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Notícies d'Esglèsia

VN Catalunya

Catalunya Religió (ES) - Dm, 19/01/2038 - 4:14am
Categories: Notícies d'Esglèsia

El gran showman

Pantalla 90 (CEE) - Dm, 16/01/2018 - 2:52pm

El gran showman  

Público recomendado: todos

«La realidad siempre supera a la ficción»: este podría ser perfectamente el lema de Phineas Taylor Barnum; creador de unos de los fenómenos de entretenimiento más célebres de la historia: el circo, tal y como ahora, en el presente siglo, lo conocemos. Se lo debemos a él porque, en el curso del s. XIX, este advenedizo en la pujante clase burguesa -era hijo de un modesto sastre- consiguió abrirse paso por la vida, casarse con la mujer a la que amaba, Michelle Williams (Mi semana con Marilyn, Shutter Island), y cumplir el sueño americano: triunfar venciendo a las dificultades que se le pusieron delante sin rendirse jamás. Sí, es el perfecto ejemplo de figura hollywoodense que el cine americano suele intentar vender. Pero, ¿y qué? Se huele a quilómetros que este biopic musical no es la fiel trasposición histórica de P. T. Barnum, sino una mera reconstrucción edulcorada y conscientemente modificada para que se pueda convertir en un idealizado héroe americano: de hecho, quieren persuadirnos de que el protagonista -encarnado por un enérgico Hugh Jackman que recuerda al Valjean de Los miserables– no era nada más y nada menos que un buen hombre; un filántropo que ofreció la posibilidad a personas con malformaciones y especímenes sui generis de redimirse y de dejar de ser meros bichos raros y monos de feria para convertirse en estrellas de un maravilloso espectáculo. P. T. Barnum solo quería llenarse los bolsillos a costa de los demás, sí, es verdad y el director no es condescendiente en este sentido, puesto que, constantemente se hace referencia al protagonista como «el vendedor de patrañas» -gracias a Dios-, pero esto no quita un ápice de belleza al musical que nos presenta Michael Gracey (Ned Kelly: comienza la leyenda y Naruto) de la mano de los compositores de la beatificada y multipremiada La la land (dir.: Damien Chazelle, 2017): John Debney (Oscar por La pasión de Cristo) y letras escritas por Justin Paul y Benj Pasek. Las canciones son emocionantes y con letras sencillas, especialmente “The Greatest Show”, “A Milion Dreams”, “Never Enough” e “Rewrite The Stars” y consiguen reflexionar sobre temas como la diversidad y el deseo de felicidad sin llegar a caer en una meliflua ñoñería sin sustancia, hasta el punto de que la película puede considerarse un musical fabuloso: fabuloso, sí. Un musical que conquista, de factura clásica, pero que seduce al espectador al que le cuesta dejarse seducir por este tipo de cine. Una película que se deja disfrutar y que invita constantemente a hacerlo. ¡Bravo por este musical!

 

Guillem Lisicic

 

Ficha técnica:

Título original: The Greatest Showman

Año: 2017

Duración: 105 min.

País: Estados Unidos

Dirección: Michael Gracey

Guion: Jenny Bicks, Bill Condon

Música: Benj Pasek, Justin Paul

Fotografía: Seamus McGarvey

Categories: Notícies d'Esglèsia

Tres anuncios a las afueras

Pantalla 90 (CEE) - Dm, 16/01/2018 - 2:49pm

Tres anuncios a las afueras 

Público recomendado: Adultos S

 Three Billboards Outside Ebbing, Missouri (denominado aquí “Tres anuncios a las afueras“) es la nueva película escrita y dirigida por Martin McDonagh, autor de renombre de teatro y cine, que cuenta entre su filmografía con piezas como Siete Psicópatas y Escondidos en Brujas.

La obra narra la historia de Mildred (Frances McDormand), una madre que coloca tres grandes y provocadores anuncios a las afueras de su pueblo denunciando el caso no resuelto del asesinato de su hija.

A partir de este suceso, la historia empieza a moverse en torno a la comunidad del pueblo de Ebbing, y cómo esta responde al provocador movimiento de Mildred. Se abre, así, una historia de amenazas, de “tira y afloja”, y de denuncia y acoso. Toda la narración se articula con un tono de comedia negra despiadada que no duda en poner una situación estrafalaria al lado de la desgracia más cruda y terrible, con un chiste entre medias, haciendo emparedados de tragicomedia, uno tras otro, durante la película.

Lo maravilloso de la obra de McDonagh es que se imprime la complejidad de lo humano en cada movimiento, en cada escena: desde los pequeños gestos que esbozan unos personajes absolutamente repletos de identidad propia, pasando por las acciones que acometen y que van guiando la trama, y jugando con todo un mundo de posibilidades contrapuestas que van guiando, como un péndulo fascinante, una trama de la que nunca se sabe a dónde llegará y cómo lo ha hecho.

Bañada en un delicioso humor negro y con grandísimas preguntas que se plantan en el camino, que no tienen miedo de acercarse a temas tan delicados como la muerte, la injusticia, la marginación social, y la impotencia ante todo ello, Three Billboards Outside Ebbing, Missouri es una fábula (y un retrato, y un chiste, y muchas cosas más) que ofrece un viaje cargado de emociones, desde la risa hasta la lágrima, y que no deja indiferente una vez se cierra el telón. Una pieza imprescindible que desborda los cauces de la narrativa más convencional sin problema en derribar barreras con elegancia y efectividad.

Carlos Robisco

 

Ficha técnica:

(2017), Reino Unido

Dirección: Martin McDonagh

Interpretación: Frances McDormand, Woody Harrelson, Sam Rockwell

Duración: 112 min

Distribuidora: Twentieth Century Fox España

 

 

 

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Loving Vincent

Pantalla 90 (CEE) - Dm, 16/01/2018 - 2:44pm

Loving Vincent 

Público recomendado: todos

Este próximo viernes se estrena  “Loving Vincent”, la impresionante película que narra, a través de 65.000 fotogramas convertidos en cuadro, el misterio de la muerte de Van Gogh.

Con varias nominaciones importantes a sus espaldas -Globos de Oro y BAFTA- el espectador se va a encontrar con una experiencia estética sin precedentes que ensancha los horizontes del cine en un buen mestizaje artístico, patente a lo largo de todo el metraje.

  1. Se cumple un año de la extraña muerte de Vincent. Armand, bajo la petición de su padre Roulin; el cartero al que el incomprendido pintor confiaba sus misivas, viaja a Paris para hacerle entrega a Theo Van Gogh, la última carta de su hermano con el que hacía tiempo que había roto la relación. Al llegar a la capital, Armand descubre que Theo ha fallecido de sífilis y no hay receptor para aquella carta.

