emula algunos de los recursos que se usaran en el cine clásico, y contraponiéndolos con una cámara que no permanece quieta un instante (llegando, en ocasiones, al abuso).

Todo el enorme despliegue visual, quizá demasiado manido, llegando a ser remix de remixes, deja un tanto frío en la percepción de la trama, que tiene temas interesantes que quedan, no obstante, en cierta medida rebajados a plastilina. Con escenas que pasan de tiroteos y bombas a peleas callejeras, sexo pasajero y comedia absurda de caricaturas, la historia toca puntos interesantes como vivir en la sombra e intentar moverse absolutamente por una idea, pero todo queda como un gran espectáculo de títeres en una danza visual, que, eso sí, no deja de ser espectacular visualmente.

 

Nos vemos allá arriba, 2017, Francia

Dirección: Albert Dupontel

Interpretación: Albert Dupontel, Nahuel Pérez Biscayart, Melanie Thierry

Duración: 114 min

Distribuidora: VerCine

 

Categories: Notícies d'Esglèsia

El jefe

Pantalla 90 (CEE) - Dc, 04/07/2018 - 11:33am

Jefe 

Público recomendado: adultos

Una mezcla curiosa de despotismo y zafiedad, por una parte, y de empatía y ternura soterrada, por otra, es la que cristaliza en la persona del protagonista de Jefe, la opera de prima de Sergio Barrejón, que cuenta entre sus actores principales con Luis Callejo, la hispano-colombiana Laura Acosta, el italiano Carlo D’Ursi y Josean Bengoextxea.

Violento, desinhibido para el sarcasmo y la burla, César (Luis Callejo: Hermanos, La propina, La herida…) es un jefe a quienes todos temen o adulan. Lo que en principio fue una empresa de éxito, ahora se revela que está en caída libre porque sus acciones se hunden, su mujer le echa de casa y sus socios le traicionan.

Acosado por todos los lados, decide permanecer día y noche en la oficina para recuperar el control de su negocio, para el que solo cuenta en principio con Javier (Josean Bengoextxea: Tabib, Ainhoa, Renovable…), su socio más fiel. A este se unirá Ariana (Juana Acosta: 7 años, Acantilado, A golpes, Juegos bajo la luna…), una de las limpiadoras de la oficina que trabaja por la noche, pero que, además, le gusta fisgonear los cajones de los empleados y aprovechar para llamar a su hijo a Colombia. Una de estas llamadas nocturnas, donde le habla cariñosamente a su hijo y le asegura que pronto irá a verle, tiene un curioso oyente no invitado, César.

La ternura de la limpiadora con su hijo enternecen hasta tal punto al zafio César, que le lleva a experimentar el cariño anhelado y no correspondido por su hijo adolescente. Este encuentro entre Ariana y César hacen que el impresentable directivo experimente una conexión afectuosa con la mujer que le lleva a respetarla y a tratarla bien. Y, además, a escuchar sus consejos sobre cómo llevar su empresa.

Es así que está amistad que va surgiendo entre ambos (aunque César intenta seducir a Ariana, esta le para los pies y él respeta esta decisión) es lo más sugerente de este filme, que rompe con los usos brutales de César cuando está con ella. Y solo en esos momentos nocturnos, pues durante el día el jefe sigue maltratando al personal.

Por esto resulta original el guion de Natxo López, Marta Sofía Martins, que han optado por proponer que es posible el cambio en las personas y, así, nos recuerdan que siempre hay espacio para la libertad y que uno se la juega o no cuando encuentra algo o alguien que le impacta.

En este sentido, es la secuencia genial cuando César, escondido debajo de la mesa, cambia el talante de observar lascivamente a Ariana, que desconoce que él está debajo, cuando habla por teléfono con su hijo, a reconocer el amor que le manifiesta al niño del que él carece y añora de su hijo adolescente.

En cuanto al trabajo actoral, perfecto Luis Callejo en el papel de jefe impresentable y faltón, de Juana Acosta, en su madurez afectuosa, y del elenco de intérpretes que representan papeles más estereotipados de esta comedia negra y primera incursión de Barrejón en el largometraje.

 

Título original: Jefe – España 2018.

Dirección: Sergio Barrejón.

Guion: Natxo López, Marta Sofía Martins.

Música: Jimmy Barnatan.

Fotografía: Antonio J. García.

Reparto:

Luis Callejo,  Juana Acosta,  Carlo D’Ursi,  Josean Bengoetxea,  Bárbara Santa-Cruz, Dalila Carmo,  Maika Barroso,  Adam Jezierski,  Sergio Quintana,  Teo Planell, Diana Lázaro

Género: Comedia | Comedia negra. Trabajo/empleo.

Duración: 90 min.

 

 

 

Categories: Notícies d'Esglèsia

Sicario: el día del soldado

Pantalla 90 (CEE) - Dm, 03/07/2018 - 9:23am

Sicario: el día del soldado 

Público adecuado: adultos

Tres años después de la excelente Sicario, nos llega esta secuela que no cuenta con el director Denis Villeneuve (sin duda la gran baza de la primera película) ni con su protagonista, Emily Blunt. Así, la historia se centra en esta ocasión en el sicario del título, interpretado de nuevo por Benicio del Toro.

Unos terroristas yihadistas ocasionan graves atentados en EE.UU. La inteligencia americana descubre que los carteles mexicanos de la droga les ayudaron a cruzar la frontera, y deciden ocasionar una guerra de bandas secuestrando a la hija de uno de los señores de la droga.

Resulta sorprendente que se haga una secuela de una película como Sicario, que a pesar de contener soberbias secuencias de acción, era sobre todo una película de autor, con el sello inconfundible de su director, el interesante Denis Villeneuve. En esta segunda parte se intenta recrear en cierta manera el pulso vibrante e hipnótico del director canadiense, pero el resultado no es el mismo, y da la sensación de que el material no da para tanto. Se ha bajado el listón hasta un nivel aceptable de cine de acción. Bien realizado, competente y entretenido, pero sin el interés artístico de su predecesora.

La película comienza con el tema del yihadismo que sirve de detonante a la historia, pero llama la atención que esa trama se diluye para no volver a aparecer. A partir de entonces, nos situamos en el terreno ya presentado en la película anterior de la frontera entre EE.UU. y México, los carteles de la droga, y los sicarios experimentados en matar y sobrevivir. En cierto momento da la sensación de que puede darse una dinámica interesante entre el personaje de Benicio del Toro y la joven Isabel, la hija del líder del clan que asesinó a la familia del sicario. Sin embargo, todas esas sugerentes posibilidades quedan flotando en el aire y nunca llegan a materializarse en la historia, que se limita a presentar una serie de escenas de acción y de suspense correctamente planteadas. Así, no encontramos ante un producto de acción bien facturado y entretenido, pero que deja la sensación de cierta falta de ambición por hacer algo que podía haber trascendido la superficie de una película de género.

Quizás lo más interesante sea el personaje de un joven que aspira a convertirse en sicario, y que se cruza en el camino de los protagonistas. El desarrollo del personaje parece sugerir que la franquicia puede tener continuidad si el éxito comercial le sigue sonriendo.

 

Federico Alba

 

(Sicario: Day of the Soldado, EE.UU., 2018)

Director: Stefano Sollima

Guion: Taylor Sheridan

Intérpretes: Benicio del Toro, Josh Brolin, Isabela Moner, Elijah Rodríguez, Catherine Keener

Música: Hildur Gudnadottir

Fotografía: Dariusz Walski

Duración: 122 minutos

Género: Thriller

Categories: Notícies d'Esglèsia

Formentera Lady

Pantalla 90 (CEE) - Dll, 02/07/2018 - 2:43pm

Formentera Lady 

Público recomendado: adultos

El pasado 29 de junio la cartelera española exhibía en salas Formentera Lady, debut en el largometraje de Pau Durà, sólido actor de cine y de teatro, que en su incursión cinematográfica aún tiene que atar bastantes cabos.       

Formentera Lady cuenta la historia de Samuel (José Sacristán), un hombre que tiene su residencia en la isla del archipiélago balear desde la década de los setenta. Allí ha llevado una vida hippie desde entonces. Sin embargo, esa vida tan tranquila y apacible se ve perturbada cuando aparece por sorpresa su hija Anna (Nora Navas), quien no veía desde hace tiempo a su padre, desempleada, y a la que le ha surgido una oportunidad profesional en Francia. Por ello no puede responsabilizarse de Marc, su hijo (Sandro Ballesteros) y le pide a Samuel que se quede a cargo del niño. Así las cosas, no tendrá más remedio que cuidar de alguien, asunto que deberá afrontar por primera vez en su vida.