Comienza entonces un viaje hacia los colores de una sombra; de pincelada gruesa y alocada, de confusión, arte, amor, desprecio y muerte.

Todo en la película rezuma un compromiso con el legado del pintor neerlandés. El trabajo de Dorota Kobiela y Hugh Welchman en la dirección es soberbio. La elaboración fotograma a fotograma de Loving Vincent, que durante 10 años ha congregado a más de 120 artistas de primer nivel,  permite estar en actitud contemplativa, sobrecogido por la grandeza creativa de aquellos que han revivido la obra y en cierta medida, también la figura, de Van Gogh.  La sensación que queda tras su visionado es haber estado atrapado durante 80 minutos en un cuadro interactivo, jugando el rol de narrador omnisciente, pautando cada paso de Armand para averiguar las verdaderas motivaciones del pintor para terminar con su vida.

Existe cierta torpeza en la ejecución del guion y hacia el ecuador de la película se desinfla la tensión narrativa, haciendo que el espectador pase por alto la sucesión extraordinaria de cuadros que tenemos frente a nosotros. La trama, zurcida por los mismos Kobiela y Welchman, no es el fuerte del film ni mucho menos aunque no llega a chirriar en ningún momento. El trazo y el buen gusto es la constante que permitirá su disfrute y posterior recomendación.

Ricardo Morales Jiménez

www.democresía.es

 

 

 

Ficha técnica:

 

Polonia, 2017

Dirección: Dorota Kobiela, Hugh Welchman

Reparto: Animation, Douglas Booth, Helen McCrory, Saoirse Ronan, Aidan Turner, Eleanor Tomlinson, Chris O´Dowd, Jerome Flynn, John Sessiones, Holly Earl, Robert Gulaczyk, James Greene, Bill Thomas, Martin Herdman, Josh Burdett, Richard  Banks, Shaun Newnham

Duración: 95 min.

Distribuidora: BreakThru Productions, Trademark Films, Silver Reel, Odra Film, Centrum Technologii Audiowizualnych, Polski Instytut Sztuki Filmowej

Género: Drama, biográfico, pintura animada

Categories: Notícies d'Esglèsia

Thi Mai. Rumbo a Vietnam

Pantalla 90 (CEE) - Dm, 16/01/2018 - 8:59am

Thi Mai. Rumbo a Vietnam 

Público recomendado: Jóvenes y adultos

Sin olvidar su vena cómica, Carmen Machi encarna uno de sus papeles de más enjundia dramática de sus últimos filmes, dando vida a una “abuela” coraje que viaja a Vietnam para recoger a una niña adoptada previamente por su hija. Thi May. Rumbo a Vietnam es el título de la película realizada por la directora y guionista madrileña Patricia Ferreira (El alquimista impaciente, En el mundo a cada rato, Para que no me olvides). Acompañando en la aventura asiática a Carmen, que así se llama la intrépida “abuela”, marchan Rosa (Adriana Ozores) y Elvira (Aitana Sánchez Gijón). Al elemento masculino protagonista, lo da vida Dani Rovira, en el papel de Andrés.

Rodada durante seis semanas en esta nación del Sudeste asiático, Thi Mai cuenta  con algunos intérpretes del país, como es el caso de Dan, un funcionario encargado de gestionar la estancia de los extranjeros que viajan a Vietnam para recoger a niños en adopción. Este se las tendrá que ver con Carmen y sus dos amigas, perseverantes e inflexibles para traerse a España a Thi Mai, la niña adjudicada a la hija de Carmen, que no podrá ir porque ha muerto pocos días antes en un accidente de automóvil.

Un elemento destacable de este filme es el equilibrio entre la vertiente cómica y el factor dramático, relativo al pesar que aflige a Carmen por el fallecimiento de su hija. Otro, sin duda, son las escenas del país oriental y de algunas de sus costumbres y modos de vida que suponen para el filme elementos relevantes, pues ayudan al espectador a conocer el momento actual de quien mantuvo una guerra civil en los años sesenta donde intervinieron los Estados Unidos.

Hay muy buenos momento para reír, varios de ellos que tienen a las tres amigas en candelero, como el perfil retro de Rosa (Adriana Ozores) que se va desmelenando por momentos de la servidumbre emocional y económica a que la somete su marido. La escena donde apuesta al blackjack es magnífica o cuando, tras un subidón de licor de arroz, se arranca a cantar un tema musical de Nino Bravo a quien ella le pone la letra.

En sus peripecias vietnamitas, el trío de mujeres se encontrará con Andrés (Dani Rovira), un homosexual que ha dejado todo en Madrid para estar con su novio, al que encuentra casado y convertido nuevamente en heterosexual. No es el Rovira hiperchistoso de otras comedias, pues su personaje es más dramático.

Carmen Machi es la que pilota este filme al dar vida a una mujer fuerte empeñada en remover cielo y tierra en la nación oriental para cumplir el deseo de la hija muerta (desconocía los trámites de adopción de la niña vietnamita) para lo que se enfrentará también a la oposición de su marido Javier, deprimido por el suceso.

El filme de Patricia Ferreira, con guion de Marta Sánchez, está bien dirigido y equilibrado, con situaciones surrealistas de humor y con otras de lirismo sentido al que dan vida tres magníficas actrices. Sin pretensiones fílmicas, nos acerca también a situaciones peliagudas por las que pueden pasar personas que acuden a países exóticos para adoptar niños y no tengan el empuje de esta Carmen tan combativa.

Enrique Chuvieco

Película: Thi Mai. Rumbo a Vietnam

Directora: Patricia Ferreira

Intérpretes: Carmen Machi, Adriana Ozores, Aitana Sánchez Gijón, Dani Rovira, José Troncoso

Género: comedia

Duración: 100 minutos

 

 

 

 

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El Vídeo del Papa – Por las minorías religiosas en Asia

Pantalla 90 (CEE) - Dll, 08/01/2018 - 1:20pm

A veces pensamos que ser cristiano es difícil. Pero hay lugares donde lo es mucho más que en otros, como en Asia. Aquí el cristianismo es una minoría y, como otras minorías religiosas, sufre a menudo persecuciones. Pidamos para que todas las religiones, también las minoritarias, encuentren la libertad que a veces hoy no tienen en el continente asiático. “En el variado mundo cultural de Asia la Iglesia afronta muchos retos y su tarea resulta aún más difícil por el hecho de que constituye una minoría. Estos retos son compartidos con otras tradiciones religiosas minoritarias a las que nos une un deseo de sabiduría, verdad y santidad. Cuando pensamos en el sufrimiento de los que son perseguidos por su religión, vamos espontáneamente más allá de las distinciones de rito o de confesión: nos ponemos del lado de los hombres y mujeres que luchan por no renunciar a su identidad religiosa. Pidamos por todos ellos para que, en los países asiáticos, los cristianos, como también las otras minorías religiosas, puedan vivir su fe con toda libertad.” Por la Red Mundial de Oración del Papa (Apostolado de la Oración – http://www.oraciondelpapa.net). Si quieres ver más vídeos sobre las intenciones del Papa los encontrarás en http://www.elvideodelpapa.org Con la colaboración del Centro Televisivo Vaticano (http://www.ctv.va) Idea y realización http://www.lamachi.com

 

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Insidious. La última llave

Pantalla 90 (CEE) - Dll, 08/01/2018 - 12:58pm

Insidious. La última llave 

Público recomendado: Adultos

Por definición, una cuarta entrega rara vez suele ser señal de algo bueno. Y más aún si estamos ante una saga cuya prolongación se advirtió, desde el principio, a todas luces innecesaria. Es un secreto a voces que toda secuela tiene como único objetivo estirar un éxito mientras éste aguante de modo que supongo que sería inútil culpar a nadie. Al fin y al cabo, si hemos llegado a una cuarta entrega de Insidious es porque hemos ido a ver las anteriores.

El primer Insidious fue una película resultona y en muchos sentidos, fresca, porque revelaba un cine de terror esencialmente clásico y al mismo tiempo atrevido y hasta osado. De hecho, aquel minúsculo film se convirtió durante una temporada en uno de los largometrajes más rentables del momento. Con una inversión de poco más de un millón y medio de dólares la película consiguió amasar cerca de cien. Todo un negociazo.

Pero sobre todo, Insidious fue la presentación en sociedad de un director al que los fans del género ya teníamos fichado. James Wan no había reventado aún ninguna taquilla pero sí que nos había dejado helados con títulos como Saw o Silencio desde el mal.  De todos modos fue Expediente Warren, hasta la fecha, su mejor película, el film que generó todo una especia de universo en torno al “estilo Wan”. Sagas como la de la mismísima Saw (que va por su octava entrega), Annabelle o la que nos ocupa no son más que intentos, por lo general infructuosos, de reproducir el “toque Wan” en el cine de terror.

Por lo general, estas continuaciones suelen venir dirigidas por ebirrios que han trabajado mano a mano con Wan como fue el caso del montador de Saw, Kevin Greutert, director de Saw VI y VII, del director de fotografía de Insidious y Expediente Warren, John R. Leonetti, director de Annabelle o del guionista de Saw y actor habitual en las cintas de Wan, Leigh Whannell, director de Insidious. Capítulo 3.

Puntualmente, no obstante, cae alguna secuela o similar que termina firmando algún director no directamente vinculado con el “universo Wan”. Ese fue el caso de David F. Shandberg, realizador de Annabelle. Creation que dignificó, y mucho, la primera entrega de la salga de la muñeca diabólica.

Para Insidious. La última llave también se ha contado con un director ajeno al “universo Wan”, Adam Robitel, un guionista formado en otra saga de mucho cuidado, Paranormal Activity. Robitel, es un experto en estirar chicles como escritor de la quinta y sexta entrega de la citada franquicia de casas encantadas.

La cuestión es que en esencia, Insidious. La última llave es eso, una estirada de chicle sin demasiado sentido aunque llevada con toda la dignidad que se le podía exigir a semejante producto. La justita. Este Insidious seguramente gustará a los amantes del género por sus sustos de rigor y por respetar hasta cierto punto el film original. Sin embargo, no es menos cierto que la película de Robitel no añade absolutamente nada a lo ya propuesto por Wan en su primera película. Es más, Insidious. La última llave no es más que una sistemática repetición, casi al dictado de los aciertos del film original y una exacerbación casi caricaturesca de sus defectos.

Ramón Monedero

 

Ficha técnica:

(Insidious. The Last Key)

(Estados Unidos, 2018)

Dirección: Adam Robitel

Interpretación: Lin Shaye (Elise Rainier), Leigh Whannell (Specs), Angus Sampson (Tucker), Kirk Acevedo (Ted Garza), Caitlin Gerard (Imogen Rainier) y Spencer Locke (Melissa Rainier).

Duración: 103 min.

Distribuidora: Sony Pictures

Género: Terror

 

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Molly´s game

Pantalla 90 (CEE) - Dll, 08/01/2018 - 11:32am

Molly’s game 

Público recomendado: jóvenes y adultos

Todos recordamos a Aaron Sorkin por ser uno de los grandes guionistas del panorama televisivo actual. Este hombre es el artífice de series potentísimas como El ala oeste de la Casa Blanca o Newsroom, que ha escrito interesantes libretos cinematográficos como Algunos hombres buenos, La red social y, sobre todo, Moneyball que trataba sobre el negocio del deporte que, aunque esa cinta pasase un poco desapercibida en España, el texto y el mensaje puede hacerte pensar.

En esta ocasión, debuta como director, siendo también el guionista de una producción basada en hechos reales en la que se cuenta como una deportista de élite, tras un accidente en una competición, abandona su profesión para convertirse en una organizadora de partidas de póker clandestinas, lo que tendrá sus consecuencias.

Esta producción tiene todos los ingredientes para que el producto funcione a las mil maravillas, sustentado en un sólido guión al que no se le escapa un detalle, haciendo honor a las declaraciones del propio Sorkin en una entrevista en la que afirmaba que sus personajes son quijotescos. Decaen y fracasan constantemente pero aún así, tiene algo de romántico el perseguir objetivos honorables. Estos personajes tienden a usar 10 palabras cuando una hubiera bastado. Dicen exactamente lo que significa en todos los diferentes tipos y maneras posibles. Por otra parte, tanto en el montaje como la dirección Sorkin parece todo un veterano, metiéndole un ritmo endiablado. Estas son las razones por las que queremos que este escritor/cineasta siga trabajando en su nueva faceta, ya que es todo un descubrimiento.

El otro ingrediente no es un secreto porque el reparto es excelente. La camaleónica Jessica Chastain vuelve a demostrar por qué es una de las mejores actrices de Hollywood e Idris Elba, recordado por la serie Luther, controla totalmente a su personaje, transmitiendo transparencia y sinceridad por los cuatro costados, mientras que las escasas, pero tremendas interpretaciones de Kevin Costner hacen el resto.

La evolución del personaje y como va madurando es otro de los aciertos del largometraje, pues su protagonista no está dispuesta a pasar ciertos límites y en ella se producen ciertos cuestionamientos éticos sobre si para salvar su pellejo es necesario machacar, manchar o destrozar la vida personal o privada de estos jugadores de cartas.