Presentada en la Sección Oficial a concurso del último Festival de Málaga-Cine en Español, primero, y después en el Festival Cinema Jove de Valencia, Formentera Lady -título que toma prestado de una famosa canción, de 1971, de la banda King Crimson, incluido en su LP Islands– es un dramedy -a mí me gusta más western crepuscular- con unos diálogos de una eficacia absoluta, medidos con una precisión de relojero.

La película ofrecía muchas posibilidades narrativas, principalmente a través del desarrollo que podría habérsele otorgado a la relaciones familiares, y en concreto las de padres e hijos (en este caso abuelo-nieto), tan exploradas, aunque no suficientemente explotadas en el cine español. En este sentido, Formentera Lady comparte similitudes con Gran Torino (Clint Eastowood, 2008) o con Quince años y un día (Gracia Querejeta, 2013), por ejemplo, donde el sustrato es el mismo.

Eso sí, despliega una hermosa y escueta puesta en escena, un guión estable, del que también es responsable Durà, y que en otras manos habría discurrido por derroteros sensibleros y habría disuelto las intenciones de la historia. Además, funciona bien el tratamiento de la contracultura, mantiene un digno pulso narrativo y se deja ver con simpatía.

Lástima que la historia acumule tópicos sobre las relaciones familiares y no termine de percibirse esa frescura que requieren filmes de este corte, a pesar de que siempre apunte a las buenas intenciones. Y eso que además suma un plantel de actores de lujo. Pero muchas veces eso no basta.

José Luis Panero

@PALOMITERO

 

(Formentera Lady, España, 2018)

Dirección: Pau Durà

Interpretación: José Sacristán, Jordi Sánchez, Nora Navas, Ferran Rañé, Sandro Ballesteros

Duración: 85 min.

Género: Drama

Categories: Notícies d'Esglèsia

En la playa de Chesil

Pantalla 90 (CEE) - Dll, 02/07/2018 - 2:40pm

En la playa de Chesil 

Público apropiado: Adultos

Inglaterra, 1962. Los jóvenes Florence y Edward acaban de casarse y van a pasar su primera noche de bodas en un hotel, junto a la famosa Chesil Beach. Pero en la noche de bodas surgen dificultades para llegar a vivir ese momento de exaltación del amor y de plena entrega de ambos.

La trama se desarrolla en tres tiempos, pasado, presente y futuro. A través de sucesivos flash-backs vamos conociendo cómo se conocieron y enamoraron y la situación familiar de ambos. Ella pertenece a una familia de clase media alta, él es hijo de un maestro y su situación económica es muy precaria, a lo que se añade la lastimosa situación de su madre, demenciada a causa de un desgraciado accidente. Se pasa del pasado al presente sin solución de continuidad, pero de forma tan fluida que el espectador se siente cómodo y sigue el hilo narrativo con interés e intriga. Algo más forzado es el capítulo del futuro, conseguido por medio de un maquillaje que resulta bastante llamativo.

Ian McEwan es el responsable de adaptar al cine su propia obra On Chesil Beach, publicada en 2007. Tal vez como relato de novela la historia pueda parecer lógica, pero tal como aparece en la pantalla resulta absolutamente increíble su forma de enfrentar el sexo. Por la época, pues aunque en 1962 la revolución sexual todavía no había triunfado plenamente sobre una anquilosada sociedad británica, ya no reinaba en el ambiente un puritanismo tan intenso como para que el sexo fuera un tema tabú en los medios y en las conversaciones de muchos jóvenes. Florence no vivía encerrada en su casa, tenía formación y formaba parte de un grupo reivindicativo antinuclear y, por tanto, poco propicio a acatar sumisamente las normas y costumbres de sus mayores. Tampoco es verosímil el total desconocimiento del modo de reproducción en los mamíferos, por la simple experiencia en animales domésticos. Por no hablar del instinto, que normalmente acompaña al amor, como deseo de entregarse al ser amado. Tampoco hay en los personajes un freno moral que pudiera proceder de creencias religiosas mal enfocadas, sino simplemente un total desconocimiento de lo que implica la entrega corporal. La película está bellamente rodada y hay que reconocer en Dominic Cooke buen gusto y elegancia con la cámara. Pero la propuesta no es creíble, los personajes carecen de entidad y la historia acaba haciendo aguas. La escena de los protagonistas con los dos ridículos camareros del hotel es tan absurda que resulta patética. Una magnífica Saoirse Ronan es, sin duda, lo mejor de la película, muy bien secundada por Billy Howle como Edward. Los secundarios tienen poca presencia en la trama.