Las apariciones estelares y puntuales de Kevin Costner como padre de la chica nos parecen merecedoras del Óscar , al igual que otras categorías, un personaje que, sin duda, es un elogio a la labor oculta de la paternidad que, con sus luces y sombras, busca lo mejor para sus hijos, donde el amor y la comprensión tienen la última palabra.

Víctor Alvarado

 

Ficha técnica:

Título: Molly´s game (2018)

Director: Aaron Sorkin

Reparto: Jessica Chastain, Idris Elba, Kevin Costner y Michael Cera.

Categories: Notícies d'Esglèsia

Qué fue de Brad

Pantalla 90 (CEE) - Dll, 08/01/2018 - 11:17am

Qué fue de Brad 

Público recomendado: Jóvenes-Adultos

 El pasado 5 de enero, las salas de cine españolas acogían la comedia dramática Qué fue de Brad, dirigida por el californiano de 47 años, Mike White y que distribuye Vértice 360.

 El filme sigue los pasos de Brad Sloan. Es un tipo normal, con una familia normal, un trabajo normal y una casa normal. Su conciencia le reprocha continuamente no haber hecho nada de provecho. A tres años de cumplir los 50 entra en una crisis existencial ante un hecho inevitable: su hijo Troy se ha hecho mayor y ha de ayudarle a elegir universidad. En un viaje cómico, irónico y tierno, padre-hijo por las facultades de Boston, Brad constata que todos sus ex compañeros han triunfado y él… no. ¿Pero qué puede hacer a estas alturas para que el mundo no se pregunte qué fue de él?

El laureado guionista, Mike White, autor de Escuela de Rock (2003) o Nacho libre (2006), se atreve también con la interpretación y la dirección de cine con Qué fue de Brad, su segunda incursión en el largometraje, tras el débil drama El año del perro (2007), si bien ya había dirigido antes trabajos para la televisión como Iluminada (2011) o Pasadena (2001). En el caso que nos ocupa se centra en donde nadie quiere mirar si no es para hacer una gracieta y quedarse en eso. Porque, desgraciadamente, el tema de las crisis de edad en el cine se ha manejado con bastante frivolidad.

En Qué fue de Brad se pone el acento argumental en el eslogan “qué hubiera pasado sí”, que tiene su representación fílmica más acertada en la película Family man (Brett Ratner, 2000). Pero donde el cineasta estadounidense quiere llegar con esta cinta de crisis sobre la mediana edad es a aceptarse tal cual es uno, independientemente del éxito ajeno, principalmente de aquellos que fueron compañeros de andanzas del protagonista, por cierto interpretado impecablemente por Ben Stiller, seguramente en el mejor papel de toda su carrera.

A menudo nos quejamos de lo mal que nos va en la vida pero tampoco hacemos nada por enmendar esa situación. O nos dejamos impresionar por las apariencias sin conocer los entresijos personales de aquellos a quienes consideramos que les va mejor. En este sentido, la historia traza una revisión sobre nuestro pasado y pone negro sobre blanco que lo importante es valorarse a sí mismo. Valorar lo que tal vez no nos ha dado tiempo a hacer en otros contextos. Esa parte de la película resulta impecable.

Y no lo es menos el meollo que nace al albur de la relación que Sloan mantiene con su hijo, a saber, un joven fiel a su edad con quien experimenta otros momentos y otras situaciones que le hacen sentirse vivo de nuevo. Esa relación padre-hijo, tan estudiada en el cine contemporáneo, es otra de las grandes bazas del filme. Y lo que Mike White ha conseguido es el equilibrio entre quién soy en realidad y a quién pertenezco, es decir, entre las dos partes con contextualizan la comedia. A todo ello colabora, naturalmente, un espléndido reparto que da la medida necesaria para encarar el conflicto de manera serena en esta propuesta madura y responsable, incapaz de dejar indiferente al respetable.

José Luis Panero

@PALOMITERO

 

(Brad’s Status, Estados Unidos, 2017)

Dirección: Mike White

Guión: Mike White

Interpretación: Ben Stiller, Austin Abrams, Jenna Fischer, Luke Wilson, Jemaine Clement, Michael Sheen, Erin Agostino, Denisa Juhos, Pamela Figueiredo, Bruce Dawson, Nathaly Thibault, Shazi Raja, Larry Eudene, Meghan Gabruch, Richard Jutras, Dawn Ford, Xavier Pérez Grobet, Mike White

Duración: 101 min.

Género: Comedia

Categories: Notícies d'Esglèsia

Just Getting Started

Pantalla 90 (CEE) - Dm, 02/01/2018 - 1:11pm

Just Getting Started 

Público recomendado: Familiar

Just Getting Started es el regreso a las pantallas de Ron Shelton, autor de Los blancos no la saben meter o Tin Cup, como escritor y director.

La película cuenta la historia de Duke (Morgan Freeman), un hombre que dirige un resort turístico, y que se encuentra con una serie de disparatadas circunstancias que dan la vuelta a la estabilidad de su vida y su profesión. Entre ellas está la llegada de Leo (Tommy Lee Jones), un misterioso personaje que se hospeda en el hotel, y con el que tendrá encuentros y desencuentros.

La película pretende afrontar los temas de la “edad de oro” con grandes y viejas glorias, y lo hace en una comedia de enredos que resulta barata y que recuerda un tanto a una TV Movie, donde se incluyen un triángulo amoroso y tintes de acción, todo ello acompañado por un entorno navideño.

Pese a contar con grandes actores en cabeza, la película no resulta en absoluto conquistadora, pudiendo gozarse de ella apenas en los gestos esporádicos que Freeman o Lee Jones puedan desprender en los momentos que comparten. En general, Just Getting Started resulta insatisfactoria y poco agraciada en términos cinematográficos.

Carlos Robisco

 

Ficha técnica:

(2017), EEUU

Dirección: Ron Shelton

Interpretación: Morgan Freeman, Tommy Lee Jones, René Russo

Duración: 91 min

Distribuidora: eOne

 

Categories: Notícies d'Esglèsia

Gremlins

Pantalla 90 (CEE) - Dv, 29/12/2017 - 1:40pm

Gremlins 
Público adecuado: Jóvenes

Vuelve a nuestras carteleras uno de los títulos estrella de la mítica productora que Steven Spielberg fundó en los años 80, Amblin. Nos referimos a Gremlins, que se ha convertido con los años en un clásico navideño, divertida y familiar pero con un fondo oscuro.

El joven Billy recibe de su padre un curioso regalo de Navidad: una criatura peluda llamada Gizmo, pequeño y adorable, pero acompañado de tres reglas inquebrantables: no debe recibir la luz del sol, no debe mojarse, y sobre todo, no debe comer después de medianoche.