Puede que el mensaje quisiera ser que el amor siempre acaba siendo destructivo, de un modo o de otro, pero tampoco eso queda claro. Pero lo cierto es que el saber hacer de Cooke consigue que, al final, el conflicto, a pesar de su inconsistencia, deje en el espectador el amargo sabor de la frustración. ¿Será esto justamente lo que pretendía?

Ficha técnica:

On Chesil Beach (Reino Unido, 2017)

Duración: 105 min.

Género: Drama

Dirección: Dominic Cooke

Intérpretes: Saoirse Ronan, Billy Howle, Emily Watson, Anne-Marie Duff, Samuel West, Adrian Scarborough, Bebe Cave, Jonjo O’Neill

Guion: Ian McEwan (sobre su propia novela del mismo nombre)

Música: Dan Jones

Fotografía: Sean Bobbitt

 

 

Categories: Notícies d'Esglèsia

¡Oh, Mammy Blue!

Pantalla 90 (CEE) - Dv, 29/06/2018 - 10:22am

¡Oh, Mammy Blue! 

Público recomendado: adultos

Nos encontramos en la residencia para mayores “El retiro”, el lugar menos indicado del mundo para la formación de una banda de rock. Allí vive, a disgusto suyo, Laura (Carmen Maura), antigua cantante hippie de los años 60 y caída en el olvido, pero anclada en los mitos de aquella década. En la residencia le visita, con cierta regularidad, su nieto, guitarrista en una banda de rock; la llegada a la residencia de un hombre bueno y amable, que además toca el piano, servirá para alimentar en ella la ilusión de formar una banda de rock, con temas propios, para acudir a un importante festival. Los obstáculos vendrán, principalmente, de la directora de la residencia, Elena Romero (María Pujalte), obsesionada con el cumplimiento ciego de las normas.

La aventura de formar una banda de rock es un tema muy tratado y capaz de dar mucho de sí (School of rock, The wonders, Sing Street, Once…); la peculiaridad de esta Mammy Blue está en la edad de los miembros, setentones, y sucumbe ante la dificultad, no ya de hacer creíble la trama, sino de evitar el ridículo, por excesivamente naif. La trama es floja, los personajes excesivamente esquemáticos, caricaturescos sin alcanzar hondura y apenas hay fuerza para arrancar la carcajada del espectador.

Hay temas serios tratados con una banalidad sorprendente, como el tema de las drogas blandas, donde el planteamiento es prisionero del “sostenella y no enmendalla”, como si los años 60 no hubieran dejado, entre toda su herencia, una idea estúpida de libertad, mezcla de pose, ignorancia, ingenuidad y mala fe. Pero no hay que dejar de hacer notar que entre sus lagunas conviven algunos detalles salvables. La rebeldía de Laura cede, por un momento, para agradecer la labor de ángel de la guarda de la Guardia Civil, que aparece retratada, en unas bonitas escenas nocturnas, con esmero y hasta cariño. Y si bien la cinta paga la cuota del discurso de género, no deja de apuntar, breve y discretamente a la necesidad de curar y restablecer los lazos familiares, de madre a hijo, y de padre a hijo. Es poco, pero está ahí, y merece la pena hacer la anotación.

En cuanto a la música, entregada en pocos momentos, es de notable alto. Mammy blue es una canción de los años 60, del hoy prácticamente desconocido Phil Trim, uno de los pocos músicos de color que bullía en el animado panorama del pop español de los años 60. La canción, de las más versionadas de nuestra historia, fue recientemente el broche musical de cierre de la película francesa Aurore (Jamais contente), de Émilie Deleuze. Si algo deja de buen sabor de boca esta ¡Oh, Mammy blue!, es la interpretación rockera de la misma, con un vigor y una fuerza que ya quisiéramos tener muchos a los 70.