Gremlins es un fiel ejemplo de ese cine comercial de calidad que representó Amblin en los años 80. Una serie de películas con las que creció una generación entera de espectadores que se convirtieron en amantes del cine. Películas repletas de ese sentimiento de la maravilla (sense of wonder) del que tanto hablan los críticos americanos para hablar de Steven Spielberg. Al igual que E.T., Poltergeist, Los Goonies o Regreso al futuro, Gremlins basa su gran eficacia en presentar un entorno real y tangible (un pequeño pueblo estadounidense, recreado en el mismo plató donde se rodaría un año después Regreso al futuro), y en medio de esa cotidiana normalidad, surge lo asombroso. Ese elemento fantástico puede ser luminoso y benefactor, como en E.T., o aterrador y maligno, como en el caso de Poltergeist y la propia Gremlins.

El guion de Chris Columbus y la dirección de Joe Dante consiguen dar con el punto justo en la mezcla de humor, terror, suspense, ternura y diversión. Los actores son absolutamente creíbles como americanos medios (de hecho, ninguno de ellos llegó a convertirse en estrella de cine), perfectos representantes de esa filosofía del cine de Spielberg: “personas corrientes en situaciones extraordinarias”.
Pero sin duda los grandes protagonistas de Gremlins son las criaturas del título. Tanto el entrañable y carismático Gizmo, como los maliciosos duendecillos verdes que se dedican a vandalizar la pequeña ciudad de Kingston Falls durante las fiestas navideñas. Algunos de los personajes humanos reciben un castigo relacionado con las miserias humanas que han mostrado a lo largo del metraje, dejando en la atmósfera de la película un aroma al Cuento de Navidad de Dickens.

Federico Alba.

 

Ficha técnica:

(EE.UU., 1984)

Director: Joe Dante.
Guion: Chris Columbus
Productor: Steven Spielberg
Intérpretes: Zach Galligan, Phoebe Cates, Hoyt Axton, Keye Luke, Dick Miller.
Música: Jerry Goldsmith
Duración: 106 minutos
Género: Fantástico

Categories: Notícies d'Esglèsia

Una vida a lo grande

Pantalla 90 (CEE) - Dv, 29/12/2017 - 1:22pm

Una vida a lo grande 

Público recomendado: Familiar

Una vida a lo grande (Downsizing)  es la última película de Alexander Payne (Los descendientes, Entre copas), y trae la historia de una sociedad en la que se ha alcanzado con méritos científicos la posibilidad de empequeñecerse (de forma irreversible), para un más beneficioso consumo de los recursos del planeta.

El protagonista es Paul Safranek (Matt Damon), un infeliz estadounidense que decide cambiar su vida empequeñeciéndose y que, por infortunios del destino, no acaba de encontrar su lugar en esta nueva sociedad.

La película articula un discurso ecologista, enfocándose en el problema de la sobrepoblación y el consumo masivo de recursos; en el desarrollo de la trama, de hecho, se tocan temas como las diferencias sociales, el exceso de consumo,  y la vida sin sal del trabajador funcional pero sin amor por el día a día.Con todo el discurso que pretende plantear, sin embargo, Una vida a lo grande se ve atrapada en gran medida en un moralismo por efectista. El high concept del empequeñecimiento queda a un lado, como algo meramente anecdótico, para pasar a tocar temas sociales más o menos manidos; la estructura de la película hace piruetas argumentales extrañas pasando de paraíso a desierto y a circunstancias en la que los hilos del destino de los personajes se van entrelazando de forma ambigua y fortuita.

Con todo, la película cuenta con toques de humor que pueden recordar un poco a la brisa agradable de Entre copas, y cuenta además con un reparto bien nutrido, que incluye a un Christoph Waltz entrañable e hilarante. Sin embargo, por el moralismo en el que inevitablemente cae por la fusión del tema de fondo y la dirección narrativa, se queda coja, a medias tintas.

Carlos Robisco

 

Ficha técnica:

(Downsizing) (2017), EEUU

Dirección: Alexander Payne

Interpretación: Matt Damon, Christoph Waltz, Hong Chau, Kristen Wiig

Duración: 135 min

Distribuidora: Paramount Pictures Spain

 

 

 

 

Categories: Notícies d'Esglèsia

Suburbicon

Pantalla 90 (CEE) - Dv, 29/12/2017 - 1:14pm

Suburbicon 

Público recomendado: Adultos 

Suburbicón es la última película en la que Clooney y los Coen suman fuerzas, con la dirección del primero y la participación en el guión todos ellos. Cuenta la historia de un pueblo de EEUU donde se pretende que todo sea perfecto, reforzado con una imagen de american way of life paradisíaco, en un vecindario lleno de hileras de casas idénticas con grandes jardines.

La unión de elementos, en este caso, no hace la fuerza, y el resultado en la película es un registro narrativo confuso, incertero, con incisiones en el cine noir, la comedia negra y el drama social. El cacao resultante es poco sugerente y casi nada seductor.

La línea narrativa se sostiene con el punto de vista de un niño con un entorno familiar que, siendo pretendidamente bueno, es realmente oscuro y conflictivo. Lo mismo se extrapola al entorno vecinal, donde hay un racismo bien atacando, dando duro.

La película junta dos tramas que resultan totalmente independientes: una familia negra despreciada y una familia blanca que tiene mucho lío dentro y problemas en la cabeza. Lo que aparentemente liga a ambas es un entorno común, pero este no se hace justicia en ninguno de los casos.

En general, debido a que cae demasiado en lo caricaturesco y lo manido, con gente que es mala porque es mala, poca humanidad impregnada en los personajes, y una trama demasiado mascada, Suburbicón, que pretende hablar de un tema claro (la pretensión imposible de volver a empezar siempre en un lugar mejor, sin mirar que en el fondo uno está podrido), no consigue marcar un mensaje consistente ni una narrativa atractiva y congruente.

Carlos Robisco

 

Ficha técnica:

(2017), EEUU

Dirección: George Clooney

Interpretación: Matt Damon, Julianne Moore, Oscar Isaac

Duración: 105 min

Distribuidora: DeAPlaneta

 

 

Categories: Notícies d'Esglèsia

Dando la nota 3

Pantalla 90 (CEE) - Dv, 29/12/2017 - 1:05pm

Dando la nota 3 

Público recomendado: Jóvenes-Adultos
Las “Bellas”, el grupo femenino de canto a capella, que ya había ganado el campeonato universitario (Dando la nota, 2012) y el campeonato del mundo (Dando la nota aún más alto, 2015) vuelve a la carga, pero esta nueva reunión de las “Bellas” se produce cuando ya el grupo se ha desintegrado y todas ellas se las han tenido que ver con el duro inicio de sus carreras profesionales. Cargadas de nostalgia por volverse a reunir, reciben la invitación adecuada para un reencuentro. Cuando parece que su carrera como grupo está acabada, cae del cielo una oportunidad para una gira internacional acompañando a las tropas del ejército estadounidense desplegadas en Europa.