 

(España, 2017)

 

Dirección: Antonio Hens

Guion: Antonio Hens, Julio Carrillo, Antonio Álamo

Reparto: Carmen Maura, María Pujalte, Milton García, Ramón Barea, Phil Trim

Duración:  95 minutos

Género: drama

 

 

 

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Western

Pantalla 90 (CEE) - Dv, 29/06/2018 - 10:18am

Western 

Público recomendado: Adultos 

Western es la tercera película de la directora alemana Valeska Grisebach. En esta cinta, tratada como un drama íntimo y lejano al mismo tiempo, en el que se trazan líneas paralelas con el propio género del que la película toma nombre, se narra la historia de Meinhard, uno entre varios obreros que se instala en una montaña cerca de la frontera entre Bulgaria y Grecia para construir una central hidroeléctrica.

La película se desarrolla a través de un enigmático y silencioso personaje que, con un carácter y una mirada que le distancian de sus compañeros, explora ese nuevo universo que se abre a su alrededor. A través del deambular de un fascinante personaje retratado en varias situaciones dignas del western clásico, como jugar a las cartas en el bar, montar a caballo o defender a los suyos con una escopeta, descubrimos todo un mundo que va mucho más allá de eso.

Dirigido con sobriedad, Western es un retrato sensible y poético que habla de mucho más que de unos obreros, de duelos y de encontrarse en un lugar nuevo. Cargada con un fuerte componente realista y naturalista, todos los temas tocados, socioeconómicos, culturales, o incluso la propia estética, se ven desbordados, simple y llanamente, por humanidad. Un personaje protagonista que no es capaz de comunicarse con sus compañeros por falta de sincronía ni con sus “amigos” del poblado cercano por diferencia de lenguas. Y que, sin embargo, consigue comunicarse, y expresarse, y expresarnos. Y desplegar un universo concentrado en una pequeña motita en el mundo.

 

2017, Alemania

Dirección: Valeska Grisebach

Interpretación: Meinhard Neumann, Reinhardt Wetrek, Waldemar Zang

Duración: 100 min

Distribuidora: La Aventura Audiovisual

 

 

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Nadie nos mira

Pantalla 90 (CEE) - Dll, 25/06/2018 - 11:14am

Nadie nos mira 

Público recomendado: adultos

Una estampa más intimista y nada habitual de Nueva York (aquí no hay carreras desenfrenadas de coches ni policías tiroteándose con delincuentes) es la que nos trae la directora argentina Julia Solomonoff (Hermanas, Ahora, Siesta) con Nadie nos mira, una historia de alguien que persigue su vocación profesional en medio de un forcejeo interior por un lejano amor homosexual.

Con guion de la propia Solomonoff y de Christina Lazaridi, Nico (La señora Haidi, Tiempo muerto, Dolores…) se traslada a Nueva York para interpretar una película después de protagonizar una telenovela que triunfó en su país, Argentina. Pero el proyecto no se acaba de concretar y, mientras tanto, asiste a pruebas de audiciones que no dan resultado, pues su dicción del inglés no es perfecta. Gracias a una amiga argentina, Andrea, profesora de yoga, casada con un directivo estadounidense, le pide que cuide a su bebé en su jornada laboral.

En la espera de que le llamen para hacer la película, Nico acepta el trabajo de “canguro” que compatibiliza con algunas horas de camarero, robos en supermercados y trapicheos varios. Pero un buen día su pasado retorna cuando le llama Martín (Rafael Ferro: La vida después, Mala, Agua…), un directivo de cine casado con mujer e hija, con el que mantuvo en el pasado una relación homosexual.

Nadie nos mira cuenta con una buena interpretación de los actores y una fotografía aceptable, pero despliega una historia a la que le faltan hechos y situaciones que la hagan avanzar dramáticamente. Es excesivamente repetitiva y ensimismada en la vida cotidiana de Nico (cuidar a Theo, el bebé, llevarle al parque, donde coincide con otras cuidadoras y el resto de acciones cotidianas señaladas arriba).

El giro dramático se da con la aparición de Martín y se dedica mayormente a su relación homosexual y a otra que Nico mantiene posteriormente por la frustración que le produce la vuelta de Martín a Argentina sin decantarse por él y abandonar a su mujer.