¿Tiene esta tercera entrega algo nuevo que aportar o es más de lo mismo? La directora Trish Sie se puso manos a la obra y lo ha logrado. Ella se ha confesado fan de las entregas previas y honrada por verse continuadora, lo que le ha inspirado mucho respeto por sus personajes. El mismo elenco de actoras, que se lleva muy bien, ha gozado de una gran libertad en el desenvolvimiento de sus personajes. El guion se modificó muchas veces, pero varias cosas las tenía muy claras. Por lo menos, tres, según dio a conocer en entrevistas: la renuncia a hacer una trama en el que dos de las “Bellas” se pelearan por un hombre, la necesidad de contarnos más sobre el pasado de alguna de ellas y la trama de aventuras a lo James Bond. De este modo ha logrado no estancarse en la fórmula ya conocida de concurso-competencia-rivalidad-victoria final; y además ha superado el tono excesivamente chabacano de la segunda entrega. Ha superado ese regustillo feminista ramplón de la segunda entrega. No era un feminismo antimasculino, sino más bien un feminismo de la independencia total, en plan “y si somos las mejores bueno y qué”. Pero en esta entrega, más sensata, encontramos a las “Bellas” más vulnerables, más verdaderas, más humanas. Si por algún lado se ha excedido es por lo excesivamente melosas que son las relaciones de ellas entre sí. Pero a eso la directora contesta que, con los tiempos que corren, es una medicina que nos viene bien. Razón no le falta. Las bellas son una familia, como les gusta decirse a sí mismas. Da igual la ambigüedad del término, lo cierto es que los lazos de la amistad merecen la pena ser cantados, (y bailados).

Lo que sigue siendo impresionante es la música y las coreografías, siempre en el nivel más alto posible. Podríamos decir que estas escenas, músicas y bailes justifican, con mucho, la película.

 

Pablo Gutiérrez Carreras

 

Ficha técnica:

(Picht perfect 3, USA 2017)

Director: Trish Sie

Guion: Kay Cannon, Mike White

Interpretación: Anna Kendrick (Beca), Hailee Stanfield (Emily), Brittany Snow (Chloe), Anna Camp (Aubrey), Skylar Astin (Jesse), Rebel Wilson (Fat Amy).

Duración:

Género: Comedia – Musical

 

Categories: Notícies d'Esglèsia

Jumanji: Bienvenidos a la jungla

Pantalla 90 (CEE) - Dv, 22/12/2017 - 1:34pm

 

Jumanji: Bienvenidos a la jungla 

Público recomendado: Jóvenes

Uno de los estrenos destacados para la época navideña, este Jumanji es una secuela (con aroma a remake) de la película de 1995 dirigida por Joe Johnston (Parque Jurásico III, Capitán América), y protagonizada por el desaparecido Robin Williams. Una película infantil generacional que ahora pretenden renovar para enganchar a los jóvenes espectadores del nuevo siglo.

Cuatro adolescentes descubren un vídeo-juego con propiedades mágicas, que los sumerge en el mundo de Jumanji, donde aparecerán como los avatares que eligieron, de modo que tendrán que usar sus habilidades para escapar sin perder todas sus vidas.

La secuela de Jumanji plantea una diferencia fundamental respecto a la película original: los actores protagonistas ya no son niños, sino adultos. A partir de la idea de que el juego de mesa sea ahora un vídeo-juego, los adolescentes protagonistas son representados en el mundo de Jumanji por los personajes que eligieron. Esto permite un margen más amplio para la comicidad, ya que la apariencia de estos avatares no coincide con su manera de hablar y comportarse.

La película pretende contar un viaje de maduración de los cuatro protagonistas, en el que deberán aprender el valor de la colaboración y la amistad. Lo hace de manera bastante obvia y trillada, dando toda la relevancia al entretenimiento, el abundante humor y la acción. Después de un arranque algo lento, el ritmo de la película se normaliza y resulta un eficaz pasatiempo para niños mayores y adolescentes. Incluso los adultos pueden pasar un rato agradable. Carece de la magia y el encanto de la Jumanji original, así como de una presencia actoral tan poderosa como la de Robin Williams, pero cumple su cometido sin demasiada pena ni demasiada gloria.

Los aficionados a los vídeo-juegos encontrarán cierto deleite en la presentación visual de lo que supone introducirse en uno; los seguidores de las películas de acción tendrán una buena ración, servida por el número uno actual del género, Dwayne Johnson. Y los que busquen un entretenimiento sin complicaciones para una de estas tardes navideñas pueden considerar Jumanji: Bienvenidos a la jungla una buena opción. Pero eso sí, mejor ir sin esperar demasiado de ella.

 

Federico Alba

 

Jumanji: Welcome to the Jungle, EE.UU., 2017)

Director: Jake Kasdan.

Intérpretes: Dwayne Johnson, Jack Black, Karen Gillan, Kevin Hart.

Duración: 119 minutos.

Género: Fantasía.

Categories: Notícies d'Esglèsia

La cena

Pantalla 90 (CEE) - Dj, 21/12/2017 - 11:36am

La cena 

Público recomendado: jóvenes y adultos

¿Cuál es la responsabilidad moral de un padre para consigo mismo y para con su hijo cuando descubre que este ha cometido un cruel y sorprendente crimen? ¿Debe acaso entregar a su propio hijo a la policía, traicionar su confianza, privarle de la posibilidad de un futuro y sentenciar su vida o, en cambio, debe protegerlo, negar el atroz delito, esconderlo y luchar contra los remordimientos? Esta es la controversia que plantea el director y guionista de la película La cena, Oren Moverman (The Messenger, Time Out of Mind), en una floja adaptación del homónimo libro del escritor holandés Herman Koch.