En cualquier relación, esta preferencia por amar y ser amado por alguien es el motor de nuestra búsqueda porque define una elección radical por cada uno de nosotros. Y, desarrollar esto hasta el fondo, hubiera sido lo más interesante de este filme que no va más allá de respuestas epidérmicas y se queda huérfano de planteamientos más profundos sobre el deseo de plenitud humano.

 

Título original: Nadie nos mira – Argentina 2017

Duración: 140 min.

Dirección: Julia Solomonoff

Guion: Christina Lazaridi, Julia Solomonoff

Fotografía: Lucio Bonelli

Reparto:

Guillermo Pfening,  Cristina Morrison,  Elena Roger,  Paola Baldion,  Rafael Ferro, Marina Artigas,  Kerri Sohn,  Ana Carolina Lima,  Noelle Lake,  Marco Antonio Caponi, Paige Sciarrino,  Blanca Vivancos,  Josefina Scaro,  Nadja Settel,  Ava Tracy

Género: Drama | Inmigración. Homosexualidad

 

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Las guardianas – Estreno 22 de junio

Pantalla 90 (CEE) - Dv, 22/06/2018 - 9:01am

Las guardianas 

Les gardiennes

Drama

Director: Xavier Beauvois

A pesar de ser lenta y académica, esta película que recuerda en muchos aspectos a El árbol de los zuecos de Olmi, es una historia preciosista sobre las mujeres de la retaguardia en la Gran Guerra. En un mundo de muerte y soledad, triunfa la positividad de una mujer sencilla marcada por su fe y amor a la vida. Excelentes interpretaciones.

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Tully – Estreno 22 de junio

Pantalla 90 (CEE) - Dv, 22/06/2018 - 8:59am

Tully 

Tully

Comedia

Director: Jason Reitman 

Charlize Theron interpreta a una mujer superada por su maternidad. Con dos hijos -uno de ellos problemático-, da a luz su tercer vástago, cayendo en depresión postparto y agotamiento. Pero una niñera entrará en su vida y le ayudará a salir adelante. La película no es redonda, pero tiene cosas interesantes u otras que dejan perplejidad.

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Hereditary – Estreno 22 de junio

Pantalla 90 (CEE) - Dv, 22/06/2018 - 8:57am

Hereditary 

Hereditary

Terror

Director: Ari Aster

Tony Colette protagoniza esta opera prima en la que lo mejor son las atmósferas y haber puesto en el centro un melodrama familiar. Como en tantas películas de terror, lo difícil es llevar el guion a buen término. Siendo una cinta notable no deja de ser un colash de espiritismo, mitos paganos, maldiciones y mal fario. Para amantes del mal rollo.

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El mundo es suyo – Estreno 22 de junio

Pantalla 90 (CEE) - Dv, 22/06/2018 - 8:54am

El mundo es suyo 

Comedia

Directores: Alfonso Sánchez

Demoledor sarcasmo sobre las contradicciones de la sociedad sevillana. La corrupción política, los trapicheos de la droga, la aristocracia, el culto a las apariencias, la hipocresía… ni cierto tipo de clero se salva de esta comedia simpática, disparatada y políticamente incorrecta protagonizada por los cómicos Alberto López y Alfonso Sánchez.

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El orden divino – Estreno 22 de junio

Pantalla 90 (CEE) - Dv, 22/06/2018 - 8:51am

El orden divino 

Die göttliche Ordnung

Drama

Director: Petra Biondina Volpe

En 1970 las mujeres aun no tenían derecho al voto en Suiza. La película se acerca a esa realidad con una excelente puesta en escena, pero en la que se mezcla la justa reivindicación por la igualdad, con el derecho al aborto, la liberación sexual y la crítica de la religión en un coctel ideológico que empobrece el buen camino por el que había empezado el film.

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Con amor, Simon – Estreno 22 de junio

Pantalla 90 (CEE) - Dv, 22/06/2018 - 8:48am

Con amor, Simon 

Love, Simon

Comedia

Director: Greg Berlanti

Un chaval gay oculta su homosexualidad a familiares y amigos del instituto, hasta que un malintencionado compañero descubre su secreto. Típica película de instituto, amable y frivolona, que reivindica la ideología de género a pocos días del día del Orgullo.

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