Unos distanciados hermanos Lohman, Stan y Paul, se reúnen con sus parejas para cenar juntos en un lujoso restaurante: Stan, interpretado por Richard Gere (Pretty Woman y Chicago), es congresista y un hombre de éxito; Paul, un genial Steve Coogan (María Antonieta y Philomena), excéntrico y con problemas de sociabilidad. Han pasado los años y la relación se ha ido enfriando paulatinamente; es también una familia que sigue sufriendo los embates de la enfermedad mental de uno de sus miembros y que debe enfrentarse al chantaje de uno y a los disparatados actos de otros. Ambas familias quieren a sus hijos, pero tienen opiniones contrarias sobre la respuesta que tienen que dar ante el delito: están obligadas a mirar a la cara (o no) lo que sus hijos han llevado a cabo y deben decidir si optan por destapar la verdad y acatar la justicia o encubren a sus hijos y les aseguran un buen presente y un futuro prometedor. La decisión se va fraguando durante toda la velada, frecuentemente interrumpida por el temperamento de las diferentes parejas: unos se levantan y van a dar una vuelta para calmarse, otros lloran y los demás atienden llamadas. Y así, la dinámica misma de la cena provoca una aguda sensación de alienación en el espectador: las constantes rupturas que se producen en los diálogos -por los motivos que sean- evitan una profundización seria y exhaustiva por parte de los comensales acerca de la importante cuestión que deben afrontar. Y, de esta manera, la única tesis viable y razonable que va cogiendo forma y abriéndose camino es una solución y un mero compromiso utilitarista, en la que se evalúan argumentos a favor de esta o aquella cuestión sin llegar a plantearse y dejarse tocar por el drama de un crimen que, en vez de sacudir sus vidas, es analizado y sopesado como una molestia más, como algo que debe resolverse para que no empañe y deslustre la «verdadera» vida, la futura, aquella que, en el fondo, nunca llega.

Guillem Lisicic

 

 

 

Ficha técnica:

Título original: The Dinner

Director: Oren Moverman

Guion: Oren MOverman

Autor de la novela: Herman Koch

Música: Elijah Brueggemann

Fotografía: Bobby Bukowski

Montaje: Alex Hall

País: Estados Unidos

Duración: 120 minutos

Año: 2017

 

Categories: Notícies d'Esglèsia

Muchos hijos, un mono y un castillo

Pantalla 90 (CEE) - Dm, 19/12/2017 - 1:08pm

Muchos hijos, un mono y un castillo 

Público recomendado: adultos

Experiencia alucinógena, disparate mayúsculo, entrañable ditirambo, la obra pergeñada por Gustavo Salmerón nos lega múltiples sensaciones en nuestras saturada y estragadas retinas. El espectador va oscilando entre la carcajada mas estruendosa a una acerada melancolía transitando, sin descanso posible, hacia una potentísima emulsión de vitriolo. De la mano de Julia Salmerón, genuina protagonista de la cinta dirigida por su hijo, da comienzo una búsqueda de linaje azconiano/berlanguiano (no en vano la banda sonora recuerda poderosamente a la descomunal Placido). En esta fascinante exploración familiar nos iremos sumergiendo en una disparatada aventura que toma como pretexto la búsqueda de dos vértebras entre un desbarajustado batiburrillo de cajas, bultos y paquetes que la familia ha ido acumulando durante decenios. Desde ese instante, la certera y entrañable cámara de Salmerón realiza una hondísima reflexión sobre los recuerdos, las memorias y el olvido, erigiéndose como gran protagonista la familia, mejor dicho, su incuestionable y perdurable valor.

Trasteros que revelan una intimidad desnudada, siempre de manera pudorosísima, el concierto número de 15 de Mozart (y el opus 39 de Brahms) nos va guiando y relatando en esta historia instantes sencillamente indelebles: las muelas guardadas en un bote de sacarina, la Navidad celebrada desde el mes de julio, sus tardíos desayunos, el tenedor mágico, los recuerdos políticos, un marido tan generoso como lacónico.  Reímos, lloramos, aplaudimos, recordando a grandes madres/matriarcas de la historia de nuestro cine. Qué decir de Carmina Barrios. O Felicidad Blanc, protagonista de El desencanto. O la Stella Dallas de King Vidor. O La madre de Pudovkin. O las torrenciales madres de Ford. O de Vitorio De Sica. O tantas y tantas que sería latoso enumerar.

Mujer de tres lúcidos deseos, expuestos en el título. Mujer de tres sueños satisfechos, se revela colosal cuando nos habla de la reciente crisis económica o del adiós (ese primer adiós que supuso despedirse de su alucinado simio Oscar). Hablando de la muerte, realiza un irrenunciable canto a la vida (como la reciente maravilla Coco). La devastación del paso del tiempo pasa por el tamiz de Julita como un tránsito gozoso y poco trágico. La postrera sombra que nos coagulará definitivamente el paso, su afán ansioso, es cortocircuitado por nuestra protagonista con gracejo y sal, excentricidad y desgarro, pasión y fragilidad.  Al alimón con su hijo, Gustavo Salmerón ha filmado a su amada madre a lo largo de varios años para construir una historia un documental que va mas allá de la una pastueña domesticidad y se metamorfosea en una declaración de amor a una madre, a una mujer heroica a su manera, de vitalidad contagiosa, ironía finísima y sabiduría consuetudinaria.

Luys Coleto

 

Categories: Notícies d'Esglèsia

Wonder Wheel

Pantalla 90 (CEE) - Dm, 19/12/2017 - 12:37pm

Wonder Wheel 

Público recomendado: Jóvenes

Un relato fuerte y dramático de pasión, violencia y traición que cuenta la historia de cuatro vidas entrelazadas en el ajetreo y el bullicio del parque de atraccciones de Coney Island, en la década de los 50:

  • Ginny, una actriz fracasada que trabaja actualmente como camarera, con una existencia anodina y que se aburre junto a su marido al que ha dejado de amar. A sus 40 años sigue siendo hermosa, y, aunque alberga pocas ilusiones sobre su futuro, en el fondo, no ha renunciado a sus sueños de volver al teatro. Vive bastante amargada, con mucha confusión sobre su vida. Por si todo eso fuera poco, tiene un hijo de su primer matrimonio, que no hace más que crearle problemas por su piromanía.
  • Humpty, encargado de un tiovivo y marido de Ginny es un buen hombre pero bastante ordinario, con afición a la bebida y arrebatos de violencia.
  • Caroline, la hija díscola de Humpty que se ha presentado en casa de su padre a esconderse de una banda de gánsters que la persiguen.
  • Micky es un joven y apuesto socorrista de playa, que sueña con ser dramaturgo. Es el narrador del relato. Con este acertado recurso del narrador omnisciente, Allen consigue dar fluidez al guion e introducir numerosas referencias teatrales (Shakespeare, O’Neill, la tragedia griega…), que acaban dando hondura de sentido al hilo argumental. Micky es sobre todo un profundo admirador del teatro de O’Neill, cuyos personajes suelen acabar cayendo en la desesperación.

La falta de esperanza es una clave importante para entender el desarrollo de la trama, una historia sombría e inquietante que presenta a menudo el aspecto de teatro filmado, que acaba derivando en una pequeña tragedia, ocasionada por las decisiones equivocadas de unos personajes torpes, no, como en la tragedia griega, por un destino implacable que se cerniría sobre ellos. Sin embargo, la película acaba dejando en el espectador la oscura impresión de que no hay esperanza para el ser humano, cualquier ilusión es efímera e irremisiblemente aboca en el vacío. Uno puede llegar a lo más alto y conseguir ver el mundo desde su atalaya, pero tarde o temprano irremediablemente se empieza a caer hasta ras de suelo. Es el «wonder wheel» de la vida, la noria que no deja de rodar.

En el centro de la intriga, el personaje central es Ginny, una mujer desnortada, inestable y ligeramente alcoholizada, a la que el maestro Allen consigue nimbar de una majestuosa amarga tristeza como un ser herido por un destino trágico. Micky, joven y guapo, y, sobre todo, enormemente atractivo por sus aspiraciones literarias, la seduce con facilidad y ella deja todo para correr tras el ensueño de que algo puede cambiar en su vida. No es fácil encarnar a esa persona quebrada por sus propios errores y todavía capaz de ilusionarse por una quimera, pero Kate Winslet lo consigue de forma extraordinaria con una actuación brillante y luminosa. Su intensidad en la piel de Ginny consigue mantener la tensión de la película, que, en sí misma, adolece a veces de una cierta irregularidad en el ritmo. James Belushi realiza también un trabajo excelente como el marido tosco, pero buena persona en el fondo; Justin Timberlake y Juno Temple resuelven bien sus papeles y el resto de actores están más que correctos. En conjunto, el elenco realiza un gran trabajo.

La música, como no cabría esperar menos en una cinta de Woody Allen, es magnífica, con canciones e la época muy bien seleccionadas para cada momento y cada situación. La ambientación de los años 50 es impecable, pero donde el film brilla de modo excepcional, es en la fotografía del triplemente oscarizado Vittorio Storaro. Su paleta de colores es de una extraordinaria riqueza, con unos tonos ocre que tiñen las imágenes de un halo de suave nostalgia, casi de melancolía. Otras veces, la luz y los colores vivos constituyen un elemento crucial de la película en instantes intensos del relato.

Aunque alejada de las mejores obras del director de Manhattan, es una buena película, que acaba dejando un sabor agridulce. Dulce porque permite pasar un buen rato con unas historias humanas entretenidas -aunque desiguales- , y supone un auténtico deleite para el oído y para la vista. Y por encima de todo, aun siendo una obra mediana de Woody Allen, no deja de ser una lección de buen cine del maestro indiscutible.

Mª Ángeles Almacellas

 

Ficha técnica:

Wonder Wheel (EE.UU., 2017)

Duración: 101 min.

Género: Drama

Dirección: Woody Allen

Intérpretes: Kate Winslet, Justin Timberlake, James Belushi, Juno Temple, Max Casella, Jack Gore, Tony Sirico, Steve Schirripa, David Krumholtz, Maddie Corman

Guión: Woody Allen

Fotografía: Vittorio Storaro

 

 

Categories: Notícies d'Esglèsia

Star Wars: Episodio VIII – Los últimos Jedi

Pantalla 90 (CEE) - Dll, 18/12/2017 - 2:18pm

Star Wars: los últimos Jedi 

Público adecuado: Jóvenes

Llega el esperadísimo nuevo episodio de la saga Star Wars, después de que El despertar de la Fuerza se convirtiera en un auténtico fenómeno social hace dos años. En esta ocasión el nuevo director, Rian Johnson, ha optado por un cambio de enfoque que ha convertido la película en una de las más discutidas entre los fans.

Rey intenta convencer a Luke Skywalker para que ayude a la resistencia y para que la guíe en los caminos de la Fuerza. Mientras, la malvada Primera Orden arrincona a los cada vez más diezmados rebeldes.

A pesar de que El despertar de la Fuerza dejó contentos a casi todos los espectadores, muchos le reprochaban haber ido demasiado a lo seguro, calcando prácticamente el esquema de La Guerra de las Galaxias original. Parece que Rian Johnson tomó buena nota y desembarcó en este episodio octavo con la idea clara de huir de los planteamientos seguros. Se diría incluso que se recrea con cierto humor autoparódico en frustrar las expectativas de los fieles seguidores de la saga. Este planteamiento es sin duda arriesgado, brinda algunos momentos sorprendentes, y eso se agradece. Además,  Johnson incorpora esa filosofía a la propia historia, que gira en torno a superar el pasado, las ideas preconcebidas del bien y del mal, casi como si estuviera hablando directamente a la  base fan de Star Wars, pidiéndoles que renieguen de la mitología creada por George Lucas.

El propio Mark Hamill reconoce que no comparte con Johnson su visión sobre Luke, su personaje. Sin duda resulta extraño ver al héroe de la primera trilogía retratado de un modo tan desencantado. Sin embargo, posee el arco de transformación más interesante en la película, un maestro que debe aprender a asimilar el fracaso, y asumir su responsabilidad.

Johnson también aprovecha este espíritu desmitificador para introducir mensajes políticos de forma no demasiado sutil en contra del capitalismo y el negocio de la guerra. También se aprecia una mirada crítica sobre las religiones (idea representada por el último templo Jedi que custodia Luke Skywalker), abogando por una espiritualidad personal tipo New Age.

La película reutiliza ideas y situaciones vistas en El Imperio contraataca y El retorno del Jedi, pero lo hace de modo que el cambio de contexto supone una reinterpretación fresca de las mismas.

El problema es que la forma cinematográfica no termina de cuajar del todo: la primera hora es demasiado lenta, lo cual lastra el resto de la película, que termina haciéndose algo larga. Además, se ha concedido una subtrama a dos personajes secundarios de escaso carisma, que hace decaer el interés del espectador. Algunas otras arritmias y problemas de montaje se suman a la lista.

En definitiva, un contraste de aciertos y errores, atrevimientos y reciclajes, que convierten esta Los últimos Jedi en una extraña película, interesante y distinta en sus planteamientos, pero desigual en su ejecución; brillante en algunos momentos y torpe en otros.

El debate entre los fans de Star Wars alrededor de este octavo episodio promete durar años. ¿Una original vuelta de tuerca o una traición al espíritu de la obra de Lucas? Puede que tenga algo de las dos cosas.

 

Federico Alba

 

Ficha técnica:

(Star Wars: The Last Jedi, EE.UU., 2017)

Director: Rian Johnson.

Intérpretes: Daisy Ridley, Mark Hamill, Adam Driver, Carrie Fisher, Oscar Isaac, John Boyega, Benicio Del Toro, Laura Dern.

Música: John Williams.

Duración: 152 minutos.

Género: Ciencia-ficción.

Categories: Notícies d'Esglèsia

